Las Artes Escénicas

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Las Artes Escénicas

El arte escénico es una forma de arte basada en el tiempo que suele presentarse en vivo ante el público o los espectadores (como en la calle) y que se basa en artes como la actuación, la poesía, la música, la danza y la pintura. Suele ser un evento más que un artefacto, por naturaleza efímero, aunque a menudo se graba en vídeo y mediante fotografía fija.

El arte escénico surgió a principios de la década de 1970 como un término general para una multitud de actividades, como los happenings, el arte corporal, las acciones, los eventos y el teatro de guerrilla. Puede abarcar una gran diversidad de estilos.Entre las Líneas En los años 70 y 80, el arte escénico abarcó desde los elaborados espectáculos mediáticos de Laurie Anderson hasta el ritual corporal de Carolee Schneeman, y desde el glamour campestre del colectivo conocido como General Idea hasta las conferencias ilustradas de Joseph Beuys.Entre las Líneas En la década de los noventa, el activismo contra el sida de Ron Athey y el uso de la cirugía estética en el propio cuerpo de Orlan. Y a principios del siglo XXI, Marina Abramović reavivó un gran interés por el medio a través de su recreación de piezas históricas.

El arte escénico tiene sus orígenes en los primeros años del siglo XX, y se identifica estrechamente con el progreso de las vanguardias, empezando por el futurismo. El intento de los futuristas de revolucionar la cultura incluía veladas performativas de poesía, música interpretada con instrumentos recién inventados y una forma de presentación dramática drásticamente destilada. Elementos de los eventos futuristas como la simultaneidad y el ruido-música fueron perfeccionados posteriormente por los artistas del movimiento dadaísta, que hicieron un gran uso del arte en vivo. Tanto los futuristas como los dadaístas trabajaron para confundir la barrera entre el actor y el intérprete, y ambos aprovecharon el valor publicitario del shock y la indignación. Uno de los primeros teóricos y practicantes del teatro de vanguardia fue el artista alemán Oskar Schlemmer, que enseñó en la Bauhaus de 1920 a 1929 y que quizá sea más conocido por Das triadische Ballet (1916-22; “El ballet triádico”), que exigía movimientos complejos y un elaborado vestuario. Schlemmer presentó sus ideas en ensayos en una publicación colectiva, Die Bühne im Bauhaus (1924; El teatro de la Bauhaus), editada por Walter Gropius.

Después de la Segunda Guerra Mundial se produjeron importantes avances en el arte escénico en Estados Unidos.Entre las Líneas En 1952, en el Black Mountain College (1933-57) de Carolina del Norte, el compositor experimental John Cage organizó un evento que incluía actuaciones del coreógrafo y bailarín Merce Cunningham, el poeta Charles Olson y el artista Robert Rauschenberg, entre otros.Entre las Líneas En su negación de los límites disciplinarios tradicionales, este influyente evento marcó una pauta para las actividades de Happenings y Fluxus, y proporcionó un impulso para gran parte del arte en vivo de la década siguiente.Entre las Líneas En los años 60 y 70, el arte escénico se caracterizó por la improvisación, la espontaneidad, la interacción con el público y la agitación política. También se convirtió en una de las estrategias favoritas de las artistas feministas -como las Guerrilla Girls, con máscara de gorila, cuya misión era denunciar el sexismo, el racismo y la corrupción, principalmente en el mundo del arte-, así como de artistas de otras partes del mundo, como el chino Zhang Huan. Las manifestaciones populares del género pueden verse en el Blue Man Group y en eventos como el festival Burning Man, que se celebra anualmente en el desierto de Black Rock (Nevada).

En la Historia Contemporánea de Latinoamérica

El arte escénico dio voz a cuestiones políticas y sociales en América Latina a finales del siglo XX. Tras la represión de la revolución chilena, los artistas del grupo Avanzada crearon performances que señalaban los abusos del nuevo régimen. Por ejemplo, en 1980 Carlos Leppe se grabó a sí mismo mientras estaba encarcelado con una escayola. Con ello sugería su abuso y confinamiento por parte de la sociedad. Del mismo modo, Diamela Eltit se infligió cortes y magulladuras en un burdel en 1980. A continuación, lavó la acera del exterior mientras se proyectaba el vídeo de su autoabuso en la pared de enfrente del burdel. Con ello aludía a los abusos que aceptan las prostitutas para escapar de la pobreza, al tiempo que sugería la necesidad de limpiar las manchas de una sociedad corrupta.

Los artistas latinoamericanos también utilizaron el vídeo, un medio internacional emergente, para abordar cuestiones políticas. Después de mudarse a Nueva York, el artista chileno Alfredo Jaar utilizó en 1987 un tablero luminoso computarizado sobre Times Square para confrontar a los espectadores con su mensaje; superpuso la declaración “Esto no es América” en un mapa de Estados Unidos. Cuando la imagen cambió electrónicamente, la palabra América se superpuso a un mapa de todo el hemisferio occidental. Al permanecer en Nueva York incluso después del retorno de la democracia en Chile, Jaar amplió su ámbito de actuación para dramatizar los abusos en todo el mundo, como las experiencias de los boat people de Haití o la indiferencia de los medios de comunicación hacia el genocidio de Ruanda. Estas obras se instalaron en museos.

A lo largo del siglo XX, muchos artistas latinoamericanos se expatriaron a París, Nueva York y otros lugares en busca de estímulos artísticos, mejores perspectivas económicas y estabilidad política. Sin embargo, con el regreso de la democracia a países como Argentina y Brasil y el exitoso traspaso de poder a un gobierno civil en otros países, América Latina empezó a retener a más artistas y a ofrecer más oportunidades económicas.Entre las Líneas En el año 2000, Buenos Aires albergaba más de 60 galerías de arte contemporáneo, así como el principal mercado de subastas de América Latina, celebrado en la casa de empeño municipal. Además, las principales casas de subastas de Nueva York dedicaban sesiones enteras al arte moderno latinoamericano, lo que indicaba la creciente importancia de esta zona en el mercado internacional. A principios del siglo XXI, a medida que el mundo del arte internacional se centraba en las cuestiones sociales y políticas que habían ocupado durante mucho tiempo a los artistas de la región, el arte latinoamericano fue adquiriendo un lugar cada vez más destacado en el discurso global sobre el arte y su papel en la sociedad.

Datos verificados por: Brite

Artes Populares

La noción de arte(s) popular(es) es ambigua, ya que puede englobar manifestaciones no materiales, como la canción o la danza populares, o limitarse a objetos materiales (o incluso, para algunos, a objetos de arte rústico exclusivamente). Adoptaremos aquí esta acepción restringida, próxima al significado habitual del Volkskunst alemán. Los creadores y los destinatarios de estos objetos pertenecían tanto a la clase media como a la clase trabajadora. Los primeros eran tanto aficionados, que producían para sí mismos o para otros, como especialistas. Esta artesanía, practicada desde el siglo XVI hasta mediados del XIX, alcanzó su apogeo en el siglo XVIII. Los límites entre el arte popular y las artes decorativas son difusos. En general, los objetos de arte popular están diseñados, más allá de su función utilitaria, según modelos tradicionales que reflejan la mentalidad colectiva, la sociedad y el tipo de economía en que se producían. Se caracterizan por la ornamentación, cuya forma depende del material, la técnica y las herramientas utilizadas. Dada la diversidad geográfica y cultural del país, el arte popular en Suiza ha seguido siendo regional (no existe el “arte popular suizo”). Appenzell y Gruyère, dos regiones dominadas por la ganadería, son particularmente ricas, con sus trajes (Costumes suisses), joyas tradicionales, utensilios lácteos tallados en madera y pinturas que representan la subida a los pastos de montaña (poya). El arte popular se clasifica por tipo de objeto (arquitectura, mobiliario, trajes), por material (madera, cerámica, vidrio, textiles), por técnica (corte, cincelado, madera tallada) o por el marco en el que aparece: oficios (Armailli, molinero), iglesia (exvoto, estatuas, decoración de reliquias), acontecimientos importantes de la vida o del año (bautizo, matrimonio, carnaval, Traditions populaires ); pero estas categorías se solapan.

El término arte popular siempre ha sido controvertido y se redefine constantemente, por ejemplo, restringiéndose al arte campesino o ampliándose al arte folclórico, que se aproxima más a las arts populaires francesas y al arte popolare italiano e incluye todas las manifestaciones materiales e inmateriales (por ejemplo, la canción popular, la danza). Desde finales del siglo XX, la investigación académica se ha esforzado por contrarrestar las ideas e ideologías generalizadas de un “mundo ideal” preindustrial, promovidas por exposiciones y publicaciones de divulgación, arrojando luz sobre las condiciones sociohistóricas y los efectos de la producción, distribución y recepción del arte popular. No sólo se examina lo “bello”, sino también las tradiciones en diferentes grupos de población, épocas y lugares, el significado para todos los implicados (hasta los coleccionistas actuales), la persistencia y la innovación, los cambios en la función y los materiales, así como las interrelaciones entre el arte popular y el arte elevado. También explora el componente estético contemporáneo de la vida cotidiana, la producción creativa de diferentes grupos en un mundo en constante cambio. Esto se denomina arte de grupo temporal, arte cotidiano, creatividad popular, etc. Esto incluye nuevas formas y normas del arte de después del trabajo, la cultura juvenil y las subculturas urbanas, como las pinturas con spray (graffiti) en paredes públicas, las pinturas en motocicletas o la infografía.

Desde su “descubrimiento” a mediados del siglo XIX por círculos cultural, económica y sociopolíticamente activos como reacción a cambios sociales y estructurales como la industrialización y la urbanización, el arte folclórico ha sido promovido en Alemania y Austria por el movimiento de artes y oficios y en Inglaterra por el Movimiento de Artes y Oficios. Las colecciones de objetos folclóricos sirvieron de modelo para la industria casera y las artes y oficios. La apuesta por un renacimiento del arte popular tenía que ver, por un lado, con el fortalecimiento de la economía de la población rural mediante la creación de puestos de trabajo y, por otro, en el espíritu del historicismo, con el retorno a la propia tradición y, por tanto, con la revalorización e idealización de la artesanía, que se situaba en contraste positivo con el arte industrial de masas. En Suiza, estos intentos de revitalización por parte de los círculos burgueses no comenzaron hasta después de la Primera Guerra Mundial. También en este caso, las consideraciones económicas ocuparon un lugar central. Durante el periodo de la defensa nacional espiritual, también se realizaron esfuerzos para consolidar la idea nacional con un arte popular “realista” y “original”. La mayor influencia en la activación del arte popular en Suiza fue ejercida por el Schweizer Heimatwerk, fundado en 1930, y las instituciones benéficas relacionadas, que se esforzaban por proporcionar a la población más pobre, en su mayoría agricultores (de montaña), ingresos extra en invierno a través del trabajo a domicilio. En la medida de lo posible, estos esfuerzos se basaban en antiguas actividades domésticas y artesanales locales. Algunas regiones se hicieron especialmente famosas por sus productos, como los Grisones por los bordados de punto de cruz y los tejidos (arte textil), el Oberland bernés por el corte de papel, los tejidos Hasli, la talla de madera de Brienz, la cerámica de Heimberg y el encaje de bolillos de Lauterbrunn, el Tesino por la lana hilada a mano, la vajilla de cobre y la cestería, el Lötschental por las máscaras de madera. Este cultivo del arte popular, controlado desde el exterior, prestaba atención a la comerciabilidad en las zonas urbanas, lo que significaba adaptar formas, patrones y colores y crear nuevos productos.

Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):

Ciertas ramas del arte popular hicieron furor en las décadas de 1980 y 1990, como la pintura campesina, que miles de mujeres quisieron aprender, el recorte de papel (en 1986 se fundó una sociedad suiza) y la decoración de huevos de Pascua, para la que existe un mercado anual en Berna desde 1977.

Ya a principios del siglo XIX, el arte popular tendía a perder su autenticidad bajo la influencia del turismo, que animaba a los nativos a utilizar sus habilidades manuales para fabricar todo tipo de recuerdos de viaje (tallas de madera, vajillas, etc.). Esto prefiguró lo que los etnólogos llaman hoy “arte de aeropuerto”. La moda “etno” ha producido otras diversiones al integrar motivos alpinos (vacas, pastores) en el diseño de lujo. El estudio científico de estos fenómenos está aún en pañales.

Revisor de hechos: Helve

Artes escénicas en Economía

En inglés: Performing Arts in economics. Véase también acerca de un concepto similar a Artes escénicas en economía.

Introducción a: Artes escénicas en este contexto

En las dos últimas décadas se ha acumulado una importante literatura internacional sobre la economía de las artes. Aparte de la importancia de la contribución cultural de las artes, el interés de los economistas por este tema se debe a algunos atributos especiales de la economía de las artes que han resultado interesantes desde el punto de vista analítico y cuyo análisis ha tenido importantes aplicaciones fuera de este campo. Cabe destacar la “enfermedad del coste de las artes escénicas”, que se ha propuesto como explicación del hecho de que, salvo en períodos de rápida inflación, los costes de las actividades artísticas aumentan casi universalmente (de forma acumulativa) más rápido que cualquier índice del nivel general de precios (véase también acerca de la teoría de precios). Otra cuestión teórica importante de la que se ha ocupado la bibliografía es la de los motivos que pueden justificar la financiación de las artes por parte del sector público. Este texto tratará de equilibrar importantes preocupaciones teóricas con debates empíricos clave para ofrecer una visión general de este importante tema sobre: Artes escénicas. Para tener una panorámica de la investigación contemporánea, puede interesar asimismo los textos sobre economía conductual, economía experimental, teoría de juegos, microeconometría, crecimiento económico, macroeconometría, y economía monetaria.

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Datos verificados por: Sam.

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Recursos

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Traducción al Inglés

Traducción al inglés de Artes escénicas: Performing arts.

Véase También

Entretenimiento
Esquema de las artes escénicas
Enseñanza de las artes escénicas
Presentadores de artes escénicas
Ley de derechos de autor de Estados Unidos en las artes escénicas
Pamela D, Centro Cultural Franklin para las Artes Escénicas
Teatro persa
Teatro de Japón
Cultura occidental

Bibliografía

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