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Video Musical

Los vídeos musicales empezaron a difundirse ampliamente en la televisión a principios de la década de 1980. Al igual que los anuncios publicitarios que son, los vídeos musicales pueden considerarse la forma de arte posmoderna por excelencia: híbridos, parasitarios, apropiados, a menudo comprometidos por el comercio o socavados por la pretensión estética, idealmente compactos y asimilables.

Las bandas con la influencia necesaria -los Beatles, en primer lugar- empezaron a sustituir las apariciones en persona en la televisión por videoclips a finales de la década de 1960, y las bandas marginadas por los medios comerciales convencionales -los punks, en primer lugar- fueron de las primeras en reconocer la utilidad de esta forma como argumento de venta y propaganda política una década más tarde.Si, Pero: Pero los vídeos musicales no se hicieron omnipresentes hasta que la llegada de la MTV (Music TeleVision) en 1981 los convirtió en un complemento casi indispensable para la comercialización de una canción. Su base estilística también procedía de los Beatles, a través de A Hard Day’s Night y Help!, cuyo director, Richard Lester, liberó a la canción en el cine incluso de una vaga subordinación al argumento o al contexto, para sustituirla por payasadas de cine mudo, cuya nueva función era celebrar una actitud.

En 1975, el revuelo creado por el clip de Queen para “Bohemian Rhapsody” demostró que el vídeo podía aumentar, si no definir, las cualidades de una canción (si eran virtudes o vicios dependía del oyente-espectador). A finales de la década de 1970, los vídeos clave de Devo y otros artistas de la nueva ola cristalizaron la naturaleza de la forma, incluyendo una ironía inherente que sólo los artistas más serios a su paso intentaron superar, normalmente con intentos desafortunados de ignorarla.Entre las Líneas En la era de la MTV, los clips de actuación habían sido prácticamente superados por un enfoque conceptual cuyo surrealismo característico era a menudo más estipulado que inventado y cuyas marcas estilísticas simplistas se convirtieron rápidamente en clichés: montaje asociativo, múltiples situaciones dramatizadas elegidas más por su impacto visual que por su idoneidad, un aire de importancia que no se deja intimidar por la falta de significado real, y una impresionante disposición a referirse, hurtar y reelaborar el vasto tesoro de imágenes talismán del siglo XX, extraídas del cine, la televisión, la pintura, la fotografía de noticias, etc.

Uno de los resultados fue que, en no muchos años, prácticamente todo lo que se podía probar ya se había hecho. Desde el punto de vista estético, el vídeo musical rompió tanto el hielo desde el principio que los aspirantes a experimentadores posteriores a menudo se vieron obligados a buscar nuevos efectos. Es significativo que los dos autores más destacados de este formato alcanzaran su punto álgido en la década de 1980: Michael Jackson, cuyos revolucionarios videoclips “Beat It” y “Billie Jean” (ambos de 1983), con su influyente coreografía y su igualmente influyente ambiente de paranoia, pronto cedieron el paso a la fanfarronería autoindulgente de “Thriller”, y Madonna, responsable en su mejor momento de uno de los vídeos más aclamados jamás realizados (“Like a Prayer”, 1989) y del más deliberadamente salaz (“Justify My Love”, 1990). Sin embargo, en las manos imaginativas adecuadas -incluidas las de Madonna, aunque ya no las de Jackson- el vídeo seguía siendo un medio muy expresivo para establecer (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana, 1991), descodificar (“Losing My Religion” de R.E.M., 1991) o simplemente inventar (“Let’s Dance” de David Bowie, 1983) el significado esencial de una canción. Las buenas canciones siguen siendo útiles, por supuesto; aunque la exposición de la MTV ha ayudado a vender muchos temas mediocres, a la larga la música sigue ganando con la suficiente frecuencia como para matizar seriamente, si no refutar, la alegre predicción del primer clip que emitió la cadena: “Video Killed the Radio Star” de los Buggles.

En el siglo XXI, a medida que disminuía la importancia de la emisión en MTV y que cada vez más gente veía vídeos musicales en Internet (por ejemplo, en YouTube y MySpace) y en las pantallas más pequeñas de los dispositivos móviles (por ejemplo, reproductores de MP3 y teléfonos celulares), el enfoque adoptado por muchos creadores de vídeos musicales empezó a cambiar.

Más Información

Las imágenes empleadas se volvieron menos complicadas y menos densas, aunque no menos llamativas, y el “encuadre central”, que sitúa las imágenes en el centro de la pantalla, se convirtió en la norma. Sin embargo, los conceptos extraños o ingeniosos siguieron siendo el centro de atención, como en “Here It Goes Again” (2006) de OK Go, en el que el retozo coreografiado de los miembros de la banda en cintas de correr se convierte en una danza moderna fluida.

Videoarte

El videoarte se convirtió en un medio importante para los artistas que deseaban explotar la presencia casi universal de la televisión en la sociedad occidental moderna. Sus cintas de vídeo, a menudo no narrativas y de corta duración, podían emitirse por las vías públicas o reproducirse a través de grabadoras de vídeo (VCR).

Los primeros artistas que trabajaron con este medio, como el artista de origen coreano Nam June Paik, crearon instalaciones de numerosos televisores programados con los propios vídeos experimentales y a veces abstractos de los artistas, creando esculturas internamente cinéticas. La obra de Paik TV Bra for Living Sculpture (1969), en la que la artista de performance y violonchelista Charlotte Moorman tocaba el violonchelo en topless con dos pequeños monitores de televisión que reproducían vídeo pegados a su pecho, ilustra los antiguos vínculos del videoarte con la performance (véase también arte de performance), así como su naturaleza a menudo vanguardista. Otros artistas empezaron a experimentar con la proyección de vídeo, que les permitía crear efectos más monumentales, a menudo vistos en las paredes de museos y galerías.

Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):

La flexibilidad del medio y la facilidad e inmediatez de la tecnología del vídeo atrajeron a una amplia gama de artistas: cineastas experimentales, fotógrafos, artistas de la performance, artistas conceptuales, artistas del sonido y del proceso, y otros.Entre las Líneas En los años ochenta y noventa empezaron a aparecer valores de producción más altos y una intersección más estrecha con las estrategias de instalación en las obras de artistas como Matthew Barney, Pipilotti Rist y Bill Viola. La llegada de las tecnologías de grabación digital en los años 90 y posteriores ha ampliado aún más las posibilidades del videoarte basado en monitores de televisión o proyectado como medio principal en el arte moderno.

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Recursos

Traducción al Inglés

Traducción al inglés de Video: Video

Véase También

Bibliografía

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