Historia de la Música en los Años 60

Este elemento es una expansión del contenido de los cursos y guías de Lawi. Ofrece hechos, comentarios y análisis sobre este tema. [aioseo_breadcrumbs] La década de los 60 comenzó con la música soul encabezando las listas de éxitos, incluyendo a las divas del soul puro y a los cantantes especializados en la nueva fusión de música rhythm and blues-gospel con un enfoque secular. Más tarde surgieron especialidades del soul, como los grupos de chicas, el soul de ojos azules, el soul de ojos marrones, el soul de Memphis, el soul de Filadelfia y, el más popular, la Motown.Entre las Líneas En la última parte de la década, cantautores como Marvin Gaye inventaron el soul orientado a los álbumes, y James Brown y su banda de acompañamiento, en constante evolución, inventaron el funk.

La música moderna de los años 60 estaba dominada por el sonido Nashville hasta que Merle Haggard cambió el sonido country nacional por el sonido Bakersfield. Durante un tiempo, el sonido Bakersfield fue la única música nacional que podía competir en ventas con la afluencia de bandas británicas; esto se llamó la Invasión Británica, y provocó una nueva ola de música y activismo social. El rock psicodélico surgió de esta subcultura, que se oponía a la guerra de Vietnam y apoyaba los derechos civiles y otras causas generalmente de izquierdas. Aunque la energía de esta escena se mantuvo fuerte durante algún tiempo, pronto se dividió en la competencia del heavy metal, el primer art-punk rock y el rock progresivo.

Autor: Henry

Historia de la Música en los Años 60 en América

Crecimiento de la actividad musical en América

Flujo de música en varios estilos

La música en Estados Unidos es un gran negocio, un gran arte, un gran ruido. Independientemente de cómo se describa, el adjetivo más destacado es grande, ya que la música de algún tipo ha llegado a impregnar casi todos los aspectos de la vida estadounidense. Desde los tiempos de los puritanos que cantaban salmos, los estadounidenses han sido un pueblo musical, pero nunca antes la música había estado tan insistentemente presente en sus vidas. Las maravillas tecnológicas de la reproducción del sonido, unidas a la explotación comercial de la propensión del hombre a cantar, han hecho posible un flujo continuo de sonido musical las 24 horas del día, los 365 días del año, procedente de los millones de radios, televisores, tocadiscos, bandas sonoras, cintas y sistemas de sonido de la nación. Además, millones de vocalistas e instrumentistas profesionales y aficionados practican, actúan o simplemente tocan para su propio deleite en una medida sin precedentes en la historia de Estados Unidos. A veces, el sonido de la música parece haber penetrado prácticamente en todos los recovecos del espacio habitable; a menudo es más difícil escapar que encontrarla.

Siendo prácticamente todo el mundo un adicto a la música, no es de extrañar que se cultiven muchas formas diferentes de música. La pasión imperante por la música va desde la moda de las piezas de salón antiguas, tocadas con instrumentos que hace sólo unos años se consideraban obsoletos, hasta la fascinación por las experimentaciones con sonidos producidos electrónicamente que exigen el oído y la mente. Sólo en el campo de la música popular hay numerosas subdivisiones, cada una con su grupo de devotos: el jazz en sus diversas formas o etapas de desarrollo, el rock ‘n’ roll, las versiones modificadas de la música folclórica, las melodías de espectáculos, etc., así como combinaciones en constante evolución como el rock-jazz, el country-pop, el blues electrónico y similares.

Los favoritos del pasado compiten con los nuevos y extraños.Entre las Líneas En la sala de conciertos, la literatura estándar sigue dominando mientras el público se somete cada vez más a la producción auditivamente abrasiva de los modernistas.Entre las Líneas En el campo del pop, Irving Berlin y Cole Porter conviven en las ondas y en las colecciones de discos con el Sargento Pimienta de los Beatles y el “nuevo sonido” de Jefferson Airplane.

Una de las principales innovaciones, tal vez más difícil de asimilar para el melómano anticuado, es la introducción de sonidos producidos electrónicamente en la composición musical. La electrónica fascina a algunos de los compositores más imaginativos, tanto en el ámbito del pop como en el de la música clásica. Es, de hecho, uno de los varios elementos que unen los dos corredores del desarrollo musical de Estados Unidos, antaño muy separados. El paso de uno a otro por parte de compositores e intérpretes dotados ya no es inusual. Las críticas a la última producción de los artistas de jazz y música pop1 , que ahora son habituales en muchas publicaciones para el público en general, han tendido a acentuar la impresión de un acercamiento de las dos principales corrientes de la música estadounidense.

Mientras tanto, Estados Unidos, y especialmente la juventud estadounidense, escucha, canta y toca. Hay muchos que no soportan gran parte de lo que escuchan, y la brecha generacional es tan amplia en la música como en la política y los peinados.Si, Pero: Pero se puede afirmar que la música que escucha un estadounidense medio (de buena o mala gana) en un periodo determinado constituye un verdadero espejo de la época. Las mezclas de formas y estilos musicales, la búsqueda de nuevos sonidos y nuevas relaciones tonales y rítmicas, la persistencia de modismos musicales del pasado, las canciones de amor descaradamente sexuales, las canciones de protesta de la juventud estadounidense, la música soul negra, incluso los anuncios publicitarios y la insípida música de fondo que se emite en restaurantes, tiendas y ascensores de edificios públicos, todo ello podría justificar la afirmación de que, si no se le diera otra cosa que su música, el arqueólogo del futuro podría hacer un buen trabajo de reconstrucción de la civilización estadounidense en la década de los sesenta.

Aumento de la compra de discos y de la música en la radio

La omnipresencia de la música en la vida estadounidense, evidente para todos, ha sido documentada por estadísticas dispersas, elaboradas por diferentes segmentos de la industria musical.

Detalles

Las estadísticas no son una medida precisa porque la música se superpone a muchas otras áreas de la vida privada y comercial.

Prácticamente toda la población juvenil escucha música pop, principalmente discos emitidos por la radio o discos de sus propias colecciones personales o de sus amigos. La juventud americana es en gran parte responsable del fenomenal crecimiento de la industria discográfica, cuyas ventas al por menor se esperaba que ascendieran a mil millones de dólares o más en 1968. Aproximadamente el 85% de los discos vendidos pueden clasificarse como populares. Sin embargo, el interés por la literatura musical clásica sigue siendo fuerte: más de la mitad de los 35.000 listados de la edición actual del Catálogo de Discos de Larga Duración de Schwann se encuentran bajo el epígrafe “Clásico”, una categoría que incluye a compositores contemporáneos como (Harry) Partch y (John) Gage no menos que Beethoven y Haydn. Hay un flujo continuo de nuevos títulos en todas las categorías de la producción musical: Los fabricantes estadounidenses produjeron el año pasado 4.000 nuevos discos de larga duración y 7.000 nuevos discos sencillos.

Los estadounidenses poseen alrededor de 263 millones de radios, más de una per cápita, y la proporción de tiempo de radio dedicado a la música ha aumentado constantemente a medida que los programas cómicos y dramáticos se trasladan a la televisión. Broadcast Music, Inc. ha calculado que el estadounidense adulto medio escucha aproximadamente 17 horas de programación radiofónica a la semana, de las cuales aproximadamente cuatro quintas partes son grabaciones.2 B.M.I. no da ninguna estimación del tiempo de escucha de los jóvenes, que sin duda es considerablemente superior a la media. Con las radios de transistores de bolsillo, disponibles a bajo precio, y las radios de los automóviles, que se han convertido en equipamiento estándar, la música se ha vuelto realmente omnipresente. La televisión y el tocadiscos doméstico añaden sus cuotas a la inundación musical. “Los nuevos desarrollos técnicos y legales -el estéreo FM, el color y la inclusión obligatoria de sintonizadores UHF en todos los nuevos aparatos de televisión- están fomentando la construcción de emisoras de FM y de televisión educativa, que son los principales difusores de la música de concierto”, afirma el informe del B.M.I.

Los nuevos desarrollos técnicos en materia de grabación en cinta proporcionan otra fuente de música preparada. Las ventas de cintas pregrabadas están aumentando rápidamente. Comentando lo “extraordinariamente consciente de la música” que es el consumidor americano hoy en día, el jefe de una importante compañía productora de discos dijo: “Sus gustos… [son] muy variados, desde la música clásica hasta el rock, desde el folk hasta los espectáculos de Broadway; pero el hecho subyacente sigue siendo claro: el consumidor quiere música dondequiera que esté “3.

Otra prueba del crecimiento de la actividad musical en Estados Unidos es el aumento del número de orquestas sinfónicas: el total se ha triplicado desde 1939 y ahora son 1.500. Más de la mitad de las orquestas sinfónicas del mundo están en Estados Unidos. Cada estado tiene al menos una; sólo la ciudad de Nueva York tiene más de 30. La Liga de Orquestas Sinfónicas de Estados Unidos califica a 26 orquestas estadounidenses de “importantes”; es decir, que funcionan con presupuestos superiores a 500.000 dólares, que pueden llegar a los 4 millones. Otras 56 son orquestas con presupuestos de entre 100.000 y 500.000 dólares, y 36 tienen presupuestos de entre 50.000 y 100.000 dólares. Entre las restantes hay unas 300 orquestas universitarias y más de 1.000 orquestas comunitarias.

Aumento del número de orquestas sinfónicas

El gran crecimiento de las orquestas comunitarias, que suelen emplear a profesionales sólo como directores y primeros intérpretes, evidencia el creciente interés del público por la música más allá de la variedad pop. El número de orquestas comunitarias casi se ha duplicado en la última década; hace 40 años había menos de 100. Además de las orquestas sinfónicas, ahora hay 500 bandas comunitarias, 1.600 grupos musicales de diversa índole patrocinados o apoyados por la industria, 200 grupos musicales del servicio militar y numerosos conjuntos vecinales, fraternales y de otro tipo, así como combos de jazz.

La Guía del Músico de finales de los años 60 recoge 1.000 grupos de ópera, 150 de los cuales se han formado desde el recuento de la Guía de 1966. Prácticamente todos los estados cuentan con al menos un grupo de ópera; la Guía recoge 83 en Nueva York y 64 en California. Muchos de los grupos de ópera están relacionados con las universidades. El interés musical de Estados Unidos se manifiesta también en la existencia de numerosas asociaciones y clubes que fomentan el amor por determinados tipos de música. La Musicians’ Guide enumera 210 asociaciones de este tipo, desde la Accordion Symphony de Nueva York hasta la Viola Da Gamba Society of America, Inc. ubicada en Fiddlers’ Hill, en Edgewater, Md. El listado incluye también 270 festivales de música celebrados en 37 estados.

Multiplicación de las filas de intérpretes aficionados

Estados Unidos se ha convertido no sólo en un país de devotos oyentes de música, sino también en una nación de apasionados intérpretes de instrumentos musicales. Según la American Music Conference, hay 43,9 millones de músicos aficionados, tanto jóvenes como mayores -alrededor de una quinta parte de toda la población- y más del doble que en 1950. Aunque la gran mayoría de los tres millones que empiezan a tomar clases de música cada año son niños, casi cualquier profesor de música puede hablar de alumnos que empiezan o retoman su educación musical en la edad adulta, incluso en los años posteriores a la jubilación.

La Music Conference estima que los estadounidenses poseen 37 millones de instrumentos musicales, casi tres veces más que hace 30 años. El piano mantiene su lugar tradicional en la cima. Se estima que 23,5 millones de personas en Estados Unidos, en 1968, tocan el piano, de alguna manera. La propiedad de pianos aumentó rápidamente desde finales de la década de 1880, cuando se calcula que había 800.000 pianos o uno por cada 75 personas de la población, hasta aproximadamente 1920, cuando había siete millones o uno por cada 15 personas. A partir de entonces, las ventas de pianos disminuyeron bruscamente y prácticamente se paralizaron durante la Gran Depresión. Aunque volvieron a repuntar tras la Segunda Guerra Mundial, nunca se recuperaron los niveles de venta anteriores. Según la American Music Conference, en 1969 había 9,9 millones de pianos en el país, es decir, aproximadamente uno por cada 20 personas.

Pero el crecimiento más rápido de los músicos aficionados se ha producido entre los guitarristas. Como instrumento por excelencia del grupo de rock ‘n’ roll, la guitarra se convirtió inevitablemente en la favorita de los jóvenes estadounidenses, al igual que el saxofón fue el corazón y el alma de la moda del jazz durante la década de 1920. El número de personas que tocaban la guitarra pasó de 2,8 millones en 1957 a 11 millones una década después.

La comercialización de órganos eléctricos relativamente baratos, del tamaño de un apartamento, contribuyó a aumentar el número de aficionados a este instrumento, que pasó de 1,2 millones a 4,7 millones en la década de 1957-67. El crecimiento de las orquestas comunitarias y escolares y de los combos de música pop está respaldado por el hecho de que el número de instrumentistas de viento-metal y de viento-madera casi se duplicó durante la década, alcanzando los cuatro millones o más cada uno. La trompeta y el clarinete son los instrumentos más populares en estas dos categorías.5 Se ha observado un aumento más modesto en el número de músicos que tocan instrumentos de cuerda como el violín, la viola, el violonchelo y la viola baja.

El renacimiento de la admiración por la música de cámara de los siglos XVII y XVIII ha supuesto un fuerte aumento del número de flautas de pico, que ha pasado de 150.000 a 800.000 en esta década. La flauta de pico se adapta admirablemente al adulto que llega tarde al deseo de tocar un instrumento musical. A diferencia de la flauta travesera moderna, es relativamente fácil de aprender a tocar, tanto en lo que respecta a la digitación como a la producción de un sonido agradable. Es barata (la más barata cuesta menos de 10 dólares), está disponible en varios tamaños comparables a los rangos de la voz humana y se combina admirablemente con los instrumentos de cuerda en los conjuntos.

En la mayoría de los relatos sobre actividades recreativas en Estados Unidos no se menciona la creciente práctica de la “música doméstica”, es decir, la reunión informal y a menudo espontánea de aficionados para tocar música de cámara en casa. El alcance de esta práctica sólo puede adivinarse, pero su crecimiento queda patente en las actividades de organizaciones como la American Recorder Society y la Amateur Chamber Music Players. Esta última organización difunde una lista con miles de nombres, direcciones y números de teléfono de músicos aficionados, autocalificados, a los que les gusta “hacer música” con otros con niveles de competencia similares.

Inclusión de la música en los planes de estudio de las escuelas públicas

El resorte principal del crecimiento de la actividad musical en Estados Unidos puede encontrarse en las escuelas. La música, que antes se limitaba a cantar de forma desordenada en los libros de canciones estándar, se ha convertido en un elemento básico del plan de estudios. Muchos de los sistemas escolares del país introducen ahora a los niños del jardín de infancia en la música instrumental a través de la formación de bandas rítmicas. Cada vez son más las escuelas que inician a los alumnos de cuarto grado en la formación de orquestas reales, acogiendo a niños sin instrucción instrumental previa. Numerosas escuelas ofrecen instrucción de grupo en el piano. Las provisiones en los presupuestos de las escuelas primarias para contratar profesores de música bien formados, capaces de dirigir pequeños grupos de neófitos musicales, es un desarrollo relativamente nuevo.

Cuando una clase pasa al primer ciclo de secundaria, suele contar con un número de jóvenes veteranos en la interpretación de conjuntos que gravitan hacia la orquesta o la banda de la escuela, una tendencia fomentada por la concesión de créditos académicos por esta actividad. El resultado ha sido un sorprendente crecimiento de los conjuntos musicales en los grados superiores. La Conferencia de Música ha calculado que en 1967 había más de 70.000 grandes grupos musicales en escuelas primarias, secundarias y preparatorias públicas y parroquiales. Entre ellos había 7.500 orquestas, 51.000 bandas de música y de concierto y 11.000 “bandas de escenario”.6 El total estimado no tiene en cuenta un número desconocido de unidades más pequeñas -cuartetos de cuerda, orquestas de cámara, combos de jazz, grupos de rock ‘n’ roll, etc.- que se han ramificado a partir de las organizaciones musicales básicas de las escuelas.

Además de las organizaciones vinculadas a los centros educativos, existen grupos de ámbito municipal o comarcal formados por los mejores o más dedicados jóvenes músicos dispuestos a utilizar su tiempo libre para ensayar regularmente después de clase. La Conferencia de Música contabilizó al menos 360 orquestas sinfónicas juveniles de este tipo en la nación “con un gran aumento en número y calidad realizado desde 1960”. Muchas tienen temporadas de conciertos regulares; varias han sido invitadas a participar en un festival internacional de orquestas juveniles en Suiza el próximo verano.

Paralelamente al crecimiento de la música en las escuelas, se han desarrollado programas de música en colegios y universidades, principales proveedores de profesores y directores de música formados en las escuelas inferiores. La preparación para una carrera musical -como intérprete, musicólogo o profesor- ha llegado a considerarse una función tan propia de las universidades estatales como la preparación de los estudiantes para otras carreras. Las facultades de música de algunas universidades estatales (Indiana y Kansas, por ejemplo) se encuentran entre los mejores conservatorios del país y atraen a renombrados concertistas a sus plantillas. Más de 500 instituciones de enseñanza superior ofrecen al menos un curso de música de cuatro años de duración que conduce a una licenciatura en música, y muchas tienen también programas de postgrado en música.

Otro indicio del florecimiento de la vida musical es la creciente popularidad de los campamentos musicales de verano. Aproximadamente 375 campamentos de verano combinan los programas habituales de los campamentos con la enseñanza de la música y una cantidad considerable de actuaciones en conjunto. Aunque los campamentos son principalmente para músicos adolescentes o más jóvenes, 12.000 de los más de 150.000 campistas musicales en 1967 eran adultos. Varias universidades convenientemente situadas ponen las instalaciones de sus campus a disposición de los adultos amateurs, que combinan las actividades normales de las vacaciones con la interpretación en conjunto bajo la dirección de músicos profesionales.

Vagabundos de la música en el mercado

El amor por la música es responsable de un gasto considerable de los ingresos de los consumidores en Estados Unidos.Entre las Líneas En la actualidad se habla de la música como una industria de 2.000 millones de dólares. Esos 2.000 millones se dividen a partes iguales entre las ventas al por menor de discos y las ventas combinadas de instrumentos musicales, accesorios para instrumentos, material didáctico y partituras.Si, Pero: Pero los gastos atribuibles a la afición por la música van, obviamente, más allá de las cantidades correspondientes a esas ventas. El total incluiría los gastos de admisión a eventos musicales7 , los honorarios pagados por clases particulares de música, las contribuciones o los impuestos pagados para apoyar las actividades musicales y el dinero gastado por los particulares para comprar instrumentos musicales usados. El gasto en radios y televisores también puede asignarse al consumo de un producto musical.8

Dificultad para ganarse bien la vida con la música

Aunque el mercado de la música supone la transferencia de miles de millones de dólares al año, la carrera musical sólo promete riquezas a unos pocos excepcionales. El crecimiento de la música en las escuelas ha aumentado las oportunidades de empleo, ofreciendo un rendimiento financiero modesto pero estable, para los músicos que eligen la enseñanza. Sin embargo, en otras áreas de la actividad musical, las perspectivas actuales para el individuo que se embarca en una carrera musical van desde enormes ganancias para algunos de los principales intérpretes y grupos de actuación, y para los productores de discos de éxito, hasta compensaciones lamentablemente pequeñas para decenas de compositores e intérpretes con talento.Entre las Líneas En cuanto a las orquestas sinfónicas y las compañías de ópera, comúnmente consideradas la columna vertebral de la vida musical de una nación, incluso las más renombradas dependen en gran medida de las subvenciones de los mecenas ricos y de las contribuciones del público en general.

Un estudio intensivo sobre las artes escénicas, patrocinado hace varios años por el Fondo del Siglo XX, demostró que la “típica orquesta importante” recaudaba en taquilla menos de la mitad del dinero necesario para cubrir sus necesidades presupuestarias. Lo que más sorprendió a los investigadores fue “la casi universalidad de la brecha” entre los “ingresos obtenidos” y los gastos necesarios; las compañías de ópera se encontraban en la misma situación que las orquestas sinfónicas.9 En cuanto a los ingresos individuales de los músicos, una lista de la Oficina del Censo de las ocupaciones técnico-profesionales según los ingresos medios situaba a los “músicos-profesores de música masculinos” en el puesto 40 de una lista de 49 y colocaba a las músicas al final de una lista de 29. Un estudio sobre los ingresos de los compositores era aún más deprimente.

“La conclusión básica es que no se puede esperar ganarse la vida componiendo música seria y sin hacer nada más”. El compositor de música popular se encuentra en una situación diferente; puede ganar incluso menos que otros compositores, pero siempre con la esperanza de que algún día una de sus canciones se convierta en un éxito y le haga ganar una fortuna.

Los duros tiempos de los músicos estadounidenses en el pasado

El músico en Estados Unidos tiene una larga tradición de vida escasa. Hubo una considerable actividad musical entre los primeros colonos, que trajeron consigo las grandes tradiciones musicales de la Inglaterra renacentista y del norte de Europa, pero había pocos trabajos remunerados para los músicos. A los puritanos les gustaba cantar, tanto dentro como fuera de la iglesia, pero, aunque sus líderes trajeron cancioneros de la madre patria, es probable que la mayoría de los colonos cantaran de memoria las conocidas melodías de los salmos. Las ocho primeras ediciones del Libro de Salmos de la Bahía (de Massachusetts), famoso por ser el primer libro publicado (en 1640) en las colonias, no contenían ninguna notación musical, ya que el texto sugería que los versos se cantaran “en muy neere cuarenta melodías” disponibles en una conocida colección inglesa.

A medida que los rigores de la vida de los pioneros disminuían, se desarrollaba un mercado de instrumentos musicales. La sociedad colonial tomó sus pautas culturales del país de origen, donde los instrumentos de la música cortesana empezaban a ser adquiridos por los comerciantes más ricos. Pronto los colonos más acomodados importaron violas y virginales. A esto le siguió la inmigración de maestros de música de Londres y, más tarde, de Alemania.

Pocos de los músicos inmigrantes podían vivir sólo de la música, incluso cuando la combinaban con la enseñanza de la danza y la esgrima y con la reparación y afinación de instrumentos. Al igual que muchos músicos actuales, los del siglo XVIII se ganaban la vida con actividades más mundanas. Un profesor de violín de Nueva York, por ejemplo, tenía un negocio de limpieza de chimeneas; otro maestro de música se convirtió en vendedor de vino, y otro -un organista y compositor de Boston- abrió una tienda de comestibles.

En aquella época, las perspectivas económicas eran aún más sombrías para los músicos nativos que para los inmigrantes mejor formados. Estos últimos ocupaban puestos de música en la iglesia y el teatro, enseñaban a los hijos de los acomodados y proporcionaban entretenimiento musical a las fiestas más elegantes. Los músicos nativos solían proceder de niveles más humildes de la sociedad y servían a la gente corriente. Algunos de ellos se convirtieron en los favoritos del público, pero los que prosperaron lo hicieron por otros medios además de la música. Supply Belcher, conocido como “El Händel de Maine”, tenía una taberna. Incluso el enormemente popular William Billings, que dejó su oficio de curtidor por la música, no prosperó. Sus canciones se dieron a conocer en todo el país, y publicó media docena de colecciones de canciones en los años 1770-1794.Si, Pero: Pero Billings era tan pobre cuando murió en 1800 que su familia no pudo permitirse una lápida para su tumba.

Otro de Nueva Inglaterra, Lowell Mason, fue “el primer músico estadounidense que hizo una fortuna con la música”. Lo hizo componiendo canciones para un público gentil que disfrutaba armonizando vocalmente con el apoyo de un piano para ayudar a mantener el tono. Mason componía himnos, himnos y canciones escolares para cuatro voces y teclado, utilizando temas originales o adaptando pasajes de las obras de los maestros compositores europeos. Su primer cancionero, la Boston Handel and Haydn Society Collection of Church Music, publicada en 1821, tuvo 22 ediciones y le reportó 30.000 dólares a él y a la sociedad patrocinadora. Durante el siguiente medio siglo, Mason publicó docenas de colecciones similares. Otros compositores abastecieron el mismo mercado con himnos y baladas, y otros publicaron colecciones de cancioneros de corte más primitivo que eran los preferidos en las reuniones de campamentos y en los avivamientos.

La edición musical, el Tin Pan Alley y el mercado juvenil

La música como gran negocio surgió de dos componentes de la vida musical del siglo XIX: El crecimiento de la propiedad del piano (que dio lugar a la costumbre generalizada de imponer lecciones de música a los niños) y la prevalencia de la actividad musical centrada en el hogar. A finales de siglo, un piano en el salón se había convertido en un elemento básico de la casa de la gente, un accesorio tan deseable para la sociabilidad entre los jóvenes como lo es hoy el tocadiscos.

En una época en la que sólo se podía tener música asistiendo a un concierto o haciéndola uno mismo, el editor de música estaba en una posición especialmente favorable porque “ofrecía al público un producto musical -la partitura impresa- que era indispensable para todas las formas de hacer música, públicas y privadas, seculares y religiosas, y para cada paso del proceso educativo en la música”. La profusión de partituras disponibles en esa época está indicada por el catálogo de 1867 de una de las mayores empresas editoras de música de la época, Ditson’s, que enumeraba 33.000 títulos “todos ellos tocables total o parcialmente en el piano”.

La aparición del Tin Pan Alley15 en la última parte del siglo cambió el carácter de la publicación de música popular. Antes, los editores de música solían publicar todo tipo de partituras y se esforzaban poco por promocionar una canción en particular; en muchos casos se limitaban a imprimir trabajos, y el compositor o coleccionista de canciones pagaba el servicio de impresión. Los editores de Tin Pan Alley no sólo se especializaban en música popular, sino que también promocionaban sus productos de forma agresiva; seleccionaban las canciones de acuerdo con una astuta valoración del gusto popular y contrataban a “enchufes de canciones” para que las cantaran, o hicieran que otros las cantaran, donde pudieran ser escuchadas por el máximo número de clientes potenciales. “El Tin Pan Alley inventó la ciencia de la comercialización de las canciones, de hacer que el público de todo el mundo fuera consciente de las canciones”, escribe un historiador del Callejón. “El Tin Pan Alley convirtió la música en un negocio, un gran negocio”.

El negocio de la edición musical se vio afectado sucesivamente por el fonógrafo, un cambio de costumbres tras la Primera Guerra Mundial que desplazó el escenario de la actividad social del hogar a los lugares públicos, la radio (a partir de 1921 aproximadamente), la introducción del sonido en el cine (en 1929) y, finalmente, la televisión. El reciente aumento del estudio de la música seria, sumado a la prosperidad general, ha contribuido a impulsar las ventas de música,17 pero está claro que el día en que el aficionado a la música pop corría a comprar la interpretación a teclado y voz de la última canción de éxito hace tiempo que pasó al olvido. Hoy en día, el disco es el rey en el ámbito popular. Y mucho de lo que se escucha en las grabaciones favoritas de los jóvenes sería intraducible a simples interpretaciones a piano y voz.

En los primeros años de la radio, el negocio del disco se hundió, muchos pensaron que para siempre.Si, Pero: Pero con el tiempo, la radio demostró ser el mayor “enchufador de canciones” de todos los tiempos y el beneficiario fue el negocio de las grabaciones. La radio también contribuyó en gran medida al aumento de la audiencia de la música clásica: la Ópera Metropolitana de los sábados y la Orquesta Filarmónica de Nueva York de los domingos por la tarde, que fueron las características de la red durante muchos años, familiarizaron a millones de personas que no asistían a conciertos con la música de los maestros. El negocio discográfico se disparó en todas las categorías; algunos favoritos de la música clásica se convirtieron en éxitos con ventas casi iguales a las de los principales discos de pop.

Sin embargo, la música pop y el mercado juvenil siguen siendo elementos clave en el negocio discográfico actual. Tres cuartas partes de los ingresos de las ventas de discos de larga duración -un formato de disco desarrollado originalmente para obras clásicas de larga duración- proceden ahora de las ventas de discos pop.

Los ingresos de las ventas de discos son una fuente importante de las fortunas que ganan los pocos que se convierten en artistas estrella. La creencia anterior de que las ventas de discos reducirían el interés por las actuaciones en directo resultó ser falsa; por el contrario, la venta de un millón de discos es prácticamente una garantía de que se agoten las entradas. Esto es cierto tanto para los artistas de concierto como para los del pop. Elvis Presley podría ganar “fácilmente” 100.000 dólares por una sola actuación en un parque de béisbol, o entre 12.000 y 15.000 dólares en una sala de conciertos, según un gerente conocedor de este campo.Entre las Líneas En 1969, los honorarios de los cantantes populares de folk y los combos de pop oscilaban entre los 2.000 y los 4.500 dólares por noche, mientras que una figura de primer orden como Jimi Hendrix habría recibido garantías cercanas a los 20.000 dólares. A los artistas de conciertos de primer nivel les va casi igual de bien. Se dice que el pianista Van Cliburn gana 7.500 dólares o más por una sola actuación.

Tendencias en el desarrollo musical estadounidense de los años 60

Mantenimiento de dos vías separadas en la música

Las dos vías de la vida musical estadounidense -una seria o clásica, la otra popular o comercial- han continuado como caminos separados en los años 60, aunque los pasajes de una a otra se están abriendo con creciente frecuencia.Entre las Líneas En general, hay un público que asiste a conciertos sinfónicos y de música de cámara, a la ópera y a los recitales de artistas, y que compra grabaciones de esta oferta tradicional, y otro público que tiene un apetito ilimitado por diversas formas de música popular, pero que hace oídos sordos a la música desarrollada a partir de la tradición clásica europea. Sin embargo, el número de personas familiarizadas con ambas corrientes musicales parece estar creciendo. Especialmente entre los jóvenes hay quienes “escarban” en Bach y en el rock. La fertilización cruzada de ideas entre compositores de todo tipo ha ayudado a preparar el camino para lo que algunos críticos creen que puede llegar a ser una verdadera fusión de caminos musicales.

Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):

Tendencia a la fertilización cruzada en la composición

Varios compositores criados en el conservatorio quedaron fascinados a principios de siglo por el ambiente y los ritmos de los primeros años del jazz e incorporaron esos elementos a composiciones dirigidas a un público musicalmente sofisticado. George Gershwin, cuya carrera comenzó como músico de Tin Pan Alley, se convirtió más tarde en el más famoso de los mezcladores del lenguaje musical de la sala de conciertos y la música pop de su época. Paul Whiteman, líder de la banda que estrenó la Rapsodia en azul de Gershwin en 1924, popularizó un estilo de interpretación conocido como “jazz sinfónico”, una mezcla, por cierto, que los puristas del jazz denunciaron como ajena al verdadero carácter del jazz.

Entre las figuras destacadas de la vida musical estadounidense contemporánea, Leonard Bernstein, director de la Orquesta Filarmónica de Nueva York y compositor de la partitura de West Side Story, ha tratado de promover el encuentro de ambas tradiciones, no sólo mezclándolas en sus propias composiciones, sino a través de sus eficaces conferencias televisivas sobre música. Otros compositores, más vanguardistas, han ido más allá. Gunther Schuller tiene el honor de figurar en el catálogo de discos de larga duración de Schwann en los apartados de música clásica y jazz. Hace más de una década, Schuller, intérprete de trompa de la orquesta del Metropolitan Opera, predijo: “La mezcla de jazz y música clásica es sólo cuestión de tiempo”.

Al hablar de la relación entre la música clásica, la música pop y el jazz, el musicólogo Wilfrid Mellers escribió: “La segregación de los géneros es a la vez ilógica y artificial; cada uno de ellos es una forma de sonido organizado, o de música, y tanto cualitativamente como en otros aspectos sus contribuciones se solapan”.Entre las Líneas En esta década, especialmente al final de la misma, las líneas entre la música seria y la pop se estaban borrando en el sentido de que tanto los compositores de “pelo largo” como los de rock se reunían en “el terreno común del eclecticismo, la experimentación y la electrónica”. Ambos se liberaron de las viejas formas y convenciones; la “nueva raza” de compositores serios, dijo, ya no dependía de la orquesta sinfónica y, por lo tanto, era libre del establishment musical. La nueva tecnología de producción de sonido proporcionó la base para una revolución en la composición musical. El mercado de la música de los compositores serios de vanguardia era a menudo el mismo, a fines de los años 60, que el de los grupos de rock de moda.

Evolución del jazz al margen de otras músicas pop

El jazz ocupa desde hace tiempo un lugar propio en la música popular. Sus devotos lo han considerado una forma de arte, o una forma que evoluciona hacia la música de arte, más creativa y auténticamente americana que las obras compuestas en lo que se considera una tradición europea clásica y estéril. El aficionado al jazz diferencia lo que considera verdadero jazz -apreciado por unos pocos- del llamado jazz producido por un sistema comercial que satisface un mercado de masas.

Sin embargo, el jazz, en su corta existencia, ha estado sometido a tantas influencias y ha sufrido tantos cambios que es difícil decir lo que es o no es. Se originó con oscuros músicos negros de Nueva Orleans como una mezcla de múltiples elementos -ritmos y tonalidades tribales africanas, canciones de trabajo de las plantaciones, gritos de campo, marchas de bandas de música, golpes de piano en bares y burdeles, los lamentos de un pueblo oprimido- y fue llevado a un público más amplio por músicos blancos imitadores. El jazz entró por primera vez en la amplia corriente de la música popular en forma de ragtime, que floreció de 1896 a 1917. “En 1900, el Tin Pan Alley tomó el relevo y el ragtime se convirtió en la moda de costa a costa…. Inevitablemente, el carácter de la música se suavizó, pero su naturaleza esencialmente “raggy” o rítmica no pudo ocultarse”.

El término “jazz” (o “jass” en su forma anterior) se dio a conocer al público en general después de que la Original Dixieland Jass Band debutara en un cabaret de Nueva York el 26 de enero de 1917. “Esta banda estaba formada por cinco pioneros blancos, recién llegados de la música negra de Nueva Orleans, que tocaban el jazz de oído y tan “caliente” como podían… la música era tan nueva y extraña que había que decir a los invitados que bailaran…. A partir de entonces, todos los cabarets contaban con bandas de jazz de diversa competencia”. Más o menos en la misma época, el blues, un derivado del “field holler” con matices espirituales, se dio a conocer al público en general, normalmente en forma modificada.

Ampliamente condenado al principio por su “vulgaridad”, el jazz ganó cierta respetabilidad durante la década de 1920, cuando fue remodelado por las bandas de baile de moda de la época.Entre las Líneas En los años 30, el jazz se convirtió en swing, que se adaptaba a las modas de baile de esa década (el Lindy, el Big Apple, el Shag). Durante los años 40, apareció el “Bop” (originalmente “Rebop”), que representó el primer gran esfuerzo de los músicos de jazz con buena formación musical por experimentar con las armonías y los ritmos avanzados que despertaban el interés de los compositores serios. Siguió un “tipo de música de jazz más relajado y casi de ensueño… bautizado como ‘cool jazz’… [y luego] una forma aún más compleja …. Denominada “jazz progresivo”, esta música absorbió algunos de los modismos ultramodernos de la música contemporánea seria, especialmente el de la disonancia, la politonalidad y la poliritmia”.

A pesar de su evolución hacia la complejidad estética, el jazz nunca llegó a ser plenamente aceptado como música seria. Es cierto que los colegios y universidades empezaron a ofrecer cursos de historia del jazz, que los musicólogos se dedicaron cada vez más a explorar sus orígenes y su significado en la vida americana, y que el jazz recibió una atención crítica seria en revistas dirigidas a un público intelectual.Si, Pero: Pero el jazz en la sala de conciertos ha seguido siendo un acontecimiento especial más que una oferta normal.

Múltiples elementos en el desarrollo del rock

Quizá el peor golpe para el jazz fue que una nueva generación de jóvenes se decantara por otra forma de música popular -esa mezcla de rhythm-and-blues, country-western, balada hillbilly y guitarra eléctrica- que se convirtió en el rock ‘n’ roll. Al igual que el jazz en su apogeo, en los años 20, el rock se ha convertido en la encarnación musical de la defensa de la juventud de una existencia emocional y estética independiente. Algunos llaman al rock el manifiesto de la revolución juvenil.

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Albert Goldman, profesor de inglés en la Universidad de Columbia y escritor sobre cultura popular, sitúa el origen de la moda del rock ‘n’ roll en la decisión de un disc-jockey de Cleveland, en 1954, de presentar ciertos discos de rhythm-and-blues de la producción de pequeñas compañías discográficas negras que habían sido prácticamente desconocidas para los blancos (se puede estudiar algunos de estos asuntos en la presente plataforma online de ciencias sociales y humanidades). Fue “la primera emisión de discos de raza negra para un público de adolescentes blancos”, escribió Goldman, y “tocó un nervio que estaba listo para vibrar”. Los grupos utilizaban guitarras eléctricas de ritmo y bajo, piano y batería “para martillear el ritmo, mientras que los solistas… trabajaban muy al frente, utilizando un estilo primitivo compuesto de bocinazos y gritos y palabras vociferadas como maldiciones”. Se trataba de “un sonido antiguo y radicalmente racial… que hablaba de suciedad, miedo, dolor y lujuria.Si, Pero: Pero a los chicos blancos les encantaba”.

Otros atribuyen a Elvis Presley el mérito de lanzar la revolución del rock, ya que fue el primer ídolo popular de los adolescentes que transmitió el mensaje del rock. Con Presley, el rock elemental se cruzó con las influencias del country y el western “blancos”. Otros cantantes, instrumentistas y compositores añadieron otros elementos.

La era del rock ha asimilado todo lo que se le ha presentado, empezando por toda la música americana: el blues urbano y el country, el gospel, el hillbilly, el western “good time”… y el Tin Pan Alley. Ha cruzado los océanos en busca de los sonidos y ritmos de África, Oriente Medio y la India. Ha retrocedido en el tiempo con la trompeta barroca, el madrigal y el canto gregoriano, y ha avanzado hacia el futuro con la música electrónica y los collages de ruido de la música concreta.

Cuando el rock empezó a adoptar un lenguaje musical más sofisticado, algunos críticos pensaron que anunciaba la creación de una nueva forma de arte. Goldman ha dicho que el rock “ha empezado a hacer realidad uno de los sueños más preciados de la cultura de masas: cultivar a partir del vigoroso pero crudo crecimiento de las artes populares un nuevo arte serio que combinara la fuerza de las raíces autóctonas con la belleza que florece de su arte más elevado”.

Pero el atractivo del rock, o de toda la música pop, parece quedarse en sus elementos más primitivos: el ritmo insistente, la melodía relativamente sencilla, el lamento penetrante, el grito o el canturreo del cantante principal, el tañido espeluznante de la guitarra eléctrica y los silbidos aún más extraños de los sonidos producidos electrónicamente. Y nadie puede saber con certeza hasta qué punto la popularidad de la música pop se debe a los elementos no musicales que atraen a los jóvenes: los nombres surrealistas de los grupos, los trajes y peinados de los músicos que los diferencian de las “plazas”, la asertividad sexual de algunos cantantes principales; y los textos de las canciones que expresan la ira de la juventud contra sus mayores, su protesta contra las convenciones, el resentimiento por las restricciones sociales, la fascinación por las drogas y, sobre todo, el anhelo de la juventud por el amor en lo que se concibe como un mundo sin amor.

La música pop se regía antes por reglas fijas: tantos compases por barra, tantos compases por frase, repeticiones y modulaciones en puntos fijos, etc. Hoy existe la sensación de que “todo vale” en la música pop. El elemento clave es el abandono al sonido abrumador y palpitante, sea cual sea su naturaleza. A dónde puede llevar esta tendencia a la América musical, sólo el futuro puede revelarlo.

Datos verificados por: Brown

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