Música Hip Hop

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Música Hip Hop

El Hip-hop es un movimiento cultural que alcanzó una gran popularidad en los años 80 y 90; también, la música de acompañamiento del rap, el estilo musical que incorpora un discurso rítmico y/o rimado que se convirtió en la forma de arte más duradera e influyente del movimiento.

Los orígenes y la vieja escuela

Aunque se considera un sinónimo de la música rap, el término hip-hop se refiere a una cultura compleja que comprende cuatro elementos: el deejaying, o “turntabling”; el rap, también conocido como “MCing” o “rhyming”; la pintura de graffiti, también conocida como “graf” o “writing”; y el “B-boying”, que abarca el baile, el estilo y la actitud del hip-hop, junto con el tipo de lenguaje corporal viril que el filósofo Cornel West describió como “semántica postural”. (A veces se añade a la lista de elementos del hip-hop un quinto elemento, “conocimiento del yo/conciencia”, sobre todo por parte de artistas y estudiosos del hip-hop con conciencia social). El hip-hop se originó en la sección del South Bronx de Nueva York, predominantemente afroamericana y económicamente deprimida, a finales de la década de 1970. Como el movimiento hip-hop comenzó en los márgenes de la sociedad, sus orígenes están envueltos en mitos, enigmas y ofuscación.

Los grafitis y el break dance, los aspectos de la cultura que primero llamaron la atención del público, fueron los que tuvieron un efecto menos duradero. Según se dice, el movimiento del grafiti lo inició hacia 1972 un adolescente grecoamericano que firmó, o “etiquetó”, Taki 183 (su nombre y su calle, la 183) en las paredes del metro de Nueva York. Hacia 1975, los jóvenes del Bronx, Queens y Brooklyn entraban en los patios de los trenes al amparo de la oscuridad para pintar con spray coloridos murales con sus nombres, imágenes de cómics y televisión underground, e incluso latas de sopa Campbell al estilo de Andy Warhol en los laterales de los vagones del metro. Pronto, influyentes marchantes de arte de Estados Unidos, Europa y Japón expusieron los grafitis en las principales galerías. La Autoridad Metropolitana de Tránsito de Nueva York respondió con perros, vallas de alambre de púas, baños de ácido para eliminar la pintura y escuadrones policiales encubiertos.

Los inicios de los componentes de baile, rap y deejay del hip-hop estuvieron unidos por el entorno compartido en el que evolucionaron estas formas de arte. El primer pinchadiscos importante del hip-hop fue DJ Kool Herc (Clive Campbell), un inmigrante de 18 años que introdujo los enormes sistemas de sonido de su Jamaica natal en las fiestas del centro de la ciudad. Utilizando dos platos, mezclaba fragmentos de percusión de discos antiguos con canciones populares de baile para crear un flujo continuo de música. Kool Herc y otros deejays pioneros del hip-hop, como Grand Wizard Theodore, Afrika Bambaataa y Grandmaster Flash, aislaron y ampliaron el break beat (la parte de un disco de baile en la que desaparecen todos los sonidos menos la batería), estimulando el baile improvisado. Se desarrollaron concursos en los que los mejores bailarines crearon el break dance, un estilo con un repertorio de movimientos acrobáticos y ocasionalmente aéreos, incluyendo giros de cabeza y backspins que desafían la gravedad.

Mientras tanto, los deejays desarrollaron nuevas técnicas para manipular el plato. El Needle Dropping, creado por Grandmaster Flash, prolongaba las pausas cortas de la batería haciendo sonar dos copias de un disco simultáneamente y moviendo la aguja de un plato hacia atrás hasta el comienzo de la pausa mientras el otro sonaba. Al deslizar el disco hacia adelante y hacia atrás por debajo de la aguja se creaba el efecto rítmico llamado “scratching”.

A Kool Herc se le atribuyó el mérito de ser el padre del rap moderno por sus interjecciones habladas sobre los discos, pero entre la gran variedad de precedentes oratorios citados para el MCing están las historias épicas de los griots de África occidental, las canciones de blues parlantes, los brindis de la cárcel (largos poemas en rima que relatan hechos y fechorías extravagantes) y las docenas (el juego de palabras ritualizado basado en el intercambio de insultos, normalmente sobre miembros de la familia del oponente). Otras influencias citadas son los estilos de anuncio hipster-jive de los deejays de rhythm-and-blues de los años 50, como Jocko Henderson; la poesía del poder negro de Amiri Baraka, Gil Scott-Heron y los Last Poets; las secciones de rap en las grabaciones de Isaac Hayes y George Clinton; y el estilo jamaicano de discurso rítmico conocido como toasting.

El rap adquirió relevancia nacional en Estados Unidos con el lanzamiento de la canción “Rapper’s Delight” (1979) de la Sugarhill Gang en el sello independiente de propiedad afroamericana Sugar Hill. A las pocas semanas de su lanzamiento, se convirtió en un fenómeno de las listas de éxitos y dio nombre a un nuevo género de música pop. Los principales pioneros del rap fueron Grandmaster Flash and the Furious Five, Kurtis Blow y los Cold Crush Brothers, cuyo Grandmaster Caz es considerado por algunos como el verdadero autor de algunas de las letras más fuertes de “Rapper’s Delight”. Estos primeros MCs y deejays constituían la vieja escuela del rap.

La nueva escuela

A mediados de la década de 1980, la siguiente oleada de raperos, la nueva escuela, cobró protagonismo. A la cabeza estaba Run-D.M.C., un trío de afroamericanos de clase media que fusionó el rap con el rock duro, definió un nuevo estilo de vestirse a la moda y se convirtió en un elemento básico a la hora de llevar el rap a un público mayoritario. Run-D.M.C. grabó para Profile, uno de los nuevos sellos que aprovecharon el creciente mercado de la música rap. Def Jam contaba con tres importantes innovadores: LL Cool J, la primera superestrella romántica del rap; los Beastie Boys, un trío blanco que amplió el público del rap y popularizó el sampling digital (componer con música y sonidos extraídos electrónicamente de otras grabaciones); y Public Enemy, que dotó al rap de una ideología política negra radical, basándose en la conciencia social de “The Message” (1982) de Grandmaster Flash and the Furious Five.

El periodo clásico del rap (1979-93) también incluyó importantes contribuciones de De La Soul -cuyo álbum de debut en Tommy Boy, 3 Feet High and Rising (1989), apuntaba en una dirección nueva y más juguetona- y de raperas como Queen Latifah y Salt-n-Pepa, que ofrecieron una alternativa al punto de vista predominantemente masculino y a menudo misógino del rap. Artistas de hip-hop de otros lugares, además de Nueva York, empezaron a dejar su huella, como DJ Jazzy Jeff y The Fresh Prince (Will Smith), de Filadelfia; los provocativos 2 Live Crew, de Miami; y M.C. Hammer, de Oakland (California), que tuvo un éxito efímero pero masivo entre el público pop.

Sin embargo, la respuesta más significativa al hip-hop neoyorquino llegó desde Los Ángeles, a partir de 1989 con el dinámico álbum Straight Outta Compton de N.W.A. N.W.A. (Niggaz With Attitude) y los antiguos miembros de ese grupo -Cubo de Hielo, Eazy E y Dr. Dre- marcaron el camino de la prominencia del rap de la Costa Oeste a principios de la década de 1990. Sus relatos gráficos, a menudo violentos, de la vida real en el centro de la ciudad, así como los de raperos de Los Ángeles como Ice-T (recordado por su single de 1992 “Cop Killer”) y Snoop Dogg y los de sus homólogos de la Costa Este como Schoolly D, dieron lugar al género conocido como gangsta rap. Mientras la discográfica Death Row Records, con sede en Los Ángeles, construía un imperio en torno a Dr. Dre, Snoop Dogg y el carismático y complicado rapero-actor Tupac Shakur, también entró en rivalidad con la neoyorquina Bad Boy Records. Esta rivalidad se convirtió en una hostilidad mediática entre los raperos de la Costa Este y la Costa Oeste, que culminó con los asesinatos aún no resueltos de Shakur y del genial MC conocido como Notorious B.I.G.

A finales de la década de 1990, el hip-hop estaba dominado artísticamente por el Wu-Tang Clan, de la ciudad neoyorquina de Staten Island, cuya combinación de credibilidad callejera, misticismo neoislámico y tradición de kung fu los convirtió en uno de los grupos más complejos de la historia del rap; por Diddy (también conocido por otros nombres, como Sean “Puffy” Combs y Puff Daddy), intérprete, productor y presidente de Bad Boy Records, responsable de una serie de innovadores vídeos musicales; y por los Fugees, que mezclaron ganchos de música pop con política y lanzaron las carreras en solitario de Wyclef Jean y Lauryn Hill.

Aunque durante mucho tiempo se creyó que era popular sobre todo entre los varones afroamericanos de las ciudades, el hip-hop se convirtió en el género musical más vendido en Estados Unidos a finales de la década de 1990 (al menos en parte por alimentar el apetito de algunos blancos de los suburbios por emociones vicarias). Su repercusión fue mundial, con un público y un grupo de artistas formidables en ciudades como París, Tokio, Sydney, Ciudad del Cabo, Londres y Bristol (Inglaterra), donde se originó el trip-hop. También generó enormes ventas de productos en las industrias de la moda, los licores, la electrónica y el automóvil, que fueron popularizados por los artistas del hip-hop en canales (véase qué es, su definición, o concepto, y su significado como “canals” en el contexto anglosajón, en inglés) de televisión por cable como MTV y The Box y en revistas orientadas al hip-hop como The Source y Vibe. El hip-hop, una astuta mezcla de espíritu empresarial y estética, fue la fuente de varias técnicas básicas de la música pop moderna, como la percusión digital y el sampling (que introdujo a los oyentes de rap en la música de una generación anterior de intérpretes, como Chic, Parliament-Funkadelic y James Brown, al tiempo que creaba controversias sobre los derechos de autor).

El hip-hop en el siglo XXI

Con el cambio de siglo, la industria musical entró en crisis, provocada por la llegada de las descargas digitales. El hip-hop se vio perjudicado, al menos tan o más que otros géneros, y sus ventas cayeron a lo largo de la década. Al mismo tiempo, sin embargo, se consolidó como la influencia dominante en la cultura juvenil mundial. Incluso las “boy bands” más populares, como los Backstreet Boys y *NSYNC, se basaban en gran medida en los sonidos y estilos del hip-hop, y el rhythm and blues e incluso el gospel se habían adaptado tan plenamente al nuevo enfoque que estrellas como Mary J. Blige, R. Kelly y Kirk Franklin se movían a caballo entre ambos mundos.

A principios de la década de 2000, el centro creativo del hip-hop se trasladó al sur de Estados Unidos. Tras el éxito de los cada vez más experimentales OutKast y de la cuadrilla de artistas de Nueva Orleans que surgieron de dos compañías discográficas -Cash Money y No Limit Records (fundada y dirigida por Master P)-, los himnos de fiesta basados en cánticos de raperos como Juvenile, 8Ball & MJG y Three 6 Mafia llevaron los sonidos del “Dirty South” a la corriente principal.

Dr. Dre siguió siendo una figura crucial. Su protegido Eminem se convirtió en la mayor estrella del pop del mundo cuando 8 Mile (2002), la película vagamente autobiográfica que protagonizó, obtuvo un enorme éxito popular y de crítica (“Lose Yourself” de Eminem ganó el Oscar a la mejor canción). Junto con Eminem, Dr. Dre apoyó a 50 Cent, nacido en Nueva York, que alcanzó el estatus de multiplatino con Get Rich or Die Tryin’, de 2003. Sin embargo, Dr. Dre permaneció en silencio durante el resto de la década, trabajando en la tecnología de una nueva marca de auriculares, pero sin publicar ningún álbum después de 1999. Eminem, cuyo estatus de forajido se vio cuestionado por su éxito en Hollywood, pareció ir a la deriva durante un tiempo, y el estilo de Los Ángeles ejemplificado por Dr. Dre en los años 90 perdió gran parte de su poder.

Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):

Sin embargo, el legado de Dr. Dre era visible en la medida en que el hip-hop se había convertido en un medio de productores.Entre las Líneas En el siglo XXI, la música, nacida de las creaciones sonoras del deejay, vio sus mayores innovaciones en el trabajo de magos del estudio como Timbaland, Swizz Beatz y los Neptunes. El énfasis en los productores como fuerza creativa y comercial coincidió con la sensación generalizada de que la destreza verbal y la poesía del hip-hop estaban disminuyendo. El género se había convertido realmente en música pop, con todas las presiones resultantes de accesibilidad, y la complejidad y la naturaleza subversiva de los primeros MCs se había desplazado en gran medida a la escena “alternativa”/”underground” encabezada por raperos como Mos Def (más tarde conocido como Yasiin Bey) y Doom (MF Doom). El descontento con el estado del hip-hop mainstream era lo suficientemente común como para que en 2006 Nas publicara un álbum titulado “Hip Hop Is Dead”.

Aun así, siguieron surgiendo grandes estrellas. Muchas de las figuras más importantes siguieron surgiendo del Sur, como T.I. de Atlanta y Lil Wayne de Nueva Orleans. La celebridad del hip-hop iba ahora a menudo acompañada del éxito multimedia, como la floreciente carrera cinematográfica de Ludacris. El género siguió asimilándose a la cultura no musical, y algunas de sus primeras estrellas -LL Cool J, Ice Cube, Queen Latifah, Ice-T- se convirtieron en rostros conocidos del cine y la televisión. Snoop Dogg encabezó festivales de rock junto a Bruce Springsteen. Quizá nadie representó mejor el triunfo cultural del hip-hop que Jay-Z. A medida que su carrera avanzaba, pasó de artista a presidente de una discográfica, jefe de una línea de ropa, propietario de un club y asesor de mercado, y de paso rompió el récord de la revista Billboard de Elvis Presley de mayor número de álbumes número uno de un artista en solitario. El candidato Barack Obama hizo referencias a Jay-Z durante la campaña presidencial de 2008, y en el álbum de 2009 del rapero The Blueprint 3 afirmó ser una “pequeña parte de la razón” de la victoria de Obama.

Kanye West, uno de los productores de Jay-Z, surgió como uno de los personajes más fascinantes y polarizantes del hip-hop tras el éxito de su álbum debut de 2004, The College Dropout. Musicalmente experimental y a la moda, West representaba muchas de las mayores posibilidades del hip-hop con sus letras penetrantes y profundamente personales. Sin embargo, su interminable autopromoción y su aura a menudo arrogante también demostraron algunos de los elementos que ahora ponen a prueba la paciencia de muchos oyentes.

Independientemente de las luchas internas del hip-hop, la repercusión mundial (o global) de la música no dejó de crecer. Es posible que ningún artista haya personificado mejor el hip-hop en el siglo XXI que M.I.A. Nacida en Londres, criada en la Sri Lanka natal de su familia y formada como diseñadora gráfica, M.I.A. escribió letras políticamente radicales ambientadas en temas musicales que se nutrían de fuentes muy diversas de todo el mundo. Su álbum Kala no sólo fue nombrado el mejor de 2007 por la revista Rolling Stone, sino que M.I.A. también fue incluida en la lista de las “100 personas más influyentes” de la revista Time, lo que demuestra el alcance y el poder de una música nacida décadas antes en patios de recreo llenos de basura.

Datos verificados por: Brite

Recursos

Traducción al Inglés

Traducción al inglés de Música hip hop: Hip hop music.

Véase También

El hip hop y la injusticia social
La homofobia en la cultura del hip hop
Lista de festivales de hip hop
Lista de géneros de hip hop
Lista de músicos de hip hop asesinados
Misoginia en la música rap
Historia cultural afroamericana
Improvisación musical
Formatos radiofónicos

Bibliografía

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