Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad
Este elemento es una ampliación de los cursos y guías de Lawi. Ofrece hechos, comentarios y análisis sobre este tema. [aioseo_breadcrumbs]
Patrimonio Cultural Inmaterial: Perspectiva Internacional
Aparte de las categorías de normas internacionales examinadas en otro lugar sobre los bienes culturales, muebles o inmuebles, pero invariablemente de carácter material, existe también un patrimonio intangible. Esta preferencia por el patrimonio material es el resultado de la opinión predominante en la cultura occidental de que la expresión de la creatividad humana debe tener un carácter construido, monumental y, en cualquier caso, tangible. Sin embargo, en otras culturas, sobre todo en Asia y África, el patrimonio cultural está representado en gran medida por tradiciones orales, prácticas, actuaciones y representaciones de carácter intangible. Para tener en cuenta este tipo de patrimonio, la UNESCO adoptó en 1989 la Recomendación sobre la Salvaguardia de la Cultura Tradicional y Popular. En la década siguiente, el creciente interés por el patrimonio inmaterial condujo a la puesta en marcha de otras dos iniciativas de la UNESCO: las Directrices sobre los Tesoros Vivos de la Humanidad de 1994, destinadas a estimular la legislación nacional para salvaguardar las habilidades, artes y oficios antiguos en peligro de desaparición; y el Programa de Proclamación de las Obras Maestras del Patrimonio Oral e Inmaterial de 1997, destinado a seleccionar formas y lugares de celebración de las tradiciones culturales de valor excepcional para la humanidad. Sobre la base de estos precedentes, y bajo el fuerte impulso del nuevo Director General de la UNESCO, K Matsuura -un diplomático japonés extremadamente sensible a la importancia del patrimonio inmaterial-, en el año 2000 se iniciaron las negociaciones para adoptar un nuevo instrumento normativo que tratara de la salvaguardia de las formas inmateriales de la creatividad humana. El nuevo instrumento se adoptó en forma de Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial, de carácter vinculante, por unanimidad de la Conferencia General de la UNESCO el 17 de octubre de 2003 (“Convención del Patrimonio Cultural Inmaterial”). Una de las características más importantes de esta convención es la definición exhaustiva del patrimonio inmaterial que ofrece el Art. 2, según la cual “se entiende por “patrimonio cultural inmaterial” los usos, representaciones, expresiones, conocimientos y técnicas -así como los instrumentos, objetos y espacios culturales que les son inherentes- que las comunidades, los grupos y, en algunos casos, los individuos reconozcan como parte integrante de su patrimonio cultural. Este patrimonio cultural inmaterial, transmitido de generación en generación, es recreado constantemente por las comunidades y grupos en respuesta a su entorno, su interacción con la naturaleza y su historia, y les proporciona un sentido de identidad y continuidad, promoviendo así el respeto por la diversidad cultural y la creatividad humana”. A efectos de la Convención del Patrimonio Cultural Inmaterial, sólo se concede protección al patrimonio inmaterial que sea compatible con los derechos humanos internacionales, el respeto mutuo y el desarrollo sostenible. La Convención del Patrimonio Cultural Inmaterial sigue el modelo de la Convención del Patrimonio Mundial con la creación de un Comité (Art. 5 Convención del Patrimonio Cultural Inmaterial), de una lista destinada a dar visibilidad y prestigio internacional a los elementos representativos del patrimonio inmaterial de la humanidad, y de una lista de elementos que necesitan una “salvaguardia urgente” (Arts. 16 y 17).
A pesar de los encomiables esfuerzos realizados por la UNESCO para llenar el vacío del patrimonio inmaterial, la Convención del Patrimonio Cultural Inmaterial representa una solución minimalista y está por ver la eficacia que tendrá para ayudar a preservar el patrimonio inmaterial de las naciones y comunidades de todo el mundo, que desaparece rápidamente. Una característica especialmente problemática es la reproducción poco imaginativa del modelo de la Convención del Patrimonio Mundial con las listas y el comité. Pero, a diferencia de la Convención del Patrimonio Mundial, la Convención del Patrimonio Cultural Inmaterial no pretende destacar y salvaguardar elementos de valor universal excepcional, sino elementos que son importantes para las comunidades que los crearon y mantuvieron y que, por tanto, son esenciales para salvaguardar la rica variedad de expresiones culturales de la humanidad. A la luz de esto, podría haber sido más lógico adoptar un enfoque basado en un código de buenas prácticas y normas técnicas a seguir en la legislación nacional, las medidas administrativas y la práctica de la conservación, en lugar de una lista. Además, es lamentable que el comité creado en el marco de la Convención del Patrimonio Cultural Inmaterial sea un órgano puramente intergubernamental que carece del apoyo institucional y permanente de los órganos consultivos, como el que proporcionan, en cambio, el Consejo Internacional de Monumentos y Sitios (“ICOMOS”), el Centro Internacional de Estudios de Conservación y Restauración de los Bienes Culturales (“ICCROM”) y la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (“UICN”) en la Convención del Patrimonio Mundial. Tal vez la contribución más importante de la Convención del Patrimonio Cultural Inmaterial consista en concienciar sobre el riesgo que conlleva la globalización económica- o internacionalización de la economía- en cuanto a la estandarización de los estilos de vida y la consiguiente erosión de las tradiciones artísticas y sociales ingeniosas y originales de las que depende en última instancia la diversidad cultural de la humanidad. En este sentido, la Convención del Patrimonio Cultural Inmaterial ha sido un catalizador para la elaboración y adopción en 2005 de la Convención de la UNESCO sobre la Protección y Promoción de la Diversidad de las Expresiones Culturales, un instrumento que pretende integrar las consideraciones culturales en la legislación y la política de la Organización Mundial del Comercio (OMC). En la UE, un papel similar ha desempeñado el Art. 167 (4) del Tratado de Funcionamiento de la Unión Europea (antiguo Art. 151 (4) Tratado Constitutivo de la Comunidad Europea).
Revisor de hechos: Samuels
Patrimonio Cultural Intangible
El patrimonio cultural inmaterial es un añadido relativamente reciente a un debate de larga data sobre la salvaguardia del patrimonio cultural que anteriormente se centró en el patrimonio tangible, como los mármoles de Elgin, y mostró una tendencia a lo que el erudito del patrimonio Laurajane Smith (en 2006) ha llamado un ‘ discurso de la monumentalidad’. La inclusión del patrimonio cultural inmaterial en los programas de salvaguardia de la organización de las Naciones Unidas para la educación, la ciencia y la cultura (UNESCO) tenía por objeto restablecer el equilibrio entre países desarrollados y en desarrollo en este ámbito, porque los países en desarrollo eran considerados particularmente ricos en patrimonio cultural inmaterial.
El patrimonio en general, y el patrimonio cultural inmaterial en particular, se ha convertido recientemente en un área de gran interés para un grupo diverso de “partes interesadas”, que van desde los operadores de turismo, y los planificadores regionales y nacionales de desarrollo, a los representantes de pueblos indígenas y otras minorías étnicas. Una de las principales razones de este creciente interés es el abrazo de la cultura en las estrategias de desarrollo más recientes, 3 que incluyen la aparición del turismo cultural y patrimonial, así como las grandes esperanzas en varios países para las industrias creativas.
Los listados de patrimonio de la UNESCO se convierten en símbolos importantes y sellos de calidad para las atracciones turísticas, sean parques naturales o partes enteras de ciudades. 4 en el caso del patrimonio cultural inmaterial, las destrezas, conocimientos, artesanías y actuaciones de la población local son a menudo una atracción que se comercializa además del atractivo especial del propio sitio.
Autor: Williams
Tribunal de las Aguas (de Valencia, España)
Véase la información correspondiente al Tribunal de las Aguas de Valencia.
La caligrafía
La caligrafía (cuyo nombre deriva de una palabra griega que significa “hermosa escritura”) es el arte de la escritura (su redacción) fina. El término puede referirse a cartas, palabras, páginas o incluso documentos enteros a los que se han aplicado principios estéticos y una hábil caligrafía. La paleografía, el estudio de la escritura (su redacción) antigua, se ocupa tanto de la caligrafía como de la inscripción en piedra, hueso, metal (véase definición, y una descripción de metal) u otras superficies duras (véase sistemas de escritura, evolución de). La caligrafía difiere de la inscripción en que sólo incluye escrituras escritas en materiales perecederos como el papiro, el pergamino, los textiles o el papel.Entre las Líneas En el Lejano Oriente, la caligrafía se produce mediante un pincel puntiagudo sostenido verticalmente.Entre las Líneas En las culturas occidentales e islámicas, la escritura (su redacción) caligráfica se realiza mediante el uso de una pluma de caña, pluma o plumilla de borde ancho sostenida en posición oblicua.
El desarrollo en Occidente
Los papiros egipcios que datan de la quinta dinastía (c.2494-2345 a.C.) son los primeros ejemplos conocidos de caligrafía. La escritura (su redacción) hierática, creada para facilitar la velocidad de la escritura, deriva de un tipo simplificado de escritura (su redacción) pictórica o jeroglífica.Entre las Líneas En Grecia surgieron simultáneamente dos estilos de escritura. Se utilizaba una escritura (su redacción) formal para las obras literarias, y una mano cursiva más utilitaria para llevar las cuentas. Al principio, la mano de libro combinaba los capiteles, basados en las formas geométricas rígidas utilizadas en la inscripción en piedra, con letras unciales redondeadas, más fáciles de inscribir. El uncial eventualmente reemplazó al monumental capitel como la escritura (su redacción) griega característica de las obras literarias. Un ejemplo célebre de uncial griego es el Codex Sinaiticus (Museo Británico, Londres), un manuscrito bíblico del siglo IV d.C.
En Italia, las escrituras latinas se desarrollaron a partir de las tradiciones griegas y etruscas nativas. Las primeras manecillas de los libros latinos estaban compuestas de capiteles cuadrados; las escrituras posteriores empleaban los capiteles rústicos de escritura (su redacción) más rápida. Ambos fueron sustituidos por el uncial como escritura (su redacción) dominante en los manuscritos litúrgicos de los siglos V a XI d.C.
Puntualización
Sin embargo, se conservaron los capiteles monumentales para su uso en la portada durante todo el período medieval.
Edad Media
Después de la caída del Imperio Romano, una desconcertante variedad de estilos floreció en Europa. Esto se debió a las preferencias regionales y al surgimiento de escuelas especializadas de escritores, como los escribanos, los notarios, los precursores de los maestros de escritura (su redacción) profesionales y los compositores de los documentos papales. Estas escuelas desarrollaron su propia mano particular, a menudo deliberadamente compleja, en un intento de impedir las falsificaciones de su obra.
Entre los siglos VI y IX d.C., los manuscritos se caracterizaron por la abundancia de diseños intrincados y cartas a menudo tan elaboradas que eran ilegibles. Ejemplos notables de las escrituras insulares de Gran Bretaña son los Evangelios de Lindisfarne (c.700; Museo Británico, Londres) y el Libro de Kells (c.800; Trinity College, Dublín), en los que los capiteles están ornamentados con vivos motivos animales y trozos de color insertados en los vacíos de las letras. Cuando los monjes irlandeses comenzaron a establecer monasterios en Suiza e Italia, sus complicadas y a menudo extravagantes escrituras pronto se extendieron por todo el continente.
Con el resurgimiento clásico que tuvo lugar durante el período carolingio, los estilos de escritura (su redacción) se volvieron más parecidos a los de la antigüedad, con su tradición de claridad y simplicidad. La política unificadora de Carlomagno aumentó la necesidad en su dominio de una escritura (su redacción) más uniforme y simplificada. Bajo la dirección del erudito anglosajón Alcuin, una escritura (su redacción) distintiva se desarrolló en la corte de Carlomagno en Aquisgrán. Esta escritura, distinguida por la minúscula Caroline, se basaba en el alfabeto (véase su definición, y la información relativa al Alfabeto Griego, al Alfabeto y sus orígenes, al Alfabeto Latino y al Alfabeto Árabe) de letras pequeñas y hacía un uso generoso de los espacios en blanco.
Hacia el año 1100, la escritura (su redacción) comenzó a condensarse más lateralmente, y el espacio entre líneas se redujo. Este desarrollo condujo a un declive general de la calidad de la caligrafía en toda Europa a finales de la Edad Media. [rtbs name=”historia-medieval”] En el norte de Europa surgió una escritura (su redacción) de letras pequeñas y muy condensadas. Llamada Letra Negra porque una página de ella se veía negra, esta escritura (su redacción) sirvió como base para los tipos desarrollados (c.1450) para la Biblia de Gutenberg.
La Italia del Renacimiento
Durante el Renacimiento, los humanistas italianos revivieron las formas más simples de la minúscula Caroline y adaptaron las letras de las antiguas inscripciones geométricas romanas (contemple varios de estos aspectos en la presente plataforma online de ciencias sociales y humanidades). Feliciano de Verona escribió (1463) uno de los primeros tratados de caligrafía conocidos; contenía instrucciones y diagramas para la ejecución geométrica de los capiteles romanos.Entre las Líneas En los manuscritos de muchos de los maestros del Renacimiento, aparecen finos estilos medievales junto con la escritura (su redacción) romana formal. La nueva escritura (su redacción) italiana, sin embargo, era más que una copia de las tradiciones existentes; el escribano del Renacimiento contribuyó con una carta circular que es la base de la llamada impresión romana moderna. Del mismo modo, la moderna escritura (su redacción) cursiva se deriva de la de los escribanos del siglo XV de las cancillerías papales. Una mano pequeña y fácil de formar, se reservaba al principio para los documentos menores emitidos por la Cancillería Apostólica y se conoció como cancelleresca, o cursiva de cancillería. Su popularidad creció a finales del siglo XV y principios del XVI, cuando fue utilizada por Andrea Mantegna, Benvenuto Cellini, Leonardo da Vinci y otros artistas, nobles y investigadores académicos del Renacimiento italiano.
La moda de escribir cartas privadas como demostración de la erudición del escritor estimuló el interés por la caligrafía, y la nueva cursiva de cancillería se convirtió en la escritura (su redacción) favorita de los cognoscenti.Entre las Líneas En 1522, Lodovico degli Arrighi de Vicenza, un escribano del Vaticano, publicó Operina, el primer manual de escritura (su redacción) jamás producido, basado en la cursiva de la cancillería. La simplicidad original de este estilo se perdió en una maraña de manierismos y florituras.
La escritura (su redacción) posterior del siglo XVI estuvo fuertemente influenciada por la técnica del grabado. El primer manual de caligrafía impreso en cobre, “Lo scrittor’ utile” (El Escritor Útil) de Hercolani, notario (fedatario público) de Bolonia, fue publicado en 1571. Con estas y otras publicaciones, las escrituras italianas se difundieron por toda Europa.
Guiones españoles y franceses
En España, la escritura (su redacción) estaba fuertemente influenciada por la cursiva de la cancillería de los calígrafos italianos del siglo XVI Arrighi de Vicenza y Giovanbattista Palatino. Sus estilos fueron muy admirados por los españoles. La mano nacional, sin embargo, fue ideada por el maestro de la escritura (su redacción) española del siglo XVI Francisco Lucas. Creó una característica mano vertical española acompañada de una minúscula inclinada. Sin casi ninguna variación, este estilo prevaleció durante 200 años, hasta el triunfo general del sistema inglés.
En Francia, la cursiva francoyse, una mano gótica, aparece en los primeros libros. De aquí surgió el estilo civilité que más tarde, en combinación con los estimados modelos italianos del Renacimiento, produjo la elegante escritura (su redacción) ronde (redonda). La ronde, en la que las letras están continuamente conectadas a través de amplios trazos, puede ser designada como la mano nacional francesa y todavía se utiliza hoy en día. La mayoría de sus rasgos góticos desaparecieron en el siglo XVII debido a la revisión de la escritura (su redacción) oficial por el estadista Jean Baptiste Colbert.
Guiones británicos y americanos
Los modelos caligráficos franceses fueron publicados en Inglaterra y Holanda.Entre las Líneas En Inglaterra, la influencia francesa era más dominante que la italiana. El primer manual de caligrafía inglés, escrito por Jean de Beauchesne y John Baildon, apareció en 1571. El estilo holandés también influyó en los ingleses, y las obras caligráficas del dibujante Jan van de Velde I (1568-1623) fueron muy solicitadas.Entre las Líneas En el siglo XVIII, los ingleses habían desarrollado una mano característica que se utilizaba mucho en sus documentos comerciales; ésta se convirtió en el modelo para la escritura (su redacción) comercial. La admiración por el éxito mercantil de Inglaterra también se ganó la admiración por la escritura (su redacción) mercantil de Inglaterra, que se basaba en la eficiencia y la necesidad de rapidez. Transportada al continente, se conoció como anglaise en Francia y letra inglesa en España, y a finales del siglo XIX, la letra inglesa era preferida incluso en Italia.
Los colonos americanos también practicaron el estilo caligráfico de Inglaterra; el primer cuaderno americano, publicado (1791) por el maestro de la escritura (su redacción) John Jenkins, siguió a la escritura (su redacción) mercantil inglesa de mediados del siglo XVIII. A principios del siglo XIX se ideó en Inglaterra una técnica de escritura (su redacción) por la cual el movimiento del antebrazo, y no de los dedos, formaba la escritura.Entre las Líneas En 1830 este método se introdujo en los Estados Unidos, donde se conoció erróneamente como el Sistema Americano.
Puntualización
Sin embargo, la mano nacional americana surgió de la combinación de este método con la anterior mano británica de correr. Platt R. Spencer (1800-64) diseminó el nuevo estilo en una cadena de colegios de negocios que estableció en 44 ciudades americanas a mediados del siglo XIX; se conoció como el Sistema Spenceriano.
El renacimiento del siglo XX. Con el desarrollo de la pluma de acero, la máquina de escribir y las tecnologías relacionadas, el arte de la caligrafía declinó. Los cambios en la tipografía de impresión, originalmente derivados de estilos populares de escritura (su redacción) a mano, se alejaron cada vez más de las tradiciones caligráficas (véase también impresión; tipografía y composición tipográfica).Entre las Líneas En 1891 el inglés William Morris intentó un resurgimiento; fundó la Kelmscott Press para experimentar con nuevos estilos de tipos caligráficos. Writing and Illuminating and Lettering, publicado (1906) en Londres por el amigo de Morris, el educador Edward Johnston (1872-1944), estimuló un renovado interés por la caligrafía entre los ricos conocedores y coleccionistas.
Johnston estudió la minúscula Caroline y ciertas escuelas inglesas medievales de escritura, pero la mano que desarrolló era notablemente original. Su influencia fue grande, especialmente en Alemania, donde sus enseñanzas fueron introducidas (1910) por su estudiante Anna Simons. A finales de los años 20, Alemania tenía su propia escuela de calígrafos. Las manos del Viejo Gótico también fueron defendidas, y se estableció el Bund für Deutsche Schrift para fomentar su resurgimiento. El ímpetu dado a la caligrafía por Morris, Johnston y sus seguidores continúa. Hoy en día la caligrafía se enseña en academias de arte y escuelas de artes y oficios.
Tradiciones del Lejano Oriente
La caligrafía en China, llamada shu fa cuando se practica como arte fino, tiene una historia antigua y venerada. La pintura y la caligrafía se consideran artes interrelacionadas y emplean métodos y materiales similares.
Puntualización
Sin embargo, no fue hasta el siglo V d.C. cuando se concedió al pintor un estatus comparable al del calígrafo. Hasta entonces, los pintores eran considerados como meros artesanos, mientras que los calígrafos habían sido considerados durante mucho tiempo como investigadores académicos cultos y eruditos.
La escritura (su redacción) china data de la segunda mitad del segundo milenio a.C. Sus orígenes, trazados a través de inscripciones en huesos y conchas de oráculo y en los bronces de las dinastías Shang (c.1600-1027 a.C.) y Zhou (Chou; 1027-256 a.C.), indican que la escritura (su redacción) evolucionó a partir de un sistema de símbolos dibujados para representar el objeto denotado. Estos símbolos, llamados pictogramas, se convirtieron con el tiempo en caracteres abstractos, la unidad de palabra básica del lenguaje. El carácter chino se organiza dentro de los límites de un cuadrado y se concibe y ejecuta como una entidad independiente. Compuesto por una variedad de trazos, cada uno de los cuales puede ser interpretado, cada carácter del extenso vocabulario chino plantea un problema de diseño único en términos de su propia estructura interna y su relación con los caracteres que lo rodean. Aunque las pinceladas deben hacer patrones inteligibles para ser descifrables, se producen y se buscan ricas variaciones de composición. (Tal vez sea de interés más investigación sobre el concepto). Esto contrasta con el énfasis en la precisión y la repetición de la forma en la caligrafía occidental.
Escrituras chinas
La escritura (su redacción) caligráfica más antigua, conocida como escritura (su redacción) arcaica o de sello (juanshu, o chüan-shu), era de aspecto lineal, de grosor uniforme y con una clara inscripción. (Tal vez sea de interés más investigación sobre el concepto).Entre las Líneas En la época de la dinastía Han (202 a.C.-220 d.C.), se utilizaba una versión simplificada de juanshu. Denominado lishu (li-shu), o escritura (su redacción) clerical, se convirtió en la base del chino moderno. Con sus trazos de varias anchuras que terminan en ancho o en florituras ásperas y desiguales, revela la flexibilidad característica del implemento de su ejecución, el pincel.
Lishu permaneció como el estilo caligráfico dominante hasta el siglo IV d.C. De esta escritura (su redacción) surgieron los tres modos modernos de la escritura (su redacción) china. El primero, designado kaishu (k’ai-shu), o escritura (su redacción) regular, es una mano formal análoga a la escritura (su redacción) impresa occidental; se convirtió en el modelo para los caracteres impresos. Xingshu (hsing-shu), o escritura (su redacción) corriente, es una forma semicursiva de kaishu.Entre las Líneas En ella, el aspecto angular del kai es reemplazado por un movimiento fuertemente rítmico y fluido del pincel. El tercer derivado de lishu es caoshu (ts’ao-shu), o escritura (su redacción) de hierba. Este estilo tan abreviado y a menudo ilegible es muy expresivo, y se permite una gran libertad. Los personajes se reducen a menudo a un único movimiento continuo de pincel con sutiles modulaciones en los espesores y terminaciones. Todas estas escrituras son todavía practicadas por los calígrafos chinos hoy en día.
Calígrafos chinos célebres
Las dos edades de oro del arte de la caligrafía son la dinastía Tang (T’ang) (618-906) y la dinastía Song (Sung) (960-1279). Ouyang Xun (Ou-yang Hsün; 557-641) y Chu Suiliang (Ch’u Sui-liang; 596-658) fueron dos de los artistas más célebres del período Tang. El emperador de Tang, Ming Huang (r. 713-755), renombrado calígrafo, estimuló el arte por su entusiasta patrocinio. El emperador Song Huizong (Hui-tsung; r. 1101-25), también un gran mecenas de las artes, creó personalmente un estilo muy refinado de kaishu que refleja la precisión y la delicadeza del tacto que se encuentra en sus pinturas.Entre las Líneas En el período Song, la relación entre la pintura y la caligrafía era extremadamente estrecha, y artistas Song como Su Dongpo (Su Tung-p’o) y Mi Fei formularon la teoría literaria de la pintura que subrayaba esta interdependencia. Con la preeminencia de esta teoría, la pintura y la caligrafía se convirtieron cada vez más en prerrogativas de la clase académica. Entre los pintores-calígrafos famosos de las últimas dinastías se encuentran Zhao Mengfu (Chao Meng-fu) en el Yuan (1279-1368); Wen Chengming (Wen Chen-ming) y Dong Qichang (Tung Ch’i-ch’ang) en el Ming (1368-1644); y Jin Nong (Chin Nung; 1687-1765?) en el Qing (Ch’ing; 1644-1911).
Escrituras japonesas
La escritura (su redacción) china fue introducida en Japón en el siglo VII y fue usada inicialmente para copiar textos budistas. El monje japonés Kukai (774-835) desarrolló la escritura (su redacción) hiragana, que fue producida simplificando y abreviando los caracteres chinos. Este estilo se utilizó para la primera literatura cortesana. Hoy en día se utilizan dos tipos de caligrafía: wa-yo, relacionada con la escritura (su redacción) original japonesa y utilizada especialmente por los sintoístas, y kara-yo, un estilo chino utilizado en los círculos de la corte. Influido por los estrechos contactos con China durante los siglos XVII y XVIII, creció el interés por la caligrafía china. Hoy en día el arte de la escritura (su redacción) sigue siendo muy apreciado.
Caligrafía islámica
En los países donde se practica el Islam, la caligrafía es de gran importancia. La copia del Corán se considera un acto religioso, y la caligrafía islámica es muy apreciada debido a sus asociaciones religiosas. Se desarrollaron dos estilos principales de escritura. El cúfico, un estilo formal con un carácter angular, se evidenció en el siglo VII d.C.; el nasji, una escritura (su redacción) cursiva y fluida escrita con letras redondeadas, apareció en el siglo X.
Escritura árabe
El cúfico se desarrolló por primera vez en la ciudad árabe de Kufa en Irak. Su forma angular es adecuada para ser tallada en piedra, y el estilo aparece frecuentemente como decoración de edificios. Desde el siglo VIII hasta el X, el Kufic visto en Egipto, Siria e Irak consistía en gruesas letras redondeadas con cortos verticales y un trazo horizontal acentuado. El primer Corán existente (c.785; Biblioteca Egipcia, El Cairo) fue escrito en este estilo.Entre las Líneas En el siglo XII, el cúfico fue desplazado casi por completo por Naskhi, aunque los encabezamientos de los capítulos continuaron siendo representados en el estilo anterior. Los Coranes del período mameluco (1252-1517) se escribieron en letra zuluz o tumar, ambas variaciones de la lengua nasji. Estos manuscritos ornamentales se adornaban frecuentemente con letras doradas y delicados arabescos dibujados en un rico suelo azul.
Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):
El Magrebí, también llamado andaluz o cordobés, fue la escritura (su redacción) distintiva de los Coranes escritos durante el siglo XII en España y el norte de África. De forma extremadamente redondeada, se vio en España después de que los moros se trasladaran del norte de África a Andalucía. Los Coranes Magrebíes de los siglos XIV y XV de Granada y Fez, aunque escritos en una mano menos admirable, se caracterizan por la opulencia de sus motivos.
Las escrituras persas
Los calígrafos persas islámicos de la dinastía abasí (750-1258) adaptaron tempranamente la escritura (su redacción) cúfica, destacando el aspecto vertical de los caracteres. Para los siglos XI y XII, el cúfico persa había evolucionado completamente. Los Coranes selyúcidas de este período se escriben típicamente en páginas iluminadas ricas en arabescos, entrelazados y palmetas.
Durante el siglo XIII, una variación del Naskhi apareció en Persia. Designada como Talik, esta escritura (su redacción) se inclinaba hacia abajo de derecha a izquierda y fue muy utilizada en la decoración de cerámica. El Naskhi, sin embargo, continuó siendo utilizado para los textos religiosos.Entre las Líneas En los siglos XIV y XV, bajo los timúridas, la caligrafía persa se consideraba un arte. Se cree que un maestro calígrafo del siglo XV, Mir Ali de Tabriz, creó la escritura (su redacción) Nastalik, usada especialmente para la poesía. Otros calígrafos célebres de este período fueron el sultán Ali al-Mashhadi, Jafar Barsunkuri e Ibrahim Sultan; este último, un gran mecenas de las artes, podía escribir en seis escrituras diferentes.
Los calígrafos del período Safavid (siglos XVI-XVIII) continuaron en la suntuosa tradición establecida por los artistas timuríes. Entre los renombrados calígrafos del período se encontraba el sultán Muhammad, cuyo estilo se ve en un magnífico manuscrito de poemas de Nizami (1524-25; Museo Metropolitano de la ciudad de Nueva York). Un famoso calígrafo del siglo XVII, Mir Imad, uno de los artistas persas más admirados, copió muchos manuscritos finos para Abbas I.
Tughras, o los audaces emblemas caligráficos que precedieron a los edictos emitidos por los sultanes, son ejemplos conocidos de la escritura (su redacción) turca. A menudo se combinaban intrincadamente con motivos florales creados en un esquema multicolor.
Datos verificados por: Chris
La política del patrimonio cultural y la identidad
En cualquier nación existe una multiplicidad de ideologías bastante diferentes que pueden transmitirse a través del mismo patrimonio cultural o de la humanidad, más que un programa político específico y coherente destinado a apoyar una visión distintiva predominante de la sociedad. Es discutible si los conflictos nacionales son reconciliables mediante una política de patrimonio cultural proactiva e integradora, y aún está por ver en muchos lugares. Las cuestiones de identidad y diferencia son habituales en el panorama de la teoría política contemporánea. Los problemas de diversidad de identidades y representación del patrimonio no son exclusivos de Estados divididos como Israel, Palestina e Irlanda, por ejemplo. De hecho, esta noción de una homogeneidad nacional interna (que se basa inevitablemente en una representación particular del patrimonio y en una mitología del pasado para su coherencia y legitimación) ha condicionado las conceptualizaciones occidentales del espacio político durante más de dos siglos.
Muchos autores han examinado la interconexión entre patrimonio, identidad y lugar. Algunos sostienen que sin estar conectados a un lugar, las personas empiezan a perder su identidad y su patrimonio. Sugieren que el pasado es parte integrante de nuestra identidad y que permanecer conectado a los lugares natales o habitados desde hace mucho tiempo es una inclinación natural. Este punto de vista se cuestiona cada vez más a medida que la globalización cobra impulso y aumenta el papel de las comunidades virtuales y cibernéticas que comparten bases de interés comunes, más que identidades de lugar compartidas.
Un tema común de algunas publicaciones sobre el patrimonio es la concentración en la naturaleza local de la identidad y el papel del patrimonio, en tiempos de incertidumbre o agitación. El impulso de preservar el pasado puede verse como un esfuerzo de las personas por conservar una parte de sí mismas, y esos sentimientos de nostalgia suelen ser más fuertes cuando la identidad nacional se ve amenazada de algún modo. La confusión sobre la identidad y la pérdida de confianza se observa a menudo en las comunidades de inmigrantes que no tienen ninguna conexión natural o histórica con su nuevo lugar de residencia. El movimiento masivo de inmigrantes de Europa Central y Oriental en la primera década del nuevo milenio ha visto surgir nuevas composiciones culturales en el oeste del continente. Polonia, en particular, ha experimentado un cambio poblacional extremo. Estados Unidos tiene una larga historia de multiculturalismo y sus retos patrimoniales específicos van desde la auténtica representación de los pueblos indígenas americanos hasta la propuesta de primacía del español como lengua legal en California (para reflejar la gran composición de la población mexicana/centroamericana). Sin embargo, si la cultura y el patrimonio, por encima de todo, son (como sugieren las investigaciones) fundamentales para la identidad, su representación inclusiva sigue siendo una cuestión política cargada.
📬Si este tipo de historias es justo lo que buscas, y quieres recibir actualizaciones y mucho contenido que no creemos encuentres en otro lugar, suscríbete a este substack. Es gratis, y puedes cancelar tu suscripción cuando quieras: Qué piensas de este contenido? Estamos muy interesados en conocer tu opinión sobre este texto, para mejorar nuestras publicaciones. Por favor, comparte tus sugerencias en los comentarios. Revisaremos cada uno, y los tendremos en cuenta para ofrecer una mejor experiencia.Cuando el patrimonio se desplaza (o incluso se desplaza), surgen cuestiones de propiedad y el patrimonio de la población indígena ya no puede promoverse como inequívocamente universal o necesariamente dominante. Los conceptos de hegemonía (supremacía) y propiedad son pertinentes en este caso en la medida en que la creación de cualquier patrimonio deshereda o excluye activamente (o potencialmente) a quienes no suscriben los términos de significado que definen ese patrimonio. El término “patrimonio disonante” se utiliza para describir el patrimonio que está inmerso en la discordia y las versiones conflictivas del pasado o el presente. La contestación se refiere a la negociación, a menudo entre grupos de personas en espacios locales, nacionales o internacionales, en la búsqueda de versiones legítimas de su propio y auténtico patrimonio. El patrimonio es, por tanto, simultáneamente: un conocimiento, un producto cultural y un recurso político. Las preguntas clave son por qué se promueve una determinada interpretación del patrimonio, y los intereses de quiénes se ven favorecidos o perjudicados por esas versiones del pasado o del presente. Si el conocimiento del patrimonio se sitúa en contextos particulares de comprensión o relaciones de poder, es específico del tiempo y, por lo tanto, su(s) significado(s) puede(n) alterarse a medida que cambian las situaciones socioculturales y políticas.Entre las Líneas En consecuencia, es inevitable que el patrimonio sea impugnado y cuestionado de forma dinámica. La pregunta “¿de quién es el patrimonio?” es cada vez más compleja para muchas naciones y localidades.
El patrimonio también desempeña una función social crucial en términos de construcción de la identidad, a escala personal, local, regional y nacional, donde puede considerarse como el instrumento principal en el descubrimiento, la creación y el posterior cultivo de una identidad nacional. El patrimonio puede enmarcarse en actividades y acontecimientos que establecen o simbolizan la cohesión social.
Una Conclusión
Por lo tanto, el patrimonio tiene indudablemente un potencial cohesivo y también separatista. La continuidad psicológica y la identidad de estos grupos cohesionados es un ingrediente primordial que actúa como marco cultural de referencia. Esta función del patrimonio es importante en períodos de transición social o de gran reorientación nacional, para preservar el equilibrio y el impulso hegemónicos.
Datos verificados por: Cox
[rtbs name=”geopolitica”] [rtbs name=”geografia-politica”]Recursos
[rtbs name=”informes-jurídicos-y-sectoriales”][rtbs name=”quieres-escribir-tu-libro”]Véase También
Geografía, Geografía Humana, Geografía Política, Geopolítica,
▷ Esperamos que haya sido de utilidad. Si conoces a alguien que pueda estar interesado en este tema, por favor comparte con él/ella este contenido. Es la mejor forma de ayudar al Proyecto Lawi.