Arte Público
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A continuación se examinará el significado.
¿Cómo se define? Concepto de Artes visuales
Véase la definición de Artes visuales en el diccionario.
El Arte Público
La palabra “público” puede ser engañosa. Es ambigua y a menudo se utiliza mal. Sin embargo, la definición del diccionario es clara: ‘relativo al pueblo en su conjunto’. Así que estoy reflexionando sobre toda la confusión que rodea a esta palabra: ‘público’.
Hace tiempo, todo el arte era arte público. La mayoría era utilitario. Estamos en un momento de la historia en el que se está dejando atrás la hegemonía cultural y el supuesto dominio de unos sobre otros -reyes, dictadores, poderes coloniales, otras instituciones- y se está evolucionando hacia una redistribución más descentralizada y equitativa. Ahora mismo nos encontramos en esta lucha.
La escultura del Partenón, las máscaras y los objetos utilizados en los rituales de todo el mundo, los murales del metro, las estaciones de autobús decoradas, los bancos y las paredes: todo ello es público. En teoría, el arte público actual refleja los valores y las aspiraciones de una sociedad.
Algunos autores consideran que el arte público es el que se crea “con, para y por” el público. Este criterio contiene una amplia gama de posibilidades fascinantes. El arte es el latido de una comunidad: es ese maravilloso zumbido de la gente que crea cosas que ama y le importan, con el objetivo de informar, elevar y celebrar. Los artistas pertenecen al centro de su comunidad y deberían recibir una financiación suficiente del mismo modo que otros servicios públicos como el servicio postal o las clínicas de salud.
La financiación lo determina casi todo en una cultura capitalista. Los financiadores rara vez aceptan piezas o procesos que realmente impliquen al público, mejoren las ecologías locales, proporcionen interacción o supongan una evolución contextual a largo plazo. Los financiadores y las fundaciones tienden a estar obsesionados con la cuantificación; cada hora y cada objeto creado deben tener un valor monetario fácilmente definible. Como consecuencia, las organizaciones artísticas públicas a menudo se limitan a “ir de compras” para obtener obras de arte que satisfagan una lista de control predefinida y algo superficial.
La existencia del arte con el público desafía las estructuras de poder dominantes simplemente porque involucra al público, a menudo conectando a la gente, ofreciendo una visión y una posibilidad, y no está limitado por los mercados.
El arte público o “por ciento para el arte” está en deuda con el financiador, no con el público. Para el arte público es obligatorio un proceso de solicitud. Sin embargo, todo depende de la integridad de la organización y de su proceso de selección. A veces, el artista es preseleccionado y el proceso de solicitud pública equivale simplemente a una “actuación” de diligencia debida. Esta selección prematura suele reflejar prejuicios raciales y de género ocultos. Por lo general, se pide al artista que contribuya sólo después de que se haya establecido todo el contexto circundante: diseños de edificios, diseños de parques, materiales educativos, etc. El arte público es mejor y más real cuando es contextualmente sólido. Esto significa contratar a un artista al principio del proceso de diseño. Los procesos de colaboración son poco frecuentes, especialmente si esas colaboraciones implican a miembros del público. Es posible que el arte público invite a la conciencia, añada dimensión a un espacio público y revele aspectos ocultos de una cultura.
¿Puede el arte público comprometerse con las infraestructuras? ¿Podemos ampliar la definición de arte público lejos de los objetos con etiquetas de precio y centrar el valor del arte público en el valor de los seres humanos y la naturaleza? El divorcio entre lo artístico y lo científico y sociológico es sintomático de una tendencia más amplia a negar la complejidad y la interconectividad de campos superficialmente no relacionados.
Revisor de hechos: Hayart
Arte Urbano y su Política
La voluntad de validar el arte reciclado y los símbolos culturales populares, que se vuelven vacíos, si no carentes de significado, se revela como poco perspicaz y oportunista, por lo que la crítica social se minimiza en la búsqueda de ventas de impresiones, carteles y postales.
Sin embargo, el valor móvil de su propio arte callejero ha alimentado un mercado destructivo (otra forma de vandalismo) que ve cómo las obras “públicas” se cortan de las paredes para desaparecer y luego reaparecer mediante subasta. Estos lugares siguen atrayendo a los espectadores y a las subsiguientes respuestas de grafiti, por lo que la marca del lugar a través del grafiti puede persistir (incluso en la memoria) a pesar de la ausencia de la propia obra de arte.
Mensajes mixtos
Hoy en día, esta dualidad (vandalismo o arte) continúa, y se refleja en las sentencias prohibitivas: en el Reino Unido, hasta diez años de prisión cuando los daños penales causados por un adulto (mayor de 18 años) superan las 5.000 libras, y una orden de detención/formación de hasta dos años para los jóvenes de 12 a 17 años. En el caso de los “delitos menores”, las sentencias son mucho más bajas y también se pueden imponer multas fijas (80 libras) sin necesidad de recurrir a los tribunales, por lo que existe cierta discrecionalidad en la respuesta si se declara la culpabilidad o se pilla in fraganti. Al mismo tiempo, los museos y las galerías de arte se ocupan del grafiti como una forma de arte internacional. Por ejemplo, en 2008, el encargo y la exposición de arte callejero de la Tate Modern reunió a seis artistas de renombre internacional cuya obra está relacionada con el entorno urbano. Con el patrocinio de la empresa automovilística japonesa Nissan, fue la primera gran exposición pública de Street Art en Londres. Con el fin de otorgarle una validación artística, el “buen” arte callejero se distinguía en este caso de los grafitis y las pintadas más rastreras, con lo que se pretendía insertar el grafiti en el lugar que le corresponde y despojarlo de su poder desnaturalizador, en los años 90. El vínculo con el patrocinador Nissan también era significativo, ya que el coche Qashqai que lanzó el año anterior utilizaba un llamativo arte callejero en sus anuncios. Esto también proporciona una pista sobre el ambiguo lugar y la relación actuales entre el grafiti/arte y la ciudad. En cierto sentido, esto refleja la cultura visual y de consumo que prevalece en el entorno urbano contemporáneo: la fusión del comercio y la cultura en una forma altamente visualizada. Saturada de imágenes, la ciudad contemporánea ha sido teorizada como un sitio legislado por los ojos, mientras que el arte callejero actual, en opinión de algunos autores, es un paradigma de la hibridez en la cultura visual global.
Una respuesta gubernamental a la “demanda” de grafitis por parte de los jóvenes se observa también en diversos planes que tratan de ofrecer una oportunidad segura (de ser procesados) para que los Banksy en ciernes practiquen su arte con impunidad. Por ejemplo, en Gales, el proyecto Heritage Graffiti ayuda a los jóvenes delincuentes a “aprender valiosas lecciones de su patrimonio ” presentándoles artefactos arqueológicos y explicándoles lo que significan para las personas que los utilizaron (por ejemplo, soldados romanos, mineros, navegantes del canal). Se creó un mural: Nuestra Gales”, realizado por los jóvenes y que representa su interpretación y experiencia, y que fue documentado y abierto al público. En el parque DPM de Dundee (Escocia), el muro de grafitis legal más largo del Reino Unido (110 metros) está abierto a todo el mundo en cualquier momento, y el proyecto gestionado por el ayuntamiento organiza talleres para los niños de la zona. Sin embargo, no está claro hasta qué punto estos participantes se abstienen de realizar grafitis ilegales.
Las actitudes de los residentes de la ciudad hacia el grafiti y el arte callejero también son cambiantes y ambiguas. No es de extrañar que también varíen dentro de las ciudades, y que algunos barrios, lugares y edificios reciban un trato diferente en cuanto a vigilancia, persecución, protección… y celebración. Por ejemplo, en la capital colombiana, Bogotá, tras la muerte de un joven artista callejero abatido por la policía en 2011, ha surgido una nueva tolerancia hacia el arte callejero. El alcalde de la ciudad emitió un decreto para promover la práctica del grafiti como una forma de expresión artística y cultural, al tiempo que definía las superficies que están fuera de los límites, incluidos los monumentos y los edificios públicos. Los artistas seleccionados reciben subvenciones municipales y pueden utilizar como lienzos muros de dos, tres y hasta siete pisos en las principales vías públicas. El resultado son coloridas muestras con mensajes políticos y sociales. Los grafitis cotidianos también se han extendido bajo este régimen liberal, incluso en edificios en los que está prohibido escribir. Esto indica la dificultad de controlar los grafitis de esta manera sin que se cumplan las normas, y el atractivo de marcar superficies y espacios públicos intactos. Lisboa es otra ciudad que ha abrazado el arte callejero, mientras intenta salir de la austeridad y la recesión. Piezas de gran tamaño y murales adornan edificios públicos y distritos industriales, que van desde imágenes y mensajes artísticos hasta de protesta.
Artistas locales como Vhils (Alexandre Farto) son célebres y combinan la estética del vandalismo con el comentario social. En lugar de utilizar spray y plantillas, Vhils graba en el enlucido de las paredes de los edificios utilizando taladros eléctricos para realizar retratos a gran escala, a menudo de miembros de la comunidad local, y también trabaja en instalaciones de servicios públicos. Como señal de su aceptación en el mundo del arte de la ciudad, su exposición inaugural se celebró en la apertura de un nuevo museo de arte con sede en una estación eléctrica reconvertida, el “Museu Da Electricidade”. La Universidad de Lisboa también acogió la primera conferencia internacional sobre Arte Callejero y Creatividad Urbana entre el 3 y el 5 de julio de 2014 (urbancreativity.org) con un amplio programa de ponencias de académicos, comisarios y estudiantes de doctorado.
En otros lugares, el encargo a jóvenes artistas para adornar edificios corporativos presenta una alternativa a la habitual instalación de arte público. En Fráncfort, la sede del Banco Central Europeo, un edificio de cuarenta y cinco plantas en construcción, está rodeado por una alta valla de protección. Un trabajador social local se puso en contacto con el banco, que accedió a permitirle a él y a los niños “problemáticos” con los que trabaja, pintar con spray una valla de madera que levantaron alrededor del lugar (con un coste de 10.000 euros). Los grafitis representan caricaturas del presidente del BCE y de la canciller Merkel (el 60% de las obras reflejan la crisis de la eurozona), hasta gallos de pelea que se exhibirán dentro del edificio cuando se inaugure este año.
Varias de las obras de grafiti han sido adquiridas (a través del programa Under Art Construction), irónicamente, por banqueros, aunque el resto de las obras no están, aparentemente, a la venta. El alcalde de la ciudad ha pedido a otras obras que emulen este proyecto. Otras obras “mientras tanto” también son objeto de grafitis sancionados, ya que éstos pueden, por un lado, animar vallas publicitarias que de otro modo serían feas y, por otro lado, evitar/disuadir grafitis oportunistas, así como desviar la atención de las estructuras permanentes. Por ejemplo, en Madrid y en Ámsterdam, donde el antiguo edificio de la sede europea de Royal Dutch Shell está a la espera de ser remodelado y ocupado temporalmente por organizadores de eventos de danza. La parte norte de la ciudad conocida como Amsterdam-Noord también representa un nuevo barrio creativo, al que llegan frecuentes transbordadores gratuitos desde detrás de la estación principal, donde un grupo de talleres de medios digitales y locales de arte y entretenimiento ha sustituido a este complejo industrial y barrio obrero. En este caso, el arte del grafiti significa transición, diversión y creatividad, en lugar de degradación y malestar social, como habría ocurrido en el pasado.
Las dicotomías entre crimen-arte y control-tolerancia en la práctica se desarrollan en un continuo a lo largo del cual se mueven las autoridades de la ciudad, el público y los artistas callejeros y del grafiti, a medida que el gusto, la opinión (incluyendo los medios de comunicación locales y nacionales), la marca de la ciudad y el desarrollo cambian con el tiempo. Esto puede representar tanto un endurecimiento como un ablandamiento y un uso instrumental del arte callejero, como hemos visto, cada vez más utilizado en la marca de la ciudad y en los esfuerzos y estrategias de creación de lugares. Por supuesto, el público ya no es homogéneo, ya que en las grandes ciudades cosmopolitas y en las ciudades históricas se mezclan los turistas y una serie de visitantes de negocios, educación y ocio con los residentes y los trabajadores que se desplazan al trabajo desde muchos países con diferentes posiciones estéticas y morales.
Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):
En ciudades como Sídney, el discurso de la clase creativa y las políticas hacia el arte público también han proporcionado oportunidades para resignificar el grafiti como práctica creativa productiva.
El arte callejero se ha incorporado, por un lado, al canon del arte contemporáneo y al mercado del arte (si es tratado con cautela por los propios grafiteros) y se ha apropiado de él en la publicidad comercial y en los medios de comunicación, y, por otro lado, el grafiti, en su forma básica, sigue habitando el entorno cotidiano de la ciudad como un “ruido” de bajo nivel y una molestia para muchos, así como un lienzo inagotable para sus productores. Un indicio de la llegada del grafiti y del arte callejero y de su envidiable estatus lo proporciona el reconocido artista británico contemporáneo Grayson Perry con motivo del lanzamiento del programa Art Everywhere, que pretende colocar imágenes de obras de arte seleccionadas en más de 30.000 vallas publicitarias y carteles de todo el Reino Unido: dado que el arte callejero estaba en todas partes estos días, era bueno poner el arte de las galerías en las calles – o si no puedes vencerlos, únete a ellos.
Datos verificados por: Whartonford
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Bibliografía
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