Música Rock

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Rock and Roll

Al principio, la música rock-and-roll era una provocación, una afrenta a los padres y a los ciudadanos. Como dijo el crítico de rock Jim Miller, “Era la música que te gustaba que los [padres] odiaran”. El nombre en sí mismo era sexual, derivado de la jerga negra para la copulación. (Tal vez sea de interés más investigación sobre el concepto). Dominada por un ritmo de fondo pesado y guitarras amplificadas, la música era cruda, estridente, fácilmente accesible, y a los pocos años de su creación, adaptada y comercializada específicamente para los jóvenes, ahora un bloque de consumidores de singular importancia. Y el rock era inherentemente democrático. Cualquier niño podía reunir suficiente dinero para una guitarra, y, reuniendo a tres o cuatro almas afines, formar una banda – muchos de los mejores grupos se iniciaron precisamente de esta manera.Si, Pero: Pero si la música en sí misma era simple, sus orígenes no lo eran. De hecho, el rock and roll fue la culminación de más de un siglo de polinización musical cruzada entre blancos y negros, amo y esclavo; una música nacida del mestizaje (examine más sobre todos estos aspectos en la presente plataforma online de ciencias sociales y humanidades). Fue en esencia un medio postmoderno, uno de los primeros verdaderos productos de la sociedad de consumo. Con toda una serie de gestos, actitudes, estilos, inflexiones y narraciones, fue infinitamente receptiva a las influencias externas y, por lo tanto, infinitamente adaptable, un terreno para recibir todas las narraciones de la rebelión juvenil.

Una Conclusión

Por lo tanto, era mucho más contingente con la historia que otras formas musicales.

ETAPAS TEMPRANAS: 1950S
Cuando los padres escucharon por primera vez la música rock en la década de 1950, sólo escucharon la cacofonía. No eran conscientes de la rica tradición que había detrás del rock and roll, de que estaba representando una evolución cultural iniciada en la esclavitud, una mezcla de formas musicales y culturales -africana y europea, religiosa y secular-, una mezcla sincrética de dos tradiciones musicales. Antes de la Guerra Civil, los juglares blancos comenzaron a copiar los estilos de las orquestas de las plantaciones, convirtiéndose en la furia de Europa y América. Estas orquestas de esclavos habían aprendido un poco de las melodías de baile europeas, que combinaron con formas tradicionales africanas tocadas con instrumentos europeos (no muy diferentes de los laúdes y violines utilizados por los griots-narradores africanos de la Sabana), adaptando su música tradicional de manera abierta y clandestina, y continuando así un patrimonio cultural que había sido en efecto proscrito por los dueños de esclavos.Entre las Líneas En el momento de la creación del rock, esta fertilización musical cruzada ya había ocurrido varias veces, creando jazz, blues, gospel, swing occidental y rhythm and blues.

Estas nuevas formas musicales -el swing occidental, el rhythm and blues, el jump blues- proliferaron en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, como resultado de las migraciones del sur y el suroeste rural, así como de una mayor difusión a través de la radio y los discos. Muchos músicos del país introdujeron melodías de blues en su repertorio, mientras que los músicos de delta blues se adaptaron a los clubes nocturnos urbanos con guitarras eléctricas y pequeños arreglos combinados.Entre las Líneas En el suroeste, pequeños combos y orquestas de jazz combinaban voces y arreglos de blues con saxofones estridentes y una sección rítmica de ritmo intenso que se extendió desde sus raíces en Texas-Oklahoma hacia el oeste hasta Los Ángeles y San Francisco. El nacimiento del rock, sin embargo, se centra en Memphis y en algunos individuos con visión de futuro. Sam Phillips se mudó a Memphis en 1945, atraído por la música negra que había sido su pasión de toda la vida. Montó los Estudios Sun, grabando músicos de blues de Beale Street, trabajando en la luna y haciendo demostraciones de ingeniería para llegar a fin de mes.Entre las Líneas En 1951 grabó “Rocket 88” de Ike Turner. Se convirtió en un éxito de rhythm and blues número uno y es considerada por muchos como la primera canción de rock and roll. El mismo Phillips no se preocupaba por la raza, pero sabía intuitivamente que toda la música que grababa seguiría siendo música “racial” hasta que un hombre blanco la grabara. Se jactaba ante sus amigos de que si encontraba un cantante blanco que cantaba como un hombre negro, los haría ricos a ambos.

Memphis era el hogar de un movimiento de blues urbano particularmente enérgico y un imán para los blancos y negros pobres que buscaban escapar de la pobreza del campo. La familia Presley fue característica de este patrón, mudándose allí desde el Mississippi rural después de la Segunda Guerra Mundial. Vivieron en la vivienda federal (la mejor vivienda que habían tenido), y el analfabeto Vernon Presley consiguió un trabajo conduciendo un camión. (Tal vez sea de interés más investigación sobre el concepto). Su hijo se especializó en comercio en la Escuela Secundaria de Hume, donde era regularmente golpeado por su pelo largo y su apariencia afeminada, pero a pesar de estas excentricidades, se anticipaba que seguiría los pasos marginales de su padre, trabajando en algún oficio servil y quizás tocando música en el costado.

El genio de Elvis Presley residía en su capacidad de absorber diferentes influencias. Vio Rebelde sin Causa una docena de veces, cultivando una burla de James Dean y memorizando páginas enteras de diálogos, y visitó los reavivamientos nocturnos de los evangelios, absorbiendo el frenesí religioso. Escuchó la radio, las emisoras de gospel negro y al innovador DJ Dewey Phillips en WHBQ. Cuando la propia Memphis estaba completamente segregada, Phillips fue uno de los primeros DJs del país con un set-list integrado, tocando blues y country juntos, y su influencia en Elvis fue evidente por las canciones del primer single legendario de Sun del cantante-“I’m All Right, Mama”, un blues del conocido transplante de delta Arthur “Big Boy” Crudup, y el éxito country del bluegrasser Bill Monroe “Blue Moon of Kentucky”. El blues “I’m All Right, Mama” fue countryificado, con un solo de guitarra de estilo country, mientras que el clásico de Monroe fue interpretado con un ritmo de fondo y una voz como ningún otro cantante country; Presley cantó con el fervor de los músicos de gospel que le gustaba ver. Este single 45, la culminación de doscientos años de polinización musical cruzada, cambió la música para siempre, y debido a que Presley era blanco (un antiguo entrevistador de radio se encargó de preguntar a qué instituto fue Elvis simplemente para probar que era así), toda la naturaleza de la industria musical se puso de cabeza.

La música había llegado en la noche, por así decirlo. Como Dewey Phillips antes que él, el DJ Alan Freed comenzó a mezclar artistas negros y blancos en su show nocturno, The Moondog Show, después de que el dueño de una tienda de discos de Cleveland mencionara las multitudes de adolescentes blancos que compraban música negra en su tienda (examine más sobre todos estos aspectos en la presente plataforma online de ciencias sociales y humanidades). Freed pronto promocionó eventos de rock en vivo, atrayendo a multitudes que excedían su capacidad y alarmando a los poderes de Cleveland con públicos e intérpretes integrados en un momento en que la ciudad estaba en gran parte segregada. “Esta convergencia sin precedentes de blanco y negro”, escribió el teórico cultural Dick Hebdige, “tan agresiva, tan descaradamente proclamada, atrajo la inevitable controversia que se centró en los temas predecibles de raza, sexo, rebelión, etc., y que rápidamente se convirtió en un pánico moral” (examine más sobre todos estos aspectos en la presente plataforma online de ciencias sociales y humanidades). Freed se convirtió en un campeón del escándalo, un defensor sin vergüenza de los jóvenes y uno de los primeros mártires del rock and roll, sufriendo acoso legal a lo largo de su carrera y más tarde una acusación en el escándalo de la payola (murió enfermo y sin dinero en Palm Springs, California), pero fue una figura crucial en su difusión, especialmente cuando su traslado en 1954 a WINS en Nueva York cubrió la Costa Este con música de rock and roll.

BENEFICIO CORPORATIVO
Habiendo visto el potencial comercial del rock and roll, las grandes compañías discográficas estaban ansiosas por beneficiarse de la locura, pero no estaban del todo entusiasmadas con la música en sí. El rock and roll no era respetable, ni apropiado, sino que recordaba el tipo de cultura que la corriente principal de América había tratado de mantener a distancia durante años. Su creciente popularidad alimentaba la ansiedad de la clase media de que sus hijos estaban siendo inextricablemente corrompidos; un estudio sobre la delincuencia juvenil realizado por el Dr. Walter B. Miller afirmaba, entre otras cosas, que la ansiedad de los padres no era atribuible a ningún aumento de la delincuencia, sino a la adopción por parte de los jóvenes de la clase media de una conducta antes reservada a la clase trabajadora; es decir, la adopción de toda una serie de inclinaciones, estilos y actitudes -el chic del proletariado- que constituían el rock and roll en su esencia. No hace falta decir que las compañías discográficas corporativas se sentían incómodas con los músicos sureños y negros por igual. Sospechaban del rock, no podían comprenderlo y, como la historia lo atestiguará, hacían todo lo posible por atenuarlo siempre que podían. Los viajeros originales del rock fueron reemplazados por ídolos adolescentes desinfectados -Bobby Rydell, Fabian, Frankie Avalon-, gemas pequeñas y pulidas, cuidadosamente preparadas para su papel de símbolos sexuales sin el sexo. “La música tendía a convertirse en un juego de niños, despojada del exceso de erotismo, y cualquier indicio de ira o recriminación que se escuchara en las líneas ‘calientes’ se refinaba delicadamente en un sonido inofensivo de club nocturno”, escribió Hebdige sobre la mutación del jazz en el swing. Lo mismo podría decirse del rock and roll de finales de los 50. Hubo presión para limpiar la música de influencias insalubres (negras o del más obvio músico pobre del sur). Jerry Lee Lewis fue víctima de este saneamiento cultural, condenado por la opinión pública a una perversidad incorregible después de casarse con su primo segundo adolescente menor de edad. Su música estaba tan influenciada por el éxtasis pentecostal de los blancos como por el gospel negro, pero la batalla personal de Lewis contra el pecado le convirtió en un objetivo obvio para las legiones de la decencia. Chuck Berry fue enviado primero por violación de la Ley Mann, y luego por disputas internas con el Servicio de Impuestos Internos que le valieron varias penas de cárcel, pero fue el infame escándalo de la “payola” (payola es un término para el soborno (véase qué es, su definición, o concepto jurídico, y su significado como “bribery” en derecho anglosajón, en inglés) al que muchas pequeñas compañías discográficas recurrieron para conseguir espacio aéreo) lo que rompió el poder de mercado de los pequeños sellos independientes y limpió las ondas para la basura desinfectada de los ídolos adolescentes.

Así las cosas, la mayoría de los rockeros originales fueron víctimas de un anacronismo prematuro. De todos los músicos pioneros que esculpieron el rock and roll en el desierto musical, sólo Johnny Cash y Elvis sobrevivieron a principios de los años 60 como algo más que una atracción de viejos pero buenos. Una lista de estos artistas se lee como una letanía de mala suerte y destrucción deliberada: Buddy Holly, Ritchie Valens y el Big Bopper muertos en un accidente de avión, el 3 de febrero de 1959; Chuck Berry y Jerry Lee Lewis, que descubrieron demasiado tarde que la fama no podía aislarlos de la ley; el extravagante Little Richard, que cambió el rock and roll por la Biblia; Carl Perkins, destruido por el alcohol y las drogas; la leyenda del rockabilly Eddie Cochran, muerto en un accidente automovilístico en Inglaterra justo después de que la primera década del rock llegara a su fin. El ser pionero siempre exige un precio muy alto en cuerpo y alma, y parece que llevar el rock and roll a buen puerto resultó ser uno de los esfuerzos más letales en la historia creativa de la era moderna.

LA INVASIÓN BRITÁNICA Y LA TRANSFORMACIÓN DEL ROCK
Mientras que la música y la influencia de los músicos pioneros estaba siendo subsumida en los Estados Unidos por los ídolos adolescentes, en Gran Bretaña el rock and roll estaba experimentando una evolución paralela que comenzó donde el rock de los Estados Unidos lo dejó. El rock antiguo, el blues, el rhythm and blues y el country fueron traídos originalmente por los militares americanos después de la Segunda Guerra Mundial. Para la juventud británica, fue una revelación, un cambio bienvenido de la tradición de music hall del jazz británico. La siguiente generación de estrellas del rock británico, desde los ardientes resucitadores del blues hasta sus primos con influencias pop, consideran que la importación de música americana fue fundamental para su evolución musical. Los británicos escucharon el rock and roll a través de una cultura scrim, una sensibilidad experta en captar las sutilezas de las diferencias de clase. Con su introducción, la música se formó en medio de una compleja e invisible relación entre sus raíces en la clase obrera del sur de América y el descontento crónico de la clase obrera británica, restringido por el accidente del nacimiento de cualquier cosa más significativa que el trabajo servil. Los británicos absorbieron el blues y el rock como una escritura (su redacción) sagrada, trayendo a la música una despreocupación nacida de la desesperación que se había marchitado en el pop americano. Los grupos británicos que emergerían como vanguardias del nuevo estilo -los Beatles, los Animals, los Rolling Stones, los Yardbirds, Them, los Dave Clark Five, por no mencionar un montón de nombres menores- introdujeron un entusiasmo por las formas americanas que parecía fresco y vital. Por cierto, causó casi disturbios, pánico en las calles y todo tipo de conmoción cuando regresó a las costas americanas, capturando a una nueva generación aburrida por Frankie Avalon, Annette Funicello, Connie Francis y compañía.

La expropiación del rock por parte de los artistas británicos tuvo un profundo efecto en la música rock y en la moda del rock, como si, visto a través de la lente alienígena de otra cultura, la música rock se revelara como algo más complejo y más inmediato para los músicos americanos. Muchos de los músicos británicos -John Lennon, Pete Townshend, Keith Richards, por nombrar algunos- eran productos del sistema de escuelas de arte inglés y recibieron influencias del mundo del arte, especialmente de los artistas pop y su preocupación por el lenguaje de la publicidad y su entusiasmo por borrar la tradicional demarcación entre arte alto y bajo. De hecho, Townshend tomó prestada la idea de la autodestrucción de una conferencia del artista Gustave Metzke en la escuela de arte de Townshend, Ealing. Como Chris Charlesworth escribió poco antes de ese año crucial, 1967, “La música pop ya no se dirigía directamente a los jóvenes fans que gritaban a sus ídolos, y tampoco era vista por sus creadores como un producto desechable, bueno para una rápida carrera en las listas de éxitos y poco más”. El rock se esforzó por hacer declaraciones y ser considerado como un arte serio.Entre las Líneas En el single de los Beatles “A Day in the Life” (en la banda del Club de los Corazones Solitarios del Sargento Pepper), se pueden escuchar ecos de John Cage, Nam June Paik, y toda la corriente del alto arte. “¿Cómo compone el músico”, escribió Dave Marsh, “cuando lo que se oye no es el ruido que hace el instrumento y/o la orquesta sino el ruido que el instrumento y/o la orquesta hace muchas veces quitado, en un trozo de plástico negro con un contexto propio? Esto es lo que John Russell se refiere como el “elemento de exorcismo” en el pop, y funciona tan efectivamente en un Who 45 como en una escultura de Oldenburg. … Así, las barreras entre los objetos de arte y las cosas cotidianas, entre la teoría de los espectadores de vanguardia y las masas inestéticas, entre la alta cultura y la baja, entre la respetabilidad y la basura, no fueron simplemente erradicadas sino demolidas.”

La comunión extática de un concierto de Fillmore West (muy similar a la comunión extática de los “holy rollers” que tanto influyeron en Elvis, Jerry Lee Lewis y otros) fue una conexión con el pasado del rock, pero la música de rock estaba fundamentalmente en desacuerdo con la cultura dominante de una manera diferente a la de los años 50. Ya no se trataba simplemente de un estigma social o de un chovinismo cultural por parte de la cultura dominante. “Para artistas como John Lennon, Bob Dylan y Pete Townshend, las películas de Hollywood y los brillantes especiales de televisión no eran un objetivo, sino una trampa que había que evitar”, escribió Marsh. “Muy pocos de los artistas posteriores a los Beatles cortejaron el tipo de respetabilidad que el Coronel Tom Parker o Larry Parnes habrían entendido.” Por razones generacionales y en gran parte debido a la guerra de Vietnam, que muchos intérpretes de rock consideraban como un síntoma de una mayor putrefacción, las opciones que habían satisfecho a las generaciones anteriores de intérpretes ya no estaban abiertas a los músicos de rock.Si, Pero: Pero como música, el rock dependía más de toda la armadura del capitalismo de consumo que cualquier otro género anterior, y en la década siguiente, estas contradicciones se hicieron evidentes.

EL ROCK Y EL MERCADO
El rock es una música porosa; este es su valor como pegamento social y, como otras artes esencialmente posmodernas, también su debilidad. Depende totalmente de las circunstancias históricas, no está divorciado de ellas, y a finales de los años 60, el rock volvería a estar en la posición que había ocupado a principios de los 60, un período de espera hasta que apareciera la siguiente gran cosa. A principios de los años 70, el rock de los 60 se había convertido en un vívido recuerdo, con muchos de sus mejores talentos muertos o jubilados: Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison habían muerto; los Beatles se habían separado. Las bandas que permanecieron intactas podían ofrecer poco más que un gesto de resistencia (el gesto era una importante figura de la música: el brazo estirado de Pete Townshend a punto de rasgar las cuerdas de su guitarra, o el afeminado personaje escénico de Mick Jagger, con la mano en la masa y la muñeca coja). Sin la cohesión de la Guerra de Vietnam detrás de ese gesto rebelde y desafiante, fue empleado como un mero adorno dramático. Podría ser sorprendente, pero la roca se había vuelto esencialmente hueca.

Sin nada contra lo que rebelarse, el rock se convirtió en un subgénero especializado que sólo tenía un parecido pasajero con el metal (véase definición, y una descripción de metal) pesado, el cantautor, el rock country, la música disco. La música reflejaba tanto las elecciones de estilo de vida como la identidad generacional, y ya no hablaba de cuestiones de clase y rebelión juvenil, excepto de la manera más vil y degradada. La gentileza de un oyente de Joni Mitchell a la medida de un sensible profesional educado en la universidad; Fleetwood Mac and the Eagles, un relajado hedonismo de clase media, no intelectual, pero respetable; mientras que la fanfarronada de testosterona del heavy metal (véase definición, y una descripción de metal), la música elegida por los adolescentes y cierto tipo de obrero post-adolescente, de ahí su condición de guardián de la llama rebelde del rock, fue críticamente ridiculizada. Los críticos podrían burlarse tanto del disco como del heavy metal (véase definición, y una descripción de metal), pero lo más apropiado era que estos dos géneros trascendieran las distinciones de clase de una manera similar al rock de los años 50: como si constituyeran una locura.

En los años 80, el rock, su fuego robado por los punks, parecía aún más moribundo. Sus principales proponentes eran o bien envejecidos o bien uno de una variedad de zánganos anónimos fabricados que producían una música insípida y con fórmulas no tan diferentes en contenido de las ofertas de los años del ídolo adolescente. La música rock había sido asimilada, contenida y, con la llegada de MTV, atrincherada en una industria del “entretenimiento” en un grado mucho mayor que nunca antes. Incluso el punk, que había comenzado su vida como una caricatura brutal de la cultura de consumo, insistiendo en que el rock debía ser desviado, como dirían los franceses, alejado de su significado previsto, se integró finalmente en la corriente principal quince años después del hecho. Se podía ver la aceptación comercial de bandas como Nirvana, Rancid y Green Day como prueba de alguna cooptación final, o el estrellato de Marilyn Manson como un abrazo final y la integración del otro (cuando todo es familiar, nada es extraño) o como el triunfo final del punk rock. Lo más probable es que la popularidad del punk fuera la prueba de que los gestos de rebelión juvenil, como lo habían sido desde James Dean, eran implícitamente excitantes y por lo tanto fácilmente comercializables dado el incentivo adecuado, que es, si uno es un ejecutivo de la discográfica, tragarse la repulsión hasta el banco. ¿Fue el rock finalmente una forma muerta, tan segura y no amenazante como la música swing?

Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):

VOLVER A LA CULTURA JUVENIL
La explosión de la música de rock alternativo durante los años 90 dio lugar a una serie aparentemente interminable de subgéneros, y el rock and roll parecía estar listo para rehacerse una vez más; sin embargo, mientras las principales discográficas clamaban por firmar a cualquier banda que tuviera el sonido de “Seattle”, parecía que el rock convencional se contentaba con reciclar sonidos y estética. Los movimientos post-grunge e indie emergieron de la superpoblada sombrilla “alternativa” como los dos géneros más comercialmente sostenibles. Actos como Pavement, The Breeders, Fugazi y Jane’s Addiction experimentaron un éxito comercial impulsado por grandes festivales musicales como Lollapalooza y Sasquatch. A veces, impulsado más por la necesidad de los minoristas de categorizar la música que por las diferencias reales en el sonido, el rock and roll parecía destinado a convertirse en una mera cáscara de su otrora rebelde cultura juvenil. Tal vez uno de los efectos más positivos de los movimientos alternativos e independientes fue el regreso a una preocupación política manifiesta en la música. Muchos fans se volcaron en la postura del rock de la arena en los años 80. Bandas como Winger, Skid Row y Mötley Crüe eran conocidas por sus fastuosos espectáculos y trucos más que por su música. Las legendarias historias de excesos durante las giras y la creciente presencia de patrocinadores corporativos como Budweiser distorsionaron la imagen de antiestablimiento del rock roll. Las bandas indias y alternativas buscaron tomar un mayor control en el proceso creativo y abrazaron la ética del “hágalo usted mismo” del punk rock.

Otros Elementos

Además, las bandas de Riot grrrl de los 90 ofrecían una convincente contra-narrativa al ambiente masculino y, a veces, misógino que impregnaba toda la escena del rock-and-roll. Como el movimiento grunge, sin embargo, riot grrrl fue rápidamente cooptada y tergiversada. Por cada Bikini Kill o los Coathangers, había innumerables bandas, como Spice Girls o Avril Lavigne, que imitaban el estilo y los eslóganes de la estética (lo artístico, o lo relacionado con el arte o la belleza) de la Riot grrrl pero estaban desprovistos de su sustancia.

Con tal teorización, es fácil perder de vista la naturaleza esencial del rock como “antihigh-art”, proletario e igualitario. Lo que era cierto en los años 50, que el rock en sus fundamentos era fácil de tocar y por lo tanto fácilmente accesible, sigue siendo cierto en el presente, aunque algunas músicas de rock son tan difíciles y tan rigurosas en su composición como cualquier música clásica.Si, Pero: Pero hay una posibilidad inherente al rock, una posibilidad inherente a todas las formas populares. La música no es propiedad de expertos o especialistas, sino del pueblo; el rock celebra el potencial de cuatro niños reunidos en un garaje y jugando. Y como legado de las raíces del rock en la música de los esclavos, donde las estrictas prohibiciones del amo de los esclavos necesitaban ser ocultadas, el rock codifica en su interior un mensaje corrosivo oculto, un secreto, un llamado a las armas basado en símbolos y repetición discernible para cualquiera que tenga la intención de descifrarlo, difundiendo su queja a pesar de las manipulaciones de los ejecutivos de la industria discográfica. “Según una teoría”, escribe Lester Bangs, “el punk rock se remonta a ‘La Bamba’ de Ritchie Valens”. Sólo considera el mariachi de tres acordes de Valens a la luz de “Louie Louie” de los Kingsmen, luego considera “Louie Louie” a la luz de “You Really Got Me” de los Kinks, luego “You Really Got Me” a la luz de “No Fun” de los Stooges, luego “No Fun” a la luz de “Blitzkrieg Bop” de los Ramones, y finalmente nota que “Blitzkrieg Bop” suena muy parecido a “La Bamba”. Allí: veinte años de historia del rock & roll en tres acordes, tocados de forma más primitiva cada vez que se reciclan.”

El éxito comercial de las bandas de post-grunge y crossover metal (véase definición, y una descripción de metal) saturó el mercado con bandas como Limp Bizkit y Papa Roach, que tocaron en lugares que rivalizaban con las bandas de glam metal (véase definición, y una descripción de metal) de los años 80. El rock de garaje ofrecía un sonido más simple, emparejado. Bandas como White Stripes, Dávila 666, Dirtbombs, y Black Lips dieron paso a lo que muchos esperaban que fuera un nuevo reavivamiento del fuego del rock and roll. Muchas de las bandas experimentaron un éxito crítico y comercial, y la ética del rock se tambaleó una vez más en el precario equilibrio entre la explotación del mercado y la integridad creativa. A pesar de la capacidad del capitalismo para absorber la música rock en el mercado, su historia y su íntima relación con la cultura juvenil le permitieron rehacerse continuamente y existir simultáneamente como una fuerza subcultural y como un lucrativo negocio.

Datos verificados por: Marck

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Recursos

Traducción al Inglés

Traducción al inglés de Música rock: Rock music

Véase También

Bibliografía

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