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Disrupción en la Industria Cinematográfica
Este elemento es una expansión del contenido de los cursos y guías de Lawi. Ofrece hechos, comentarios y análisis sobre la “Disrupción en la Industria Cinematográfica”.
Nota: para información complementaria, se puede consultar la Historia Económica de la Industria Cinematográfica Mundial, la “Economía del Cine” en general y la Historia de la Industria del Cine.La distribución cinematográfica es una de las tres ramas principales de la industria cinematográfica. Su misión es servir de enlace entre la producción y la exhibición. De estos tres sectores, la distribución es el más rentable y está controlado por grandes conglomerados multinacionales. Los distribuidores suministran películas, programas de televisión, vídeos y nuevos medios a diversos puntos de distribución, como cines y emisoras. Esto se hace en los territorios donde han adquirido los derechos a los productores. Tradicionalmente son la principal fuente de financiación de las nuevas producciones. El sector de la distribución recibe el sobrenombre de “sector invisible”. Sus prácticas suelen afectar sólo a los conocedores de la industria y pasan desapercibidas para el público.
Disrupción en la Industria del Cine
La película Black Panther se convirtió rápidamente en un fenómeno de las redes sociales, provocando 35 millones de tuits, la mayor cantidad generada por una película de la historia.
Black Panther también arrasó en la taquilla, recaudando 700 millones de dólares con la venta de entradas en Estados Unidos y Canadá -y 1.300 millones en todo el mundo- en 2018. A nivel nacional, fue la película más taquillera del año y la tercera más taquillera de la historia hasta ese momento, por detrás de la secuela de Star Wars de 2015 y la película Avatar de 2009.Entre las Líneas En enero, se convirtió en la primera película protagonizada por un superhéroe nominada al Oscar. La película recaudó más de 2.000 millones de dólares en taquilla en todo el mundo el año 2018, el triple que en Estados Unidos. Las superproducciones de superhéroes estadounidenses son más populares que los dramas entre el público extranjero porque las películas plantean menos problemas de idioma.
“Si quieres tener éxito en el escenario global (…) tienes que tener diversidad en la narración, en los personajes que pones delante de la cámara, en los artesanos que pones detrás de la cámara”, dijo el entonces jefe de distribución de Disney, propietaria de Marvel, productora de Black Panther.
La película pionera puede haber acallado, por el momento, algunas de las críticas dirigidas a Hollywood en los últimos años sobre su falta de diversidad racial y de género en la gran pantalla. Pero la industria cinematográfica sigue enfrentándose a otros retos que amenazan con poner en peligro su modelo de negocio tradicional.
A pesar de los ingresos récord en taquilla, tanto en su país como en el extranjero, los estudios de Hollywood deben hacer frente a la creciente competencia de servicios de streaming como Netflix, Amazon y Hulu, a los que pronto se unirá una plétora de otros. Los cambios generacionales y culturales también plantean dudas sobre si la industria puede seguir atrayendo a una amplia base de espectadores. Según los analistas, a medida que los servicios de streaming se vuelven omnipresentes, los espectadores más jóvenes quieren cada vez más entretenimiento en el momento, lugar y dispositivo que elijan. Mientras tanto, Hollywood sigue enfrentándose a intensas críticas sobre las desigualdades salariales entre hombres y mujeres y el acoso sexual.
Esta industria sigue adaptándose a un mundo en constante cambio. Pero si Hollywood no se ajusta a lo que el público realmente quiere, puede dejarlos fuera del negocio.
A pesar de un descenso en 2017, los ingresos de la taquilla nacional alcanzaron un récord de 11.900 millones de dólares en 2018. La venta de entradas se ha mantenido bastante estable en las últimas dos décadas, en gran medida porque Hollywood se ha centrado en producir superproducciones muy populares basadas en la ciencia ficción o en los superhéroes de los cómics. Pantera Negra, Vengadores: Infinity War e Incredibles 2 fueron las películas más taquilleras de 2018, recaudando cada una más de 600 millones de dólares en el mercado estadounidense.
Nunca antes se había visto un año en el que tres películas hayan recaudado más de 600 millones de dólares a nivel de Estadeos Unidos.
Desde la década de 1990, Hollywood se ha centrado en lo que mejor saben hacer los grandes estudios: crear éxitos de taquilla. Y como éstas se basan en cómics o novelas populares, los estudios pueden producir fácilmente secuelas. Parece que al público le encanta. A Wall Street le encanta. Es una taquilla predecible año tras año. (Lo mismo puede ocurrir con los juegos tras el éxito de Mario Bros en el año 2023).
Las películas de superhéroes también son muy rentables porque dan lugar a lucrativos vínculos con juguetes, parques temáticos, comida rápida y ropa relacionados con la franquicia. En última instancia, la película está diseñada para ser una gigantesca herramienta de marketing para la mercancía y los parques temáticos que generan miles de millones y miles de millones en ingresos.
Pero al centrarse en las superproducciones, los grandes estudios casi han abdicado de la producción de películas de mediano y bajo presupuesto en favor de los cineastas independientes y las empresas de streaming, que han pasado a llenar agresivamente el vacío. Amazon y Netflix han producido docenas de películas independientes en los últimos años y están planeando abrir sus propios estudios de cine.
Con todas las nuevas empresas que producen material, los cinéfilos se han visto realmente atraídos por la diversidad de contenidos y el amplio surtido de géneros cinematográficos. Aunque los superhéroes dominaron la taquilla el año 2018, las películas de terror, los documentales, los dramas, las películas independientes, las películas familiares y las comedias también obtuvieron buenos resultados.
La diversidad en la pantalla también impulsó las ventas en taquilla.
Observación
Además de Black Panther, Crazy Rich Asians, con un director asiático y un reparto predominantemente asiático, obtuvo buenos resultados, al igual que Bohemian Rhapsody, sobre el cantante de Queen Freddie Mercury, fallecido de sida en 1991.
La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, que entrega sus premios de la Academia 2019 el 24 de febrero, nominó a películas con repartos diversos. Tres películas con actores negros -Pantera Negra, Green Book y BlacKkKlansman- optan al Oscar a la mejor película, al igual que Bohemian Rhapsody y Roma, un drama en español sobre una familia mexicana y su niñera, que fue distribuido por Netflix. Malek está nominado como mejor actor, y Yalitza Aparicio se convierte en la primera mujer indígena nominada como mejor actriz por su papel en Roma. Aparicio pertenece a los grupos indígenas mixtecos y triquis de México.
La decisión de los estudios de estrenar las películas más atractivas durante todo el año, en lugar de sólo durante las temporadas de verano y vacaciones, ayudó a aumentar los ingresos. “Todos los meses hubo películas que superaron las expectativas”, dijo Phil Contrino, director de medios de comunicación e investigación de la Asociación Nacional de Propietarios de Cines.
Mientras tanto, los cines de Estados Unidos y Canadá vendieron 1.300 millones de entradas en 2018, por encima de los cerca de 1.200 millones de 2017. El cine está vivo y bien en 2018, todavía no había llegado la pandemia ni la competencia de las plataformas de streaming eran tan fuertes.
Pero incluso con el repunte del año 2018, la asistencia a los cines ha disminuido lentamente desde su reciente pico de casi 1.600 millones en 2002. Los cinéfilos frecuentes -los que asisten al menos una vez al mes- representaban solo el 12% de la población en 2017, según el informe de la MPAA.
Charles T. Metcalfe, representante de la Compañía Británica de las Indias Orientales, y Ranjit Singh, jefe del reino sij del Punjab, firmaron el Tratado de Amritsar, que zanjó las relaciones indo-sijas durante una generación. Véase un análisis sobre las características del Sijismo o Sikhismo y sus Creencias, una religión profesada por 14 millones de indios, que viven principalmente en el Punjab. Los sijs creen en un único Dios (monoteísmo) que es el creador inmortal del universo (véase más) y que nunca se ha encarnado en ninguna forma, y en la igualdad de todos los seres humanos; el sijismo se opone firmemente a las divisiones de casta.
Exatamente 17 años antes, la primera guillotina se erigió en la plaza de Grève de París para ejecutar a un salteador de caminos.
Hay varios factores que afectan a la asistencia, como el aumento del precio de las entradas y la disponibilidad de alternativas de alta calidad en la televisión y en línea. No parece que sea una exageración decir que el negocio de las salas de cine podría un día contraerse o incluso desaparecer, pues se podría, hasta cierto punto, comparar los cines con las muchas librerías de ladrillo y mortero que se fueron a pique cuando la venta de libros se trasladó a Internet.
En un esfuerzo por reforzar su negocio, algunos propietarios de cines están mejorando sus opciones de comida y asientos.
Los éxitos de taquilla de los estudios no atraen a muchos adultos de mediana edad y mayores, para quienes ir al cine ya no es realmente una primera prioridad, en parte debido a la sobreabundancia de contenido de súper alta calidad que ahora está disponible en la televisión o en los servicios de streaming.
Los principales servicios de streaming han producido películas premiadas y nominadas, siendo Netflix el primer servicio nominado al Oscar por su documental de 2013 The Square. En 2017, Manchester by the Sea, de Amazon, fue la primera película del servicio de streaming nominada a la mejor película. El protagonista de la película, Casey Affleck, ganó el premio al mejor actor, y la película ganó el premio al mejor guión original.
En los premios Globo de Oro 2019, que abarcan tanto la televisión como el cine, Netflix y Amazon recibieron más nominaciones que el año pasado. Amazon obtuvo nueve nominaciones por programas originales en streaming y una por una película. Netflix, que recibió cinco nominaciones por películas y ocho por series, ganó en las categorías de mejor director y mejor película en lengua extranjera por Roma.
Los expertos afirman que, con la abundancia de contenidos disponibles de diversas fuentes, los consumidores se han acostumbrado a obtener su entretenimiento cuando y donde quieran. “La popularidad de los servicios de streaming sigue creciendo”, afirma un informe del Centro Deloitte de Tecnología, Medios y Telecomunicaciones. El porcentaje de hogares suscritos a un servicio de vídeo en streaming alcanzó el 55% en 2017, un 450% más desde 2009, según Deloitte.
Para competir con los streamers, Disney y WarnerMedia están preparando el lanzamiento de sus propios servicios de streaming, y varias otras empresas están planeando hacerlo en el futuro.
No cabe duda de que se avecinan muchos cambios. La gente tendrá más opciones para ver en streaming, pero al mismo tiempo el mercado ya está fragmentado y es intimidante, y sólo va a aumentar.
Algunas Cuestiones
Mientras los expertos en cine y entretenimiento doméstico se plantean el futuro de la industria y ésta se enfrenta a las consecuencias de los recientes escándalos de desigualdades salariales por razón de género y acoso sexual, éstas son algunas de las preguntas que se plantean:
¿Pueden los grandes estudios de cine seguir siendo competitivos?
Después de un débil 2017, Hollywood se ganó la atención generalizada el año 2018 con un récord de ingresos en taquilla en Estados Unidos y Canadá, impulsado en gran medida por las historias de superhéroes.
No hay fatiga de superhéroes, parece. Los grandes estudios han llegado a depender en gran medida de las películas de gran presupuesto de franquicias como Star Wars o Spider-Man. No sólo las películas se prestan a secuelas, sino que los estudios también ganan miles de millones de dólares con los productos y licencias asociados, incluso con los parques temáticos que desarrollan atracciones relacionadas con las películas.
Lo que los estudios están haciendo es algo parecido a una hiperpelícula o una superpelícula. Es algo totalmente distinto. Es un sistema de reparto de juguetes. Una película de Cars recaudará 500 o 600 millones de dólares, pero los productos de Cars venderán 4.000 millones.
Algunos analistas se preguntan cuánto puede durar esta tendencia. No estan tan convencidos de que estas franquicias como Star Wars y Marvel puedan mantenerse durante mucho tiempo. ¿Cuántas veces se puede salvar al mundo de una persona realmente mala?. Parte del problema, sostienen, es que los consumidores pueden encontrar el visionado de películas que no son de superhéroes en casa tan agradable como verlas en el cine. El abanico de películas por las que la gente está dispuesta a pagar 20 dólares en el cine es mucho más reducido que antes.
Por ejemplo, dramas como Green Book de 2018 y The Favourite han recibido premios y nominaciones, pero los consumidores pueden preguntarse: ¿Tengo que verlas en la gran pantalla?”. Probablemente, para la mayoría, no. Además, algunos cinéfilos encuentran la hiperdependencia de los estudios en los blockbusters algo así como un páramo cultural.
Todos los demás tipos de películas -especialmente las de mediano presupuesto y originales para adultos- se están convirtiendo en una especie en peligro de extinción en los grandes estudios. Mientras tanto, Amazon y Netflix están produciendo las películas de menor o mayor presupuesto, el tipo de vehículos estelares que solían ser el pan de cada día de los estudios.
Los cines de propiedad independiente y las cadenas como Landmark Theatres, conocidas por proyectar películas independientes, extranjeras y orientadas a los adultos, se han hecho con un nicho de éxito. Es un sistema bifurcado, con superproducciones y películas independientes más pequeñas. Creo que en el mercado intermedio es donde entran en juego los servicios de streaming.
Mientras los ingresos de taquilla batían récords en 2018, el gasto en entretenimiento doméstico siguió disparándose. Los consumidores estadounidenses gastaron la cifra récord de 23.300 millones de dólares en el alquiler o la compra de películas estrenadas en formato digital o en disco en 2018, un 11,5% más que en 2017, según el Digital Entertainment Group, que promueve productos y plataformas de entretenimiento en casa y presenta datos semanales del sector.
Los teléfonos inteligentes están ayudando a alimentar la naturaleza a la carta del visionado de películas. Los miembros de la Generación Z -definida como los nacidos entre 1997 y 2003- pasan cerca del 20 % de su tiempo viendo películas en sus teléfonos, según el estudio de Deloitte.
Parece que los consumidores adoran el mundo a la carta. El reto es cómo motivar a la gente para que dedique su tiempo y energía a ir a ver una película que empieza cuando el cine dice que empieza. Una película, actualmente, tiene que ser un acontecimiento, o tiene que ser impresionantemente buena. Nunca ha habido un margen de error tan pequeño.
Una vez, el presidente de Walt Disney Studios, dijo en términos parecidos: “Cuando tienes una película que no solo puede atraer ampliamente, sino que puede responder a dos preguntas clave – “¿Tengo que verla ahora?” y “¿Tengo que verla en una sala de cine?”- con un sí definitivo, se convierte en algo de lo que la gente quiere formar parte y que no puede conseguir en ningún otro sitio”.
Probablemente, una buena parte de la gente seguirá queriendo ver las películas en una sala de cine, que es un tipo de experiencia diferente a la de verlas en un televisor o un ordenador. El tiempo, el dinero y el compromiso emocional son diferentes, y el público cambia la forma de experimentar la película. Pero la situación no será la de los años 50 a 90.
¿Pueden las empresas cinematográficas tradicionales seguir atrayendo a los jóvenes adultos?
Las empresas de streaming ofrecen 200 servicios de vídeo bajo demanda por suscripción, según el estudio de Deloitte de hace unos años, y los hogares estadounidenses gastaban 2.100 millones de dólares al mes en ellos.
El modelo Netflix parece ser el futuro del cine. Puedes acceder a él en cualquier momento y en cualquier lugar.
Los adultos más jóvenes se sienten especialmente atraídos por el streaming. Según Deloitte, el 70% de los hogares de la Generación Z se suscribieron a un servicio de streaming en 2017, al igual que el 68% de los hogares Millennial (nacidos entre 1983 y 1996). Mayorías significativas de ambos grupos afirmaron que transmiten películas cada semana y ven programas de televisión por atracones.
“Los millennials, en particular, quieren hacer binge-watching y no esperar el goteo de episodios”, dice Rahul Telang, profesor de sistemas de información y gestión en la Universidad Carnegie Mellon de Pittsburgh.
Los hábitos de visualización de los jóvenes influyen en lo que producen los estudios de Hollywood. Cuanto más se fragmenta la atención de los jóvenes” por tantas opciones de entretenimiento, escribió, más caro resulta para los estudios de Hollywood crear una audiencia para cada película y “más desesperados están los estudios por encontrar franquicias que den a luz muchas secuelas fructíferas.
Mientras que la asistencia al cine per cápita ha disminuido entre los adultos jóvenes, la asistencia de las generaciones mayores se ha mantenido o incluso ha aumentado ligeramente, según la MPAA. Los grandes estudios dependen en gran medida del 12% de la población que asiste al cine al menos una vez al mes, ya que representan casi la mitad de las entradas vendidas.
Pero la MPAA descubrió que la asistencia entre los jóvenes es mixta, ya que la asistencia frecuente al cine entre los jóvenes de 18 a 24 años disminuyó un 8 por ciento entre 2012 y 2017 y aumentó un 12 por ciento entre los que tienen entre 25 y 39 años.
Sin embargo, otros analistas no están de acuerdo con que la asistencia de los jóvenes de 18 a 24 años esté disminuyendo. Señalan que las cifras de la MPAA proceden de una encuesta telefónica. Los jóvenes rara vez contestan al teléfono, escribe Corcoran, y añaden que cualquier grupo de 18 a 24 años que responda a ese tipo de encuesta es, por definición, anómalo.
Indicaciones
En cambio, citan una encuesta de Ernst & Young que encontró una correlación positiva entre el streaming y el cine. Cuanto más frecuente es el streaming por parte de los consumidores, más frecuentemente acuden a las salas de cine, parece, y ese fenómeno es más prominente entre el público más joven.
En cualquier caso, las películas de superhéroes de los estudios están diseñadas para atraer a los adolescentes y a los menores de 25 años.
Algunas nuevas productoras se dirigen a un consumidor algo mayor. Los millennials de entre 20 y 30 años se sienten atraídos por las películas que abordan temas serios. Sobre la cuestión de producir contenidos que tengan un impacto en el mundo, el modelo tradicional del negocio del cine dice que este tipo de películas no son comercialmente viables, y específicamente no para un público más joven. Pero, de hecho, estamos viendo que el público millennial responde realmente al material que hace una declaración, se posiciona, ante algunos de los retos del mundo.
Para atraer a los adultos jóvenes, algunos propietarios de cines están mejorando los asientos reclinables y la selección de comida y bebida, incluidas las bebidas alcohólicas. La cita ideal es cenar y ver una película. Al añadir alcohol y mejorar la comida, los cines pueden “captar esos ingresos, y es más cómodo para el consumidor.
Sin embargo, el coste de ir al cine puede ser un obstáculo para los millennials cuando empiezan a tener hijos, ya que el coste de una niñera y el precio de las entradas se acumulan rápidamente. El precio medio de las entradas superó los 9 dólares en 2018, un 25% más desde 2008, sin ajustar a la inflación.
Los servicios de suscripción de películas han surgido como una forma de contrarrestar el aumento de los precios de las entradas.Entre las Líneas En agosto de 2017, MoviePass comenzó a ofrecer suscripciones que permitían a los miembros ver una película al día en los cines, incluidos los nuevos lanzamientos, por 10 dólares al mes.Entre las Líneas En pocos meses, 3 millones de personas se inscribieron.Si, Pero: Pero el servicio era económicamente insostenible, y MoviePass reestructuró el programa e impuso límites. Este año ha empezado a ofrecer tres planes, con diferentes precios, y los miembros están limitados a tres películas al mes, con ventajas adicionales para los que pagan más.
Otras cadenas de cines, como AMC y Cinemark, han creado sus propios servicios de suscripción.
Consideran que han acertado con los millennials y han encontrado un vehículo que les gusta utilizar mediante un programa de pases de cine. Pero, en cambio, muchos servicios de suscripción cometieron muchos errores que hicieron dudar de su viabilidad. Los ganadores no fueron tímidos. Cobraron más del doble de lo que cobraban nuestros competidores”.
Los precios de las membresías de AMC Stubs, que parece que sí ha tenido éxito, tienen tres niveles, varían según la ubicación, y los costes en los estados más caros (como Nueva York y California) ascienden a 23,95 dólares al mes.
La diversidad en la pantalla puede ser también una clave para atraer a los adultos más jóvenes. Los millennials representan el grupo de adultos más diverso desde el punto de vista racial y étnico, y las minorías representan más de la mitad de la población de los millennials en estados grandes, como California, Texas y Florida. Para la Generación Z, casi la mitad son minorías.
En el fin de semana de estreno de Black Panther, la película atrajo a más del doble del índice de asistencia al cine habitual de los afroamericanos. Las mujeres representaron casi la mitad del público, muy por encima del 38% habitual que ve películas de superhéroes.
¿Ha abordado Hollywood con éxito las cuestiones de diversidad y género?
La población estadounidense es cada vez más diversa, pero muchas películas no han reflejado ese cambio.
Gran parte del revuelo por la falta de diversidad racial estalló en 2015, cuando los 20 aspirantes al Oscar para actores y actrices principales y secundarios eran blancos por primera vez desde 1998. Fue como recibir un gran golpe.
Como respuesta, April Reign, editora jefe del sitio web BroadwayBlack.com, creó el hashtag #OscarsSoWhite en Twitter. Revivió el hashtag en 2016, cuando todos los aspirantes a los principales Oscars volvieron a ser blancos.
Según el último “Informe sobre la Diversidad en Hollywood” de la UCLA, que abarcó las películas estrenadas en 2016, las minorías representaron casi el 40 por ciento de la población del país ese año, pero estuvieron infrarrepresentadas en una amplia gama de categorías cinematográficas, incluidos los protagonistas, los directores y los guionistas. Las mujeres, que representan el 51% de la población, también estaban infrarrepresentadas. El informe, el quinto que elabora la UCLA, ha constatado modestas mejoras en la diversidad durante ese periodo de tiempo.
“Todavía queda un largo camino por recorrer antes de que las mujeres o las personas de color alcancen una representación proporcional entre los actores del cine y la televisión, pero al menos las líneas de tendencia de ambos grupos apuntan en la dirección correcta”, señala el informe. Los investigadores también descubrieron que las películas y los programas de televisión “con repartos en sintonía con la diversidad de Estados Unidos tienden a registrar las cifras de taquilla y los índices de audiencia más altos del mundo”.
Un estudio de la Iniciativa de Inclusión Annenberg de la Universidad del Sur de California descubrió que más del 70 por ciento de los personajes hablantes de las 100 películas más taquilleras estrenadas en 2017 eran blancos y el 68 por ciento hombres. Los negros representaban el 12 % de esos personajes, los hispanos el 6 % y los asiáticos algo menos del 5 %.
Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características y el futuro de esta cuestión):
En 2018, sin embargo, la diversidad se ha convertido en un éxito tanto en la taquilla como en el ámbito de los premios. Black Panther, Crazy Rich Asians y Ocean’s 8, con un reparto interracial y predominantemente femenino, fueron populares en la taquilla.
Y las películas de 2018 con repartos diversos recibieron nominaciones a los premios.
Observación
Además de las nominaciones a la mejor película en los Premios de la Academia para Black Panther, BlacKkKlansman, Green Book, Bohemian Rhapsody y Roma, el director afroamericano Spike Lee recibió su primera nominación a mejor director por BlacKkKlansman, y el director mexicano Alfonso Cuarón fue nominado en la misma categoría por Roma.
Cheryl Boone Isaacs, la primera presidenta negra de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, dijo en respuesta a la protesta de 2015 que la academia estaba “comprometida con la búsqueda de la diversidad de voces y opiniones”. Luego, tras la controversia de los #OscarsSoWhite de 2016, la academia se comprometió a duplicar el número de mujeres y miembros de minorías para 2020.
La membresía de la Academia está abierta a cualquier persona que trabaje en películas estrenadas en los cines, pero los candidatos deben ser apadrinados por dos miembros y aprobados por la junta de gobierno. Los nominados a los premios son considerados automáticamente para ser miembros.
En 2018, la academia invitó a 928 personas a unirse, casi el 40% de ellas personas de color y casi la mitad mujeres. Si todos aceptan, el número de miembros de la academia superaría los 9.200, y el porcentaje de minorías pasaría del 13% al 16%. El porcentaje de mujeres pasaría del 28% al 31%.
No todos están contentos con la forma en que Hollywood ha perseguido la diversidad centrándose en los miembros de la academia. Para algunos, se ha decantado por respuestas numéricas al problema de la inclusión, sin reconocer apenas que es un problema de la industria mucho, mucho más que de la academia.
A pesar de las acciones de la academia, Jordan Peele, un escritor y director negro que ganó el Oscar al mejor guion original por la película Get Out de 2017, dijo que Hollywood va en la dirección correcta. “Creo que hemos cambiado la tendencia. Cada vez está más claro que el país y el mundo están preparados para protagonistas e historias e ideas y puntos de vista que no se han visto antes”.
El trato de Hollywood a las mujeres llamó la atención del país en octubre de 2017, cuando se publicó la primera historia sobre las acusaciones de acoso y agresión sexual contra el magnate del cine Harvey Weinstein. Weinstein, que niega los cargos de agresión (véase qué es, su definición, o concepto jurídico), se enfrentó a un juicio en Nueva York, y a numerosas acusaciones.
Pronto, otras mujeres de Hollywood comenzaron a alegar acoso por parte de él o de otros, lo que llevó a la actriz Alyssa Milano a tuitear: “Si todas las mujeres que han sido acosadas o agredidas sexualmente escribieran “yo también” como estado, podríamos dar a la gente una idea de la magnitud del problema”. Al día siguiente, #MeToo había sido tuiteado más de 500.000 veces por mujeres de todo el mundo.
En pocos meses, más de 300 mujeres de Hollywood fundaron el movimiento Time’s Up, que presiona por un lugar de trabajo más seguro e inclusivo en todas las industrias y ha creado un fondo legal para ayudar a las mujeres que presentan demandas contra los empleadores.
Mientras las repercusiones de los movimientos #MeToo y #TimesUp siguen resonando en la industria del entretenimiento y más allá, esta tendencia marca lo mucho que nos queda por recorrer”.
La prensa (como, por ejemplo, New York Times) ha señalado que algunos altos ejecutivos de Hollywood sienten resentimiento, si no hostilidad absoluta, por la lucha contra la discriminación y la desigualdad de género y por los agresivos esfuerzos de la academia por diversificar sus miembros. Algunos hombres de Hollywood recurren rápidamente al lenguaje sexista y ofensivo cuando hablan de forma anónima, que es la única forma en que los más poderosos hablan con los periodistas.
Para algunos grupos de defensa de las mujeres en el cine, el acoso en Hollywood no se frenará hasta que las mujeres ganen poder en la industria cinematográfica. Cuantas más mujeres haya en puestos de liderazgo, menos probables serán los incidentes de acoso. Uno de ellos añadió: “Llevamos cientos de miles de años viviendo en una sociedad sexista y racista. No vamos a deshacerlo en un año”.
El mundo a la carta
Mientras continúa el cruce entre los grandes estudios y los servicios de streaming, los expertos se preguntan cómo transformará esta tendencia la industria cinematográfica en los próximos años.
NBCUniversal planeaba ofrecer un servicio de streaming gratuito, apoyado por anuncios, a partir de 2020. Será gratuito para los abonados a la televisión tradicional por cable y satélite, pero los que hayan “cortado el cordón” tendrán que pagar unos 12 dólares al mes. El plan original era que el servicio ofreciera 1.500 horas de programas de la NBC, además de cientos de horas de películas de Universal.
Se espera que todas las grandes cadenas de televisión pongan en marcha su propio servicio de streaming a corto plazo, si no lo han implementado ya. Pero a medida que proliferen estos servicios, la cuestión será saber a cuántos de ellos estarán dispuestos a suscribirse los consumidores, según algunos, Netflix y Amazon probablemente permanecerán, y Disney tiene películas a las que la gente es muy fiel, con una audiencia familiar identificada. Alguna cadena de cable ya ha tenido que retirarse de la aventura del streaming nada más empezar.
Es poco probable que ninguno de los servicios pueda cobrar individualmente más de 10 dólares al mes.
Con la adquisición pendiente de 21st Century Fox por parte de Disney, los expertos afirman que pueden producirse más fusiones. Va a haber una presión considerable para que las empresas más pequeñas vendan.
La industria del entretenimiento está en un momento de consolidación, reconoció el presidente y director general de Sony Pictures. En este clima, los estudios crecerán o se convertirán en un objetivo de adquisición. Su objetivo es hacer lo primero, no lo segundo.
Mientras tanto, los estudios pueden sentirse cada vez más presionados para centrarse en la diversidad y reflejar la cambiante demografía estadounidense.Entre las Líneas En 2045, los blancos representarán menos del 50% de la población, según la Oficina del Censo de Estados Unidos. Y con la creciente proliferación de contenidos, aunque se quiera volver a los mismos blancos, no hay suficientes para todos.
Los miembros de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas siguen sin representar la composición demográfica del país, a pesar de sus esfuerzos por contratar a más mujeres y minorías. Y algunos observadores de la industria se preguntan si los premios de la Academia siguen siendo relevantes, ya que su audiencia ha bajado en los últimos años. Algunos dicen que esto se debe a que los premios no celebran las películas que la mayoría de la gente va a ver. Entre las películas nominadas a la mejor película este año, sólo Black Panther estuvo entre las 10 más taquilleras.
Pero los conocedores de la industria no prevén que Hollywood abandone el género de los superhéroes a corto plazo.
No sólo no ha habido la fatiga de los superhéroes, entre comillas, de la que la gente me ha estado preguntando desde años antes de Iron Man, sino que “aquí estamos teniendo nuestro mayor año”, dijo el presidente de Marvel Studios, a la prensa. “Nuestros instintos siempre nos han guiado, y los éxitos siempre nos han animado a seguir siguiendo esos instintos”. Sin embargo, en 2022, Disney, dueña de Marvel, arrastraba unas grandes pérdidas.
Datos verificados por: Dewey y ST
Ejemplo de Distribución en la Industria Cinematográfica: Canadá
Las empresas estadounidenses dominan la distribución de películas en Canadá. Controlan el acceso a las pantallas canadienses desde los años veinte (véase también Historia del cine canadiense).
Los primeros tiempos: las juntas cinematográficas gubernamentales
En los primeros años de la industria cinematográfica, la regulación del sector en Canadá se dejó a la iniciativa de las provincias. Éstas establecían sus propias normas de contenido, distribución y exhibición. A principios del siglo XX, varias provincias decidieron ir más allá creando organizaciones cinematográficas. Estas organizaciones producían películas para estimular el turismo y atraer inmigrantes.
En 1917, Ontario creó la Ontario Motion Picture Bureau (OMPB), una de las organizaciones provinciales con más éxito. Fue también la primera organización cinematográfica pública del mundo. La OMPB se dedica a producir películas y a coordinar su contenido y distribución. Su primer director fue S.C. Johnson. Sus películas, que en 1925 llegaban a producir hasta 1.500 bobinas al mes, se distribuían para su proyección en centros educativos, instituciones religiosas y organismos públicos. Sin embargo, la OMPB se vio superada por los avances tecnológicos de la industria cinematográfica. A finales de los años veinte, su estructura de distribución era cada vez más ineficaz e irrelevante. En plena Gran Depresión, la OMPB sufrió recortes presupuestarios. Cerró oficialmente sus puertas en octubre de 1943. En septiembre de 1918, el gobierno federal creó la Oficina de Exhibición y Publicidad. Esta organización se encargaba de producir películas para promover el comercio y la industria canadienses. Fue la primera organización nacional de producción cinematográfica del mundo.
El 1 de abril de 1923, pasó a llamarse Oficina Cinematográfica del Gobierno Canadiense (CGMPB). Produjo cortometrajes informativos, como la serie Seeing Canada, que se distribuyeron tanto en el país como en el extranjero. En la década de 1920, la CGMPB era el mayor estudio de producción cinematográfica de Canadá. Sus producciones se distribuían en todos los países de la Commonwealth, así como en Europa, sobre todo en Francia y Bélgica, Estados Unidos, Japón y China. Las películas se distribuyen principalmente para su estreno en salas de cine. Sin embargo, algunas de sus películas también se proyectan en salas de cine.
El CGMPB gestiona una unidad de producción y una red de distribución a gran escala. Sin embargo, no pretende ampliar sus actividades con vistas a crear una industria cinematográfica canadiense. Incluso desaconseja tal medida. En su lugar, defendía que Canadá debía formar parte de la industria cinematográfica estadounidense. Raymond Peck, su director de 1920 a 1927, mantuvo estrechos vínculos con Hollywood. No escatimó esfuerzos para traer a Canadá empresas cinematográficas e inversores estadounidenses. Al igual que la OMPB, fue incapaz de seguir el ritmo de los avances tecnológicos y no produjo ninguna película sonora hasta mediados de la década de 1930. Enfrentada a graves dificultades financieras debido a la Gran Depresión, la CGMPB ya no pudo permitirse sobrevivir y acabó siendo absorbida por la National Film Board (NFB) en 1941.
Integración vertical de la industria cinematográfica
La distribución fue el último de los tres sectores de la industria en desarrollarse. Sin embargo, pronto llegó a dominar la estructura económica de la industria. A principios de la década de 1920, las mayores distribuidoras estadounidenses adquirieron productoras y cadenas de cines. Estas adquisiciones crearon empresas integradas verticalmente, lo que permitió a las grandes dominar la industria cinematográfica estadounidense e internacional.
¿Por qué Canadá está tan integrado en el mercado nacional estadounidense?
El gobierno federal está haciendo poco para revitalizar, o incluso simplemente preservar, la industria canadiense del largometraje. De hecho, las empresas canadienses están empezando a estructurarse de acuerdo con el exitoso modelo sectorial estadounidense de integración vertical. Por ejemplo, a principios del siglo XX, la Allen Amusement Corporation obtuvo los derechos exclusivos de películas de productoras como Pathé, Independent Motion Pictures y, más tarde, Paramount Pictures. Como resultado, en 1920, la cadena de cines Allen se había convertido en la mayor de Canadá.
Sin embargo, en 1923, N.L. Nathanson, un estadounidense afincado en Canadá y propietario de Famous Players Canadian Corporation (FPCC), con sede en Toronto, compró los 53 cines Allen Theatres. Famous PLayers se convirtió así en el mayor propietario de cines de Canadá. Controlaba el mercado canadiense de exhibición. Más tarde, Adolf Zukor, jefe de Paramount Pictures, adquirió el control directo de Famous Players a través de un holding.
En 1924 se creó la Motion Picture Exhibitors and Distributors of Canada (MPEDC). Su mandato consistía en proteger los intereses de la industria cinematográfica estadounidense. También conocida como la “Organización Cooper” en honor a su presidente John Alexandra Cooper, recibe sus directrices y financiación de la Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA), que más tarde se convertiría en la Motion Picture Association of America (MPAA). La Organización Cooper garantiza la consolidación de las prácticas de la industria cinematográfica estadounidense en Canadá. Esto incluía métodos discriminatorios, como la exigencia de pagos por adelantado, destinados a sofocar el éxito de las cadenas canadienses independientes.
Los ingresos de taquilla canadienses se convirtieron rápidamente en parte del mercado “nacional” estadounidense. Las empresas extranjeras inundaron el sector canadiense de distribución y exhibición. Los grandes estudios de Hollywood adquirieron el control directo de las dos mayores cadenas de cines del país, Famous Players y Odeon (ahora fusionadas como Cineplex Entertainment). Esto aseguró un flujo constante de películas de Hollywood a los cines canadienses.
En 1923, Canadá ya no tenía una industria cinematográfica propia viable. En 1930, las distribuidoras cinematográficas estadounidenses controlaban casi el 95% de la distribución de películas en Canadá.
Investigación sobre el monopolio americano
En septiembre de 1930, la Ley Federal de Investigación de Combinados puso en marcha una investigación sobre el monopolio estadounidense de la industria cinematográfica en Canadá. El Primer Ministro R.B. Bennett nombró a Peter White para que investigara más de un centenar de quejas sobre empresas cinematográficas de propiedad estadounidense en Canadá. El informe de Peter White concluyó que la colusión de Famous Players era “perjudicial para el interés público”.
Las provincias de Ontario, Saskatchewan, Alberta y Columbia Británica llevaron a la FPCC y a la Asociación Canadiense de Distribuidores Cinematográficos ante los tribunales de Ontario. Tras un largo juicio, la FPCC y los demás acusados fueron declarados inocentes de tres cargos de “conspiración y colusión”. En 1940, la Cooper Organization se reestructuró. Eliminó a todos los exhibidores y se convirtió en la Asociación Canadiense de Distribuidores Cinematográficos. En la actualidad, sigue representando los intereses de los distribuidores estadounidenses y canadienses en Canadá bajo el nombre de Motion Picture Association – Canada (MPA-Canadá).
Creación de la MPEAA
En 1946, la MPAA creó la Motion Picture Export Association of America (MPEAA), más tarde rebautizada como Motion Picture Association (MPA), para promover las producciones de Hollywood. Los modelos de integración vertical fueron desmantelados en 1948 en virtud de la legislación antimonopolio estadounidense. Pero su principio básico persistió. La producción de Hollywood sigue estando, en su mayor parte, controlada y generalmente financiada por estas majors. La integración vertical y la producción controlada por los distribuidores siguen repercutiendo en la sostenibilidad de la industria cinematográfica canadiense.
Junta Cinematográfica Nacional
La National Film Board of Canada (NFB) fue creada el 2 de mayo de 1939 en virtud de la Ley del Cine. Su mandato es producir y distribuir películas canadienses que ayuden a los canadienses a conocer mejor su país. En un principio se creó como comisión asesora de la Oficina Cinematográfica del Gobierno canadiense. Pero la NFB pasó a dedicarse a la producción cinematográfica durante la Segunda Guerra Mundial. Absorbió a la Oficina Cinematográfica Gubernamental en 1941.
Bajo la dirección del pionero del cine John Grierson, la NFB desarrolló el sistema de distribución establecido por la CGMPB. Centralizó la cadena de distribución con el fin de llegar al mayor número posible de espectadores. John Grierson estaba especialmente interesado en las posibilidades de distribución de las películas del NFB. Negocia un acuerdo de distribución para proyectar cortos del NFB en EE.UU. como parte de la serie de noticiarios The March of Times, y firma un acuerdo similar para Sudamérica. En otro acuerdo, Famous Players Canada distribuye las producciones del NFB en cientos de cines de todo el país. El NFB también distribuye sus películas a través de las embajadas y consulados canadienses.
El principal canal de distribución nacional de las películas del NFB es el sistema “fuera del cine”. Este sistema fue creado por la CGMPB. Este sistema de circuitos permite distribuir las películas a través de contactos rurales, industriales y sindicales. Esto condujo a la creación de filmotecas. Después de la guerra, éstas se convirtieron en el centro del sistema de distribución de la NFB.
Proyecto de cooperación canadiense: 1948-1958
El NFB provocó rápidamente la ira de la industria cinematográfica estadounidense, que se esforzó por proteger su control sobre la distribución de películas en Canadá. En 1948, el gobierno canadiense anunció el Proyecto de Cooperación Canadiense (CPP), un acuerdo firmado con los estudios estadounidenses. Los estudios se comprometieron a aumentar la presencia canadiense en sus películas y a distribuir un mayor número de películas canadienses en Estados Unidos. Pero este compromiso está condicionado a que sigan teniendo acceso sin restricciones y libre de impuestos a los cines canadienses. El nuevo comisionado del NFB, Ross McLean, cree que el MPEAA simplemente intenta impedir que el gobierno canadiense introduzca cuotas cinematográficas, que actualmente se debaten en el Parlamento. Ross McLean también cree que un determinado porcentaje de los beneficios del MPEAA debería reinvertirse en la industria cinematográfica canadiense.
El MPEAA afirma que el NFB utiliza fondos públicos para competir con empresas privadas. También se acusa al NFB de ser demasiado izquierdista porque emplea a supuestos simpatizantes comunistas. Estas críticas fueron especialmente contundentes al inicio de la Guerra Fría. Sin embargo, el NFB sobrevivió a los esfuerzos del MPEAA y a varios periodos de vacas flacas debidos a los recortes de la inversión gubernamental. Para muchos canadienses, el NFB representaba un sistema alternativo de producción y distribución cinematográfica en Canadá.
El informe Bassett: 1973
Los cineastas canadienses llevaban luchando para proteger la industria cinematográfica desde los años de la posguerra. La Canadian Film Development Corporation (CFDC), creada en 1967 y reestructurada como Telefilm Canada en 1984, veía la industria cinematográfica como un imperativo cultural. Otras agencias gubernamentales adoptaron el mismo enfoque. Pretendían desafiar el control estadounidense sobre la distribución y la exhibición.
A principios de la década de 1970, la SDICC se vio sometida a la presión pública para aumentar la visibilidad de sus películas. Se propusieron varios enfoques. Uno consistía en regular el mercado para garantizar una mayor distribución y exhibición de las películas canadienses. El otro, emplear talentos extranjeros junto a los locales. El ejecutivo de la radiodifusión John Basset fue designado para estudiar la industria cinematográfica canadiense. El informe Basset concluía: “Existen las bases para una industria cinematográfica nacional. Es al público al que hay que animar y educar a través del cine canadiense. La mejor manera de conseguirlo es mediante un sistema de cuotas”.
En 1973, un grupo llamado Consejo de Cineastas Canadienses animó al gobierno de Ontario a seguir las recomendaciones del Informe Bassett. En lugar de ello, en 1975, el Secretario de Estado Hugh Faulkner negoció un acuerdo voluntario de cuotas con las cadenas de cines Famous Players y Odeon. Éstas debían dedicar un mínimo de cuatro semanas al año por cine a películas canadienses. También debían invertir un mínimo de 1,7 millones de dólares en la producción de películas. Estas cuotas rara vez se respetan. Al cabo de dos años, prácticamente han desaparecido.
Ley de Cine de Quebec, 1983
En la década de 1980, los gobiernos intentaron utilizar la legislación para combatir el control estadounidense. El objetivo era también intentar mantener en Canadá los beneficios de la distribución y exhibición de películas canadienses. En 1983, la provincia de Quebec aprobó la Ley del Cine de Quebec. Esta ley obligaba a los distribuidores que no estuvieran ya operando en Quebec antes de diciembre de 1982 a establecerse en la provincia para obtener una licencia. También se exige a todos los distribuidores de Quebec que reinviertan un mínimo del 10% de sus ingresos en producciones cinematográficas creadas en la provincia.
La Motion Picture Association of America (MPAA) teme que esta legislación proteccionista siente un precedente. Amenaza con retirar sus películas de las pantallas de la provincia. En respuesta, el gobierno de Quebec aplaza la cláusula de reinversión a futuras negociaciones. Los miembros de la MPAA que ya operan en Quebec, incluidos los grandes estudios de Hollywood, gozan de un estatus especial en virtud de la ley. Sus derechos están esencialmente protegidos. Pero los distribuidores canadienses se ven gravemente afectados por el requisito del “centro de actividad principal”. Las empresas canadienses cuyo centro de actividad principal no se encuentre en Quebec ya no podrán hacer negocios en la provincia sin una licencia. Esto significa que, para acceder a las pantallas de Quebec, deben subcontratar la distribución a una empresa con sede en la provincia.
Proyecto de ley de 1988 sobre la importación de productos cinematográficos
El gobierno federal decidió seguir el ejemplo de Quebec y tomó medidas para resolver los problemas a los que se enfrentaban las empresas de distribución canadienses. La nueva propuesta fue presentada en 1987 por la ministra de Comunicaciones, Flora MacDonald. Se autorizó a los grandes estudios de Hollywood a distribuir en Canadá cualquier película de la que tuvieran los derechos mundiales. También podrán distribuir películas en cuya producción hayan participado parcialmente. Se permite a las empresas canadienses pujar por los derechos de distribución de películas independientes.
Estas propuestas encontraron una fuerte oposición. La MPAA generó un intenso cabildeo en Ottawa y Washington. Cuando se presentó el proyecto de ley de importación de películas (proyecto de ley 109) en junio de 1988, las propuestas originales ya se habían suavizado considerablemente. Durante las negociaciones posteriores sobre el libre comercio, el gobierno federal aceptó abandonarlas. El proyecto de ley fue entonces archivado.
En 1988, se introdujo la Política canadiense de inversión extranjera en el sector de la distribución cinematográfica. Basándose en el proyecto de ley 109, Canadá se estableció como un mercado de distribución cinematográfica independiente y diferenciado. Esta política prohíbe la adquisición de empresas de distribución canadienses. Las distribuidoras canadienses pueden ser adquiridas por empresas extranjeras, pero el nuevo propietario debe reinvertir una parte de las ganancias obtenidas en Canadá en las industrias culturales canadienses. Sin embargo, las empresas de distribución de Canadá anteriores a febrero de 1987 están exentas de esta política. Esto incluye a las grandes productoras de Hollywood, así que todo sigue igual.
Conglomerados estadounidenses
En 2016, había seis empresas de distribución cinematográfica de propiedad extranjera en Canadá: Walt Disney Studios Motion Pictures, Paramount Pictures Corporation, Sony Pictures Entertainment Inc, Twentieth Century Fox Film Corporation, Universal City Studios LLC y Warner Bros. Entertainment Inc. Todas son miembros de la Motion Picture Association – Canada. Este nuevo nombre se adoptó en 2011 y sustituye al de Canadian Motion Picture Distributors Association (CMPDA). Este grupo se describe a sí mismo como “la voz y el defensor de los principales productores y distribuidores internacionales de cine, entretenimiento doméstico y televisión en Canadá”. Su nuevo nombre se ha elegido para posicionarla más estrechamente como filial de la Motion Pictures Association of America (MPAA).
En los últimos años, los grandes estudios de Hollywood han hecho caso omiso de la política de 1988. Cada vez distribuyen más películas independientes de bajo presupuesto. Las organizaciones comerciales instan al gobierno a interesarse más por la lucha del sector de la distribución contra la invasión de las empresas estadounidenses. Entre estos grupos comerciales se encuentra la Asociación Canadiense de Distribuidores y Exportadores Cinematográficos (CAFDE, creada en 1991), sin ánimo de lucro. Parte de este empuje incluye presionar a los gobiernos para que cambien la definición de distribución para incluir las nuevas plataformas digitales. También se pide que se optimicen las estrategias de financiación de la impresión y la publicidad, gastos clave en la distribución de películas. El objetivo es animar a los distribuidores a reinvertir en la comercialización y producción de largometrajes canadienses.
Distribuidores canadienses independientes
Los distribuidores canadienses independientes carecen de acceso a las dos cadenas nacionales de salas de cine y a las grandes películas de Hollywood. Centran sus esfuerzos en la comercialización y exhibición de producciones independientes de bajo presupuesto y películas de arte y ensayo. También son los principales distribuidores de películas canadienses. Muchas de ellas eran miembros de la desaparecida Asociación de Distribuidores Cinematográficos Independientes y de Propiedad Canadiense, que funcionó de 1977 a 2015, y de la CMPDA.
Muchas empresas canadienses de entretenimiento siguen el modelo de integración vertical. Entre ellas se encuentran empresas como eOne Entertainment, Alliance Communications (más tarde Alliance Atlantis y ahora Alliance Films), Cinépix (ahora Lions Gate) y Astral Bellevue Pathé (ahora Astral Media). Financian producciones televisivas o venden sus películas a canales de televisión especializados. Otras distribuidoras independientes canadienses son Mongrel Media, fundada en 1994, y Ron Mann’s Films We Like, fundada en 2003. Mongrel Media es el distribuidor canadiense exclusivo de Sony Pictures Classics.
Los ingresos de las películas distribuidas por empresas canadienses representan una cuota mínima del mercado. En 2011, las empresas canadienses fueron responsables de más del 76% de todas las películas distribuidas en Canadá. Sin embargo, ese mismo año, las distribuidoras controladas por empresas extranjeras recibieron el 77% de los ingresos de taquilla. Es más, cuando los derechos canadienses se venden internacionalmente, los ingresos se suelen agrupar con los de EE.UU. para el mercado norteamericano y se negocian en dólares estadounidenses.
En 2015, las diez películas más taquilleras en Canadá fueron exclusivamente estadounidenses. La parte de Canadá en los beneficios de Hollywood fue de 988 millones de dólares. La situación de la distribución de películas en Canadá sigue siendo motivo de preocupación para la industria y el gobierno. La revisión más reciente de esta cuestión tuvo lugar en el Parlamento en junio de 2015. Dado que el poder de la industria cinematográfica está consolidado en la distribución, este sector ha adquirido un poder considerable sobre la elección de las películas que llegan a la pantalla.
Revisor de hechos: Can
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Estudios Cinematográficos, Industrias Creativas, Productos Culturales, Artes, Artes Visuales, Documentación, Industria de la comunicación
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