La Historia de la Industria Cinematográfica

Este elemento es una expansión del contenido de los cursos y guías de Lawi. Ofrece hechos, comentarios y análisis sobre la Historia de la Industria Cinematográfica. Nota: para información complementaria, se puede consultar la Historia Económica de la Industria Cinematográfica Mundial. [aioseo_breadcrumbs]

Historia de la Industria del Cine

Los primeros días

Los esfuerzos por crear películas en Estados Unidos comenzaron a finales del siglo XIX, cuando las películas se proyectaban normalmente en carnavales y espectáculos de vodevil y variedades. El primer cine permanente del mundo, el Edisonia Vitascope Hall, se inauguró el 19 de octubre de 1896 en Buffalo (Nueva York) y en él se proyectaban películas mudas en blanco y negro. La primera película sonora, The Jazz Singer, se estrenó en 1927.

Ese mismo año se fundó la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, con el actor Douglas Fairbanks como presidente. La organización creó los Premios de la Academia, cuyos primeros galardones se entregaron en 1929.

Los empresarios se interesaron por la industria cinematográfica y empezaron a agrupar todos los aspectos de la producción, formando estudios.

Detalles

Las estrellas firmaban contratos a largo plazo con un estudio concreto.

Los estudios pronto se integraron verticalmente: Controlaban no sólo la producción de películas, sino también la comercialización, la distribución y la exhibición. Cinco grandes estudios, conocidos como los Cinco Grandes -Warner Bros. Pictures, Paramount Pictures, RKO Pictures, Metro-Goldwyn-Mayer y 20th Century Fox- dominaban la industria e incluso poseían sus propias cadenas de cines, a menudo con enormes y ornamentados palacios de cine. Los tres estudios que no tenían cines propios -Columbia, Universal y United Artists- se denominaban los tres pequeños.

Los Cinco Grandes exigían “reservas en bloque” de películas, lo que significaba que los propietarios de los cines tenían que alquilar un bloque de películas de la lista B, normalmente menos deseables, para poder proyectar las películas de la lista A que realmente querían.

Puntualización

Sin embargo, el sistema de los estudios comenzó a resquebrajarse a finales de la década de 1930, cuando los productores empezaron a separarse de los estudios para hacerse independientes.

Entonces, en 1938, el Departamento de Justicia de EE.UU. (DOJ) presentó una demanda antimonopolio contra las ocho compañías cinematográficas, y un tribunal de distrito dictaminó que las compañías habían participado en una conspiración para fijar los precios del cine y monopolizar la industria. El Tribunal Supremo de EE.UU. confirmó estas conclusiones en el caso Estados Unidos contra Paramount en 1948.

Detalles

Los acusados firmaron acuerdos de consentimiento con el Departamento de Justicia que se conocieron como los Decretos de la Paramount.

Entre otras cosas, los decretos exigían a las cinco empresas propietarias de sus cines que se desprendieran de sus cines o de sus operaciones de distribución, y se prohibía a esas empresas distribuir películas o ser propietarias de cines sin la aprobación del tribunal.

Informaciones

Los decretos también prohibían cosas como la reserva en bloque de películas y el establecimiento de precios mínimos para las entradas de cine.

Los decretos de la Paramount “hicieron que el negocio del cine entrara en una espiral descendente durante un tiempo”, dice Piturro, de la Universidad Estatal Metropolitana de Denver, y añade que, cuando la televisión empezó a entrar en los hogares estadounidenses en los años 50 y 60, muchos empezaron a pensar que “el negocio del cine iba a desaparecer”.

El auge de la competencia

La televisión creció en popularidad después de que la NBC pusiera en marcha la primera cadena de televisión a nivel nacional en 1951. Una vez que los estadounidenses empezaron a comprar televisores y a ver la televisión de forma gratuita en sus hogares, la asistencia al cine empezó a disminuir, y los estudios prohibieron que sus películas y estrellas aparecieran en la televisión.

Pero, con el tiempo, los estudios empezaron a ver las ventajas de la televisión y comenzaron a producir más horas de película para la televisión que para las salas de cine. Los estudios también empezaron a vender los derechos a las cadenas de televisión para proyectar películas antiguas en sus canales.Entre las Líneas En 1956, El mago de Oz, realizada por Metro-Goldwyn-Mayer, se convirtió en el primer largometraje emitido en horario de máxima audiencia. Ese mismo año, los estudios pusieron fin a la prohibición de que las estrellas de cine aparecieran en la televisión.

A medida que la televisión ganaba en popularidad, la producción de películas en Estados Unidos se redujo a 250 películas al año en 1959, lo que supuso un descenso del 50 por ciento en sólo una década. Mientras tanto, la asistencia semanal al cine cayó a 42 millones, la mitad que en 1948.Entre las Líneas En 1963, las empresas estadounidenses sólo estrenaron 121 largometrajes, el número más bajo en 50 años.

La Motion Picture Producers and Distributors of America, predecesora de la MPAA, había creado en 1930 el Código de Producción Cinematográfica, o Código Hays, como se llamaba comúnmente, en honor al presidente de la organización, Will H. Hays. El código defendía las normas morales tras una serie de escándalos y quejas de Hollywood sobre el comportamiento lascivo en la pantalla. El grupo comenzó a aplicar el código en 1934, y algunos dijeron que perjudicaba a las películas estadounidenses porque no se aplicaba a las películas extranjeras proyectadas en Estados Unidos.

Según las restricciones, el crimen y el comportamiento inmoral nunca podían representarse de forma positiva, y las películas tenían que mostrar el cumplimiento de la ley. El comportamiento sexual manifiesto no podía mostrarse, ni tampoco temas como la homosexualidad y el matrimonio interracial.

En 1967 el código, considerado anticuado y restrictivo, fue abolido, y al año siguiente la MPAA desarrolló un nuevo sistema de clasificación de películas diseñado para fomentar la libertad artística y ayudar a Hollywood a competir con las películas extranjeras.

Hollywood comenzó a florecer, con la llegada de éxitos de taquilla veraniegos como Tiburón, en 1975, y La guerra de las galaxias, en 1977, las primeras películas que recaudaron más de 100 millones de dólares en taquilla. La guerra de las galaxias también abrió camino con el uso de nuevos tipos de efectos especiales.

Las películas de La guerra de las galaxias y Star Trek fueron las primeras en adoptar la imagen generada por ordenador (CGI), que utiliza los ordenadores para crear digitalmente la animación y los efectos especiales, pero El joven Sherlock Holmes, de 1985, fue la primera en utilizar un personaje realista animado por CGI. La película de Disney Toy Story, de 1995, fue el primer largometraje de animación creado con CGI.

El crecimiento de los multicines de las afueras impulsó la tendencia de los éxitos de taquilla en verano, ya que los espectadores acudían a refrescarse en el aire acondicionado.

A partir de la década de 1980, las secuelas empezaron a ganar adeptos, dando lugar a películas con héroes de acción, como la Jungla de Cristal, Rambo e Indiana Jones. El estreno de Titanic en 1997 batió récords de taquilla nacional y mundial, recaudando 600 millones de dólares en Estados Unidos y 1.800 millones en todo el mundo. También ganó 11 Oscars, incluido el de mejor película.

A medida que los altos salarios, los costosos efectos especiales CGI y las grandes campañas de marketing aumentaban los costes en la década de 1990, las películas tendían a ser vistas como espectáculos.

La década de 2000 también estuvo marcada por los grandes presupuestos cinematográficos y los grandes ingresos en taquilla, con multitud de franquicias y secuelas, a menudo basadas en superhéroes de cómic o novelas, como Harry Potter.Entre las Líneas En un movimiento que resultó muy lucrativo, Walt Disney Co. compró Marvel Entertainment en 2009 por unos 4.000 millones de dólares.

Amenazas en casa

Una nueva amenaza para los estudios llegó de la mano de la televisión por cable, que creó el canal premium Home Box Office (HBO) en 1972. Tres años más tarde, HBO se convirtió en el primer canal de la industria de la televisión en transmitir la programación vía satélite, lo que dio lugar a más redes de cable premium, como Showtime y Cinemax.

Las primeras versiones de los grabadores de vídeo doméstico se introdujeron en los años 60 y principios de los 70.Entre las Líneas En 1976, Paramount se convirtió en el primer estudio en autorizar la copia de su biblioteca de películas en cintas de vídeo. Al año siguiente se abrió en Los Ángeles el primer videoclub de alquiler, Video Station. Estos avances crearon nuevas fuentes de ingresos para los estudios cinematográficos, y a finales de los años ochenta los ingresos procedentes del alquiler de vídeos duplicaban a los de la taquilla.

El DVD empezó a sustituir a las cintas de vídeo a finales de la década de 1990. El primer videoclub Blockbuster abrió en Dallas en 1985, y la cadena llegó a tener 9.000 tiendas en todo el mundo en 2004.Si, Pero: Pero en 1997 se fundó Netflix, que empezó a ofrecer alquiler de DVD de películas, pedidas por Internet y entregadas por correo. Dos años después, ofrecía a los suscriptores alquileres mensuales ilimitados de DVD.Entre las Líneas En 2007, la empresa comenzó a ofrecer streaming.76 Blockbuster se declaró en bancarrota, o insolvencia, en derecho (véase qué es, su concepto jurídico; y también su definición como “insolvency” o su significado como “bankruptcy”, en inglés) en 2010 y desde entonces ha cerrado todas las tiendas excepto la de Bend, Ore.

Mientras tanto, Amazon, cuyo fundador Jeff Bezos había lanzado una librería online desde su garaje en 1994, comenzó a vender DVDs de películas.Entre las Líneas En 2005, Amazon puso en marcha un programa de fidelización, llamado Amazon Prime, que en 2011 ofrecía acceso gratuito en línea a más de 5.000 películas y programas de televisión.

La venta de DVD empezó a decaer a principios de la década de 2010, lo que dio lugar a un cambio hacia el vídeo a la carta, que utiliza Internet para ofrecer películas, normalmente unos tres meses después de su estreno en los cines.Entre las Líneas En 2011, varios estudios se asociaron con DirecTV para crear el vídeo premium a la carta, que permitía a los abonados ver las películas dos meses después de su estreno en el cine.

Los estudios también empezaron a lanzar contenidos a través de los servicios de streaming, y los ingresos del entretenimiento doméstico empezaron a aumentar. Entonces los servicios de streaming empezaron a producir sus propios contenidos, compitiendo directamente con los estudios. Netflix empezó a crear programación original en 2013. Incluyó las series de televisión “Orange is the New Black” y “House of Cards”.Entre las Líneas En 2015, Netflix estrenó su primer largometraje original, “Beasts of No Nation”, sobre niños soldados en África, una de las ocho películas estrenadas por Netflix ese año. La compañía estrenó más de dos docenas tanto en 2016 como en 2017.

En 2014, Netflix fue nominado a su primer Óscar, al mejor documental, por The Square, sobre el levantamiento de la Primavera Árabe en Egipto. La compañía ganó su primer Óscar en 2017, al mejor documental de tema corto, por The White Helmets, sobre los trabajadores de rescate que salvan a civiles durante la guerra civil de Siria.

Por su parte, Amazon, que fundó una productora cinematográfica en 2010, estrenó su primer programa de televisión, “Alpha House”, en 2014. Dos de sus primeros programas de televisión, “Transparent” y “Mozart in the Jungle”, recibieron muchos elogios. Netflix y Amazon empezaron a cambiar el paradigma fundamental de cómo se debe producir, comercializar y fijar el precio de los contenidos.

Cuando Manchester by the Sea, de Amazon, recibió seis nominaciones a los premios de la Academia en 2017, incluida la de mejor película, fue algo “sísmico”, que representó un momento de disrupción para la industria cinematográfica. Conseguir premios da credibilidad en términos de negocio. Estas grandes empresas están tomando decisiones creativas que son aventuradas.Entre las Líneas En virtud de ello, atraen a cineastas, guionistas y estrellas de cine que, por lo general, no hacen televisión.

Inequidad y diversidad

Los grupos raciales y étnicos llevan mucho tiempo protestando contra su representación en Hollywood y reclamando un mayor papel en la toma de decisiones de los estudios. La película de 1915, “El nacimiento de una nación”, de D. W. Griffith, el primer largometraje, utilizaba actores blancos vestidos de negro y presentaba a los miembros del Ku Klux Klan como héroes.

En los primeros tiempos de Hollywood, los afroamericanos formaron sus propias compañías de producción y crearon sus propias películas para proyectarlas en cines segregados. Mientras tanto, las mujeres escribieron, produjeron, dirigieron y editaron películas y lanzaron sus propios estudios.Si, Pero: Pero en la década de 1920, cuando el cine sonoro sustituyó al cine mudo y ganó en popularidad, las mujeres se vieron apartadas de los puestos de productoras, directoras y de otras funciones fuera de la pantalla, y se les animó a aceptar papeles en la pantalla, normalmente como diosas del sexo o mujeres de carrera. Había pocos papeles en la pantalla para las minorías.

Las minorías han estado muy poco representadas en los premios de la Academia a lo largo de su historia. Sólo 16 afroamericanos han ganado el Oscar de interpretación. La primera fue Hattie McDaniel, que ganó por Lo que el viento se llevó en 1940. Los más recientes fueron en 2017, cuando Viola Davis ganó como mejor actriz de reparto por Fences y Mahershala Ali como mejor actor de reparto por Moonlight. También fue el primer actor musulmán en ganar un premio de la Academia. Solo cinco hispanos y dos asiático-americanos han ganado premios de la Academia por actuación. Sólo cinco mujeres han sido nominadas a la mejor dirección, siendo Kathryn Bigelow la única ganadora, por The Hurt Locker en 2010.

Las mujeres también están por detrás de los hombres en lo que respecta a la remuneración.Entre las Líneas En 2014, Sony Pictures fue pirateada por un grupo llamado Guardianes de la Paz -que posteriormente estuvo vinculado a un ciudadano norcoreano-, lo que reveló unas diferencias salariales impresionantes entre hombres y mujeres en la empresa. Por ejemplo, de los 17 empleados de Sony que ganaban más de un millón de dólares al año, solo uno era mujer.

El desequilibrio de poder entre hombres y mujeres sacudió a Hollywood y al país en 2017, cuando The New York Times publicó el primer artículo que revelaba las acusaciones contra Weinstein de agresión y acoso sexual.

Pormenores

Las acusaciones se remontan a casi tres décadas, y el Times descubrió que Weinstein había llegado a acuerdos con al menos ocho acusadores.

Weinstein dijo al Times en una declaración: “Soy consciente de que la forma en que me he comportado con mis colegas en el pasado ha causado mucho dolor, y me disculpo sinceramente por ello”. Weinstein ha negado las acusaciones de agresión sexual.

A finales de 2018, casi 430 personas prominentes habían sido acusadas de conducta sexual inapropiada, según Bloomberg, incluyendo casi 100 personas de la industria del entretenimiento, como el actor Kevin Spacey y el director de Bohemian Rhapsody, Bryan Singer.

El movimiento Time’s Up, surgido a raíz de las revelaciones del #MeToo, ha recaudado millones de dólares para un fondo legal destinado a defender a las mujeres que han sufrido agresiones sexuales, acoso o desigualdad en el lugar de trabajo.

Pero las desigualdades salariales entre actores y actrices se mantienen. Por ejemplo, USA Today informó en enero de 2018 que el actor Mark Wahlberg ganó 1,5 millones de dólares por hacer los reshoots de la película All the Money in the World mientras que la coprotagonista Michelle Williams ganó menos de 1.000 dólares. Tras una protesta pública, Wahlberg aceptó donar su parte a Time’s Up.

Para mejorar la seguridad en el lugar de trabajo, el Screen Actors Guild estableció el pasado mes de abril unas directrices en las que se exhorta a los ejecutivos de los estudios a no celebrar reuniones profesionales en casas o habitaciones de hotel. El sector cinematográfico también está trabajando para establecer un sistema de denuncia de acoso y agresión sexual en toda la industria.

Mientras tanto, la ganadora del Oscar Frances McDormand aprovechó su discurso de aceptación del Oscar 2018 a la mejor actriz para instar a los actores a exigir cláusulas de inclusión en sus contratos para garantizar la diversidad del reparto y el equipo. El actor Jordan dijo inmediatamente que su empresa Outlier Society adoptaría tales cláusulas.Entre las Líneas En septiembre, Warner Bros. se convirtió en el primer gran estudio de Hollywood en anunciar que se comprometería con una política de diversidad en la producción.

“Además, seguiremos trabajando con las productoras, las cadenas, los gremios, los sindicatos, las agencias de talentos y otros para ayudar a garantizar que los contenidos que creamos reflejen el mundo que nos rodea”, dijo Kevin Tsujihara, presidente y director general de Warner Bros.

Cuestiones de streaming

Las empresas de streaming están ganando adeptos en un lugar dominado durante mucho tiempo por los estudios cinematográficos tradicionales: los programas de premios de Hollywood.Entre las Líneas En enero de 2019, Roma, de Netflix, no sólo recibió 10 nominaciones a los Oscar, sino que también ganó los Globos de Oro al mejor director y a la mejor película en lengua extranjera.

La película se estrenó el 21 de noviembre de 2018 en cines seleccionados de Estados Unidos y México, siendo la primera vez que Netflix estrenaba una de sus películas en cines antes de ponerla a disposición de los usuarios en Internet. Tras agotarse las entradas, la película se estrenó en cientos de cines más de Estados Unidos y del resto del mundo.Entre las Líneas En diciembre de 2018, Netflix empezó a emitirla en streaming.

Pero muchas cadenas de cines se negaron a proyectar la película porque Netflix iba en contra de la práctica tradicional de esperar 90 días después del estreno de una película antes de ponerla a disposición del público. Los propietarios de las salas de cine afirman que este plazo más corto desanima a los consumidores a ir al cine.

“Siguen siendo unos intrusos y todavía no forman parte de nuestra industria en este momento”, dijo Phil Zacheretti, director ejecutivo de Phoenix Theatres Entertainment, en Knoxville, Tennessee, sobre Netflix. “Todos los exhibidores deberían luchar contra ello. Deberíamos trabajar con ellos, pero… en términos aceptables para la comunidad de exhibidores”.

El director de contenidos de Netflix, ha dicho que estrenar películas tanto en las salas de cine como a través del streaming ofrece a los consumidores más opciones. “No estamos a favor del cine, no estamos en contra del cine: estamos a favor del consumidor. Intentamos conectar a la gente con las películas de una manera grande y significativa”.

Al ganar los Oscar, Netflix podría atraer a más cineastas a su redil, especialmente a los que quieren hacer películas de presupuesto medio y orientadas a los adultos. Son las personas que dan un paso adelante y se gastan el dinero en películas que no son de cómics de Marvel o de grandes franquicias de acción y ese tipo de cosas.

Se esperaba que Netflix gastara hasta 8.000 millones de dólares en contenidos en 2018, y que cerca del 85% se destinara a películas originales, programas de televisión y otras producciones102.

En enero de 2019, Netflix anunció que subiría los precios de la suscripción estándar de 11 a 13 dólares al mes para que la empresa pudiera seguir invirtiendo en la producción de películas. También anunció que 45 millones de suscriptores vieron su nuevo thriller, Bird Box, entre el 21 y el 27 de diciembre de 2018, el mayor número de espectadores en la primera semana de cualquiera de sus películas.

Es probablemente la prueba de lo que está delante de los directores de cine con lo que está ocurriendo en los servicios de cable y streaming.

Informaciones

Los directores quieren ir allí, porque son capaces de contar historias interesantes. Ahí es donde se están aprovechando las oportunidades. Ahí es donde está la acción ahora.

Incentivos Fiscales

En las dos últimas décadas, los gobiernos estatales y nacionales han ofrecido incentivos fiscales para atraer a las productoras a realizar películas o programas de televisión en sus países o estados. “Los incentivos son ahora una parte necesaria de la ecuación para intentar atraer proyectos cinematográficos”, dice Lee Thomas, comisionado adjunto de la Oficina de Cine, Música y Entretenimiento Digital del Departamento de Desarrollo Económico de Georgia.

Y hay mucho dinero en juego: El gasto total en la producción de las 100 principales películas superó los 7.500 millones de dólares en 2017 y apoyó decenas de miles de puestos de trabajo, según FilmL.A., la oficina de cine de la ciudad de Los Ángeles, que publica un informe anual sobre la producción cinematográfica y los incentivos en todo el mundo.

Pero el atractivo de las riquezas de Hollywood se ha desvanecido en algunos estados, como Wyoming, Virginia Occidental y Maryland, que han reducido o dejado de ofrecer esas exenciones fiscales después de que varios estudios descubrieran que los incentivos pueden costar a los contribuyentes más de lo que generan en beneficios económicos.

El centro de estudios conservador Tax Foundation de Washington, que se opone a estos incentivos, afirmó en un informe de 2010 que los estados utilizan “estimaciones fantasiosas de la actividad económica y los ingresos fiscales” y asumen “riesgos innecesarios con el dinero de los contribuyentes” para justificar la subvención de proyectos cinematográficos.

Otros Elementos

Además, los puestos de trabajo creados por los créditos se trasplantan en su mayoría desde otros estados o son temporales y animan a los trabajadores a obtener habilidades para las que “sólo son empleables mientras los políticos promulguen subvenciones cada vez mayores para la industria cinematográfica”, decía el informe.

Desde 2009, cuando 44 estados ofrecían créditos fiscales a las empresas cinematográficas, 13 han puesto fin a sus programas, según un informe de 2018 de la Conferencia Nacional de Legislaturas Estatales (NCSL). La Legislatura de Virginia Occidental, por ejemplo, eliminó los créditos fiscales de la industria cinematográfica de ese estado después de que el auditor legislativo emitiera un informe el año pasado citando el mínimo beneficio económico del programa para el estado. El Departamento de Ingresos de Massachusetts estimó que le costaba al estado 128.575 dólares en créditos fiscales por cada empleo cinematográfico creado para un residente de Massachusetts. Y los legisladores de Carolina del Norte redujeron los incentivos cinematográficos después de que un informe estatal descubriera que los 30 millones de dólares en incentivos fiscales habían dado lugar a la creación de sólo 55 a 70 puestos de trabajo en 2011.

Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):

A pesar de los estudios negativos, los funcionarios de Canadá, Georgia y el estado de Nueva York siguen siendo partidarios de los créditos a la producción cinematográfica. Canadá, que inició la competencia mundial (o global) por los dólares de Hollywood a finales de la década de 1990 ofreciendo importantes incentivos, se situó sistemáticamente entre los cinco primeros destinos para proyectos cinematográficos entre 2013 y 2017. Georgia, que también estuvo entre los cinco primeros durante ese periodo, proporcionó el año pasado casi el doble de créditos fiscales que el segundo estado de Nueva York, con 420 millones de dólares, mientras que California quedó en tercer lugar con 320 millones de dólares. California amplió su programa de incentivos en 2015 para competir mejor con otros lugares.

Mientras que la mayoría de los estados han limitado sus créditos fiscales para el cine, Georgia no lo hace, lo que lo hace atractivo para las empresas que ruedan películas de gran presupuesto. Durante el año fiscal 2018, que terminó el 30 de junio, Georgia proporcionó 800 millones de dólares en créditos, más que cualquier otro estado, acogiendo 455 producciones de televisión y cine para una variedad de empresas, incluyendo Disney, Marvel y Lionsgate, que según Thomas son “clientes habituales”. Y en 2014 los estudios británicos Pinewood abrieron Pinewood Atlanta en Fayetteville, Georgia, a las afueras de Atlanta, una instalación de 700 acres con 18 escenarios de sonido, que van desde 15.000 a 40.000 pies cuadrados.

En 2016, la Cámara de Representantes de Florida, dominada por los republicanos, dejó de asignar dinero para el programa después de un esfuerzo de cabildeo de cuatro años por parte de la rama de Florida de Americans for Prosperity, un grupo financiado por los hermanos libertarios multimillonarios David y Charles Koch, que se han opuesto a los incentivos dirigidos a industrias específicas.

“No es función del gobierno elegir a los ganadores y a los perdedores”, dijo Andrés Malave, director de comunicaciones de la sección de Florida. “La industria cinematográfica es una parte importante de la economía, pero el poder legislativo debería aplicar políticas que beneficien a las empresas en general”.

Los créditos fiscales para la industria cinematográfica se estructuran de forma diferente según el estado o el gobierno que los ofrezca.Entre las Líneas En Georgia, por ejemplo, una productora puede recibir un crédito fiscal de hasta el 30 por ciento del gasto en una producción si gasta al menos 500.000 dólares en el estado.

Los créditos fiscales de la industria cinematográfica difieren de los créditos fiscales convencionales, en los que un individuo puede utilizar un crédito para compensar los impuestos que debe. Dado que las empresas de producción no suelen tener su sede en el estado o país en el que producen una película, normalmente no deben pagar impuestos allí. Así que los créditos de la industria cinematográfica pueden adoptar una de las dos formas siguientes:

• En el caso de los créditos fiscales transferibles, una productora puede vender sus créditos no utilizados a otras empresas o personas adineradas que sí deben impuestos en la jurisdicción donde se realiza la película, normalmente a unos 90 céntimos por dólar.
• En el caso de los créditos fiscales reembolsables, la jurisdicción se limita a extender un cheque a la productora por el valor de los créditos, un acuerdo que suele estar justificado en función de los beneficios económicos previstos creados por la producción.

Pero los incentivos fiscales no bastan para atraer a las productoras de cine y televisión. Georgia también cuenta con instalaciones de estudio, iluminación, casting y otras empresas, el aeropuerto más concurrido del mundo, un clima templado y todo tipo de cosas, desde montañas hasta playas. “Podemos hacer que Georgia se parezca a casi todo”, dice un experto en la industria del cine, y añade que cada uno de los 159 condados del estado tiene una oficina designada para trabajar con la industria cinematográfica.

Datos verificados por: Dewey

La historia oral de Creative Artists Agency

El libro “Powerhouse”, la historia oral de Creative Artists Agency escrita por James Andrew Miller, relata el revolucionario papel que la mayor agencia de talentos de Hollywood ha desempeñado en el cine, la televisión, la música y el deporte durante las últimas cinco décadas, e incluye decenas de historias nunca antes contadas y el tipo de citas asombrosas que han convertido los dos libros anteriores de Miller en grandes éxitos de ventas.

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Este libro abarca cinco décadas de la historia de CAA y todas las facetas de la agencia, incluyendo cine, televisión, deportes, música, marketing y su relación con el gigante del capital privado TPG. Basado en cientos de entrevistas, entre ellas a los fundadores y actuales dirigentes de CAA, presidentes de estudios, jefes de cadenas, productores, directores, estrellas, músicos, deportistas y competidores de otras agencias, así como en una gran cantidad de reportajes de investigación sin precedentes, el libro entrará en detalles vívidos, personales y reveladores sobre el revolucionario papel que la mayor agencia de talentos de Hollywood ha desempeñado en la configuración de la industria moderna del entretenimiento. Se trata de un libro que golpeará Hollywood con fuerza de megatón y se convertirá en lectura obligada inmediata para cualquiera que ame el cine, la televisión, la música, los deportes y una historia de negocios sin tapujos.

Una asombrosa -y asombrosamente entretenida- historia de la transformación de Hollywood en las últimas cinco décadas vista a través de la agencia que está en el corazón de todo ello.

Las películas que ve, los programas de televisión que adora, los conciertos y acontecimientos deportivos a los que asiste… detrás del telón de casi todos ellos se encuentra una corporación inmensamente poderosa y secreta conocida como Creative Artists Agency. Creada en 1975, cuando cinco brillantes y descarados empleados de una chirriante oficina de William Morris se marcharon para abrir su propia agencia de talentos, sorprendentemente innovadora, CAA llegaría a revolucionar la industria del entretenimiento y, durante las siguientes décadas, sus tentáculos se extenderían agresivamente por los mundos del cine, la televisión, la música, la publicidad y la banca de inversión.

Powerhouse es la saga fascinante y sin tapujos de ese ascenso. Basándose en un acceso exclusivo y sin precedentes a los hombres y mujeres que construyeron y lucharon con CAA, así como en información financiera nunca antes hecha pública, James Andrew Miller hila una historia de ambición sin límites, egomanía despiadada, construcción incesante de un imperio, codicia y traición personal. También es una historia de brillantez profética, magnífico arte, genio singular, coraje empresarial, audacia estratégica, hermandad de trinchera y de cómo una empresa transformó por completo el negocio del entretenimiento.

He aquí la verdadera Guerra de las Galaxias -completada con una Estrella de la Muerte- contada a través de las voces de quienes estuvieron allí. Repleto de decenas de estrellas del cine, la televisión, la música y el deporte, así como de un elenco tremendamente convincente de agentes, ejecutivos de estudios, jefes de cadenas, comisionados de ligas, socios de capital riesgo, directores ejecutivos de empresas tecnológicas y magnates de los medios de comunicación, Powerhouse es en sí mismo una superproducción de Hollywood de lo más espectacular.

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Recursos

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Véase También

Estudios Cinematográficos, Industrias Creativas, Productos Culturales, Artes, Artes Visuales, Documentación, Industria de la comunicación

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