Culturas Coloniales

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Estilos coloniales en América del Norte

El término estilo colonial se aplica correctamente a las bellas artes y artes decorativas producidas entre 1620 y 1776 en las colonias inglesas y francesas de América del Norte. No se usa para describir el arte de las colonias españolas y portuguesas del Nuevo Mundo. Ese arte se discute en otra parte de la plataforma en el marco del arte y la arquitectura de América Latina y las misiones españolas. El término estilo colonial es un término equivocado, ya que había muchos estilos que databan de varios períodos. Las nociones actuales de arquitectura colonial, por ejemplo, se definen a menudo por la casa de Nueva Inglaterra con palos de madera, o la iglesia blanca de Nueva Inglaterra, o los edificios de ladrillo del siglo XVIII de estilo georgiano que adornan Williamsburg, Virginia y otras ciudades del sur.

Puntualización

Sin embargo, los edificios anteriores son totalmente diferentes en diseño y algunos, como la Iglesia de San Lucas (1632), Isla de Wight, Virginia, que se considera el edificio colonial inglés más antiguo que existe en América, no comparten nada con las concepciones populares de los estilos coloniales.

Muchos de los edificios y objetos construidos durante el período colonial en América del Norte eran sencillos y utilitarios, pero los que fueron apreciados en el momento de su creación y que se han conservado son a menudo elaborados y ambiciosos. Ciertamente las proporciones son más domésticas en escala, y hay menos dorado que en los interiores franceses e ingleses contemporáneos. El esfuerzo, sin embargo, no fue claramente para producir llanura sino para crear un efecto de riqueza con énfasis en la forma pura y en las proporciones agradables y correctas.

Las materias primas importadas como la plata y la caoba, los materiales acabados importados como los textiles y la cerámica, y los libros de diseño importados como el Libro de Arquitectura de James Gibbs (1728) y El Caballero y el Director del Gabinete de Thomas Chippendale (1754) revelan el deseo de cosas que se adapten al gusto, las ambiciones y la imagen propia de una rica burguesía mercantil que estaba atada tanto estética (lo artístico, o lo relacionado con el arte o la belleza) como económicamente a Europa, especialmente a Inglaterra.

El diseño americano de los siglos XVII y XVIII, sin embargo, no era un mero simulacro de formas y motivos extranjeros.

Detalles

Los artesanos y artistas recombinaban elementos de manera distintiva de América, componiendo diseños que eran a menudo muy originales y exitosos. Las diferencias en el patrocinio, las necesidades sociales, las prácticas artesanales y los materiales crearon fuertes escuelas regionales con formas y vocabularios estéticos locales reconocibles. Como la mayoría de las casas sureñas del siglo XVII que han sobrevivido, por ejemplo, el castillo de Bacon (c.1655; Condado de Surrey, Va.) es de ladrillo, con chimeneas decorativas que se levantan en las paredes de los extremos. Ejemplos contemporáneos de Nueva Inglaterra, como la Parson Capen House (1683; Topsfield, Mass.), están hechas de madera, con una sola chimenea construida en el centro de la casa. Ambos tipos, sin embargo, se derivan de las prácticas de construcción rurales europeas, con variaciones regionales que dependen del clima, los materiales autóctonos y la función. (Tal vez sea de interés más investigación sobre el concepto). Los estilos coloniales abarcaron una multiplicidad de formas de arte, variaciones regionales y desarrollos estilísticos en un lapso de 150 años, reflejando los gustos cambiantes de Inglaterra y Europa.

El Sur

Siguiendo más de cerca el modelo social y topográfico de la Inglaterra rural, las colonias del sur evitaron el desarrollo urbano y construyeron casas de campo después de la práctica y, en algunos casos, los diseños de la escudería británica y sus arquitectos. Los plantadores ricos incluso amueblaron sus casas con artículos hechos en Londres. La arquitectura floreció, sin embargo, y alrededor de 100 casas sureñas del período pre-revolucionario sobreviven. El Monte Airy (1758-62; Condado de Richmond, Va.), construido por John Ariss para la familia Tayloe y un buen ejemplo de su tipo, es un bloque de arenisca simétrico y rectangular con dependencias de enmarcado. Su fachada y planta se basan en una placa del Libro de Arquitectura de Gibbs, obra que popularizó el elegante estilo palladiano inglés (véase Palladio, Andrea) en las colonias.

Las colonias del medio

En las colonias medias los factores sociales, económicos y topográficos contribuyeron al desarrollo temprano de las ciudades y a la concentración de artesanos y mecenas de manera que se estimuló el rápido desarrollo de las artes. Al igual que en el sur, la nobleza construyó edificios palladianos majestuosos como la Iglesia de Cristo (1727-54) en Filadelfia, basada en la Iglesia de San Martín en los Campos (1726) de Gibbs en Londres y en Mount Pleasant (1761-62; Fairmount Park, Filadelfia).

Los interiores de esas casas eran de proporciones modestas pero estaban ricamente adornados con suntuosos muebles proporcionados por cientos de hábiles ebanistas y plateros. Característico del diseño del barroco (el estilo que prevaleció en las artes visuales, en Europa en el siglo XVII, fuertemente asociado (véase qué es, su concepto jurídico; y también su definición como “associate” en derecho anglo-sajón, en inglés) a la Iglesia católica; tendía a enfatizar lo dramático, lo emocional y lo ricamente ornamentado) tardío o de la Reina Ana es la tetera facetada (c.1730; Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven, Conn.) de Peter van Dyck de Nueva York. Se hace hincapié en la elegancia de la forma, que también es un elemento de diseño primario de un sillón contemporáneo de Filadelfia (c.1740; Museo de Winterthur, Winterthur, Del.). El siguiente período rococó se ejemplifica con la tetera en un soporte (c.1750; Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven, Conn.) hecha por Joseph Richardson en Filadelfia; su forma invertida “de doble vientre” y el ornamento asimétrico de rocalla personifican el estilo y el alto nivel de diseño técnico logrado por los artesanos coloniales. Su contraparte en el mobiliario es la cómoda rococó de Filadelfia (c.1770; Museo Metropolitano de Nueva York), con agradables proporciones arquitectónicas y el moderno ornamento de Chippendale.

En la pintura, Pensilvania educó al joven Benjamin West, que más tarde se distinguió en Londres como pintor de historia y como presidente de la Real Academia. La cepa nativa está mejor representada por los elegantes retratos de Charles Willson Peale.

Nueva Inglaterra

Las artes florecieron con gran vigor en Nueva Inglaterra. Incluso el primer período produjo ejemplos extraordinarios como los retratos del Capitán John Freake y la Sra. Elizabeth Freake y la Bebé María (c.1674; Museo de Arte de Worcester, Worcester, Massachusetts); llenos de color y un elegante patrón de superficie, estas pinturas, basadas en el estilo de la corte isabelina, fueron realizadas por un artista anónimo llamado Freake Limner, probablemente formado en la Gran Bretaña rural.

Hacia 1700, cuando John Coney de Boston hizo el gran cuenco de plata ricamente ornamentado (1700; Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven, Connecticut) conocido como un monteito (un recipiente para enfriar copas de vino), Nueva Inglaterra conocía bien los estilos londinenses. Las superficies atrevidas y onduladas del período barroco (el estilo que prevaleció en las artes visuales, en Europa en el siglo XVII, fuertemente asociado (véase qué es, su concepto jurídico; y también su definición como “associate” en derecho anglo-sajón, en inglés) a la Iglesia católica; tendía a enfatizar lo dramático, lo emocional y lo ricamente ornamentado) siguieron siendo populares en la América del siglo XVIII, desarrollándose en diseños nativos como el escritorio y la estantería (1765-85; Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven, Conn.) hechos en los talleres Townsend-Goddard de Newport, R.I., uno de los diseños más originales y urbanos del arte colonial. De inspiración igualmente barroca es la copa cubierta (1788; Museo Metropolitano de Nueva York) hecha en el invernadero de John F. Amelung en New Bremen, Md., en vidrio de plomo transparente finamente grabado.Entre las Líneas En las obras bidimensionales, los atrevidos patrones y brillantes colores primarios del gusto barroco (el estilo que prevaleció en las artes visuales, en Europa en el siglo XVII, fuertemente asociado (véase qué es, su concepto jurídico; y también su definición como “associate” en derecho anglo-sajón, en inglés) a la Iglesia católica; tendía a enfatizar lo dramático, lo emocional y lo ricamente ornamentado) son evidentes en el trabajo en equipo (lino bordado con hilos de lana de colores) como el excepcional colgante de cama de nueve piezas (c.1745; Old Gaol Museum, York, Me.) trabajado por Mary Bulman. Como en la mayoría de los diseños del siglo XVIII, los elementos se extraen de la tradición, de los libros de diseño y de la fantasía, pero raramente de la naturaleza.

Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):

John Singleton Copley, el artista de Boston, en gran parte autodidacta, fue capaz de pintar retratos tan finos como los producidos en Londres. Mary and Elizabeth Royall (c.1758; Museo de Bellas Artes de Boston), una obra realizada a los 20 años, demuestra toda la gama de sus talentos.

Canadá

Asentado por los franceses y por clérigos (hasta su conquista por Gran Bretaña en 1759), el Canadá produjo principalmente arte de origen europeo continental relacionado con la iglesia durante el período colonial. El ejemplo más significativo es el muro del altar barroco (el estilo que prevaleció en las artes visuales, en Europa en el siglo XVII, fuertemente asociado (véase qué es, su concepto jurídico; y también su definición como “associate” en derecho anglo-sajón, en inglés) a la Iglesia católica; tendía a enfatizar lo dramático, lo emocional y lo ricamente ornamentado) de Noël Levasseur (1680-1740) en el Convento de las Ursulinas de la ciudad de Quebec, compuesto de elementos arquitectónicos y estatuillas cuidadosamente proporcionados y dotado de un efecto dramático por los contrastes del negro sobre el blanco con el dorado decorativo.

Aunque todos estos objetos de arte colonial son básicamente útiles, el elemento estético es tan fuerte como el elemento utilitario en el diseño general y la elección de los materiales. Arraigado en las necesidades básicas, el estilo de estos objetos apunta a una cultura autoconsciente y cumplida, si bien pragmática. Como observó Héctor St. John de Crèvecoeur, los americanos parecían evitar el arte en la tradición cortesana europea tradicional pero no negaban la experiencia estética; simplemente “exigían que lo bello fuera útil”.

Datos verificados por: George

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