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Nota: puede interesar también el análisis de la Historia de la Música en los Años 60.
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Los siglos XVII y XVIII fueron un período de vigoroso progreso en la música. Se había elaborado el instrumento intelectual; se establecieron las escalas mayores y menores con su sucesión fija de notas, su adaptabilidad de modulación y sus posibilidades de color armónico. Era posible definir claramente una intención musical, regular la cooperación de diversos instrumentos con gran exactitud. Y las condiciones sociales, el crecimiento de las ciudades, las Cortes, las casas de campo, añadían nuevos campos de posibilidades musicales a la gama más antigua de los coros de las iglesias. Las mascaradas y los desfiles habían sido populares en el siglo XVI; daban oportunidades para la música elaborada; y con el XVII llegó un gran desarrollo a las óperas y los oratorios.
Las “Nuove Musiche”
En Italia aparecieron las “Nuove Musiche”. Lully (1635-1687) es el más importante históricamente, no sólo por el poder dramático de su melodía sino por la estrecha precisión de su declamación. A su lado se encuentra el italiano Monteverde. La música comenzó a funcionar a gran escala en este periodo.
Las misas del siglo XVI
Las misas del siglo XVI fueron escritas para el coro de la iglesia, los madrigales del siglo XVI para una fiesta de amigos alrededor de la mesa de la cena; sólo hacia su final los laudistas y los virginalistas comienzan a introducir en el arte ejecutivo la concepción del virtuoso. La gran mejora en la construcción de órganos trajo consigo una sucesión de grandes intérpretes: Bull y Philips los ingleses, Sweelinck el holandés, Frescobaldi en Roma, Froberger en Viena, Buxtehude en Liibeck, a quien Bach viajó a pie para escuchar. Junto con esto va el desarrollo de la música virginal. No menos trascendental fue la llegada, y la tardía aceptación, del violín y su familia. Desde Tieffenbriicker y los Amatis, en la primera mitad del siglo XVI, tardó casi cien años en ganarse el favor del público; en 1676, Mace, el laudista, todavía se quejaba de los “violines escandalosos” y lamentaba el tono más tranquilo y uniforme de su antepasado, la viola.Si, Pero: Pero su mayor alcance, su mayor agilidad y su poder de expresión más conmovedor se hicieron sentir a la larga.Entre las Líneas En Italia, su hogar natural, aunque se sostenía y tocaba torpemente, llegó a ser reconocido como el único instrumento que podía rivalizar con la voz humana.
La ópera italiana
Durante un tiempo, nos dicen, la exhibición y adoración del vocalista en la ópera italiana retrasó el desarrollo musical; los cantantes del siglo XVII, y especialmente los sopranos masculinos, tuvieron una fama casi tan vulgar y terrible como la de la estrella de cine moderna, y sin embargo, el período produjo la abundante y hermosa música de Alessandro Scarlatti (1659-1725), el precursor de Mozart.Entre las Líneas En Inglaterra se produjo un gran estallido de actividad musical tras una fase de quietud durante el Commonweal, que culminó con Purcell (1658-1695).Entre las Líneas En Alemania, las pequeñas cortes y las bandas de música de los pueblos proporcionaron innumerables centros de estimulación musical, y en 1685 nacieron en Sajonia J. S. Bach y Händel, que llevaron a la música alemana a un nivel de supremacía que mantuvo durante siglo y medio. De todos los compositores, antes del periodo vienés son los más relacionados con nuestros días, sus voces suenan en nuestros oídos con los acentos más familiares.
Compositores
Palestrina, que marcó una culminación anterior en la música, es en comparación, un ser en un mundo diferente (examine más sobre todos estos aspectos en la presente plataforma online de ciencias sociales y humanidades). Fue el maestro supremo de la música coral antes de los días de los logros instrumentales. Tras los nombres de Bach y Haendel vinieron otros en una constelación; Haydn (1732-1809), Mozart (1756-1791), Beethoven (1770-1827), destacan entre las estrellas más brillantes. La gran corriente de la música moderna fluía ahora de forma amplia y profunda. Y todavía fluye.
Aquí no podemos más que nombrar a los compositores y más adelante dar, en un breve párrafo más o menos, algunas generalizaciones compactas sobre la música del siglo XIX y de nuestros días.Entre las Líneas En el momento de su creación, esta música de los siglos XVII y XVIII era el privilegio de un pequeño mundo cultivado: la gente de las cortes, la gente de las ciudades provinciales y de las casas de campo que podían organizar representaciones, la gente de las ciudades lo suficientemente grandes como para tener teatros de ópera y salas de concierto.
Decadencia del Canto Popular
El campesino y el obrero de Europa occidental tenían cada vez menos música en los siglos XVII y XVIII mientras se desarrollaban estas nuevas formas.
El canto popular había decaído y parecía que iba a ser olvidado. Unas pocas canciones populares, unos pocos himnos, era toda la vida musical que le quedaba a la generalidad de la gente. Los resurgimientos religiosos de aquellos días probablemente debían algo de su ímpetu a la liberación del impulso cantado reprimido. Sólo hoy, con el gran desarrollo de los métodos mecánicos de reproducción musical, la música, modernizada, evolucionada y exaltada, vuelve a la vida común, y Bach y Beethoven pasan a formar parte de la cultura general de la humanidad.
Reflejo de las condiciones sociales de la época
La pintura y la arquitectura de este periodo, al igual que su música, reflejan las condiciones sociales de la época. Es una época de fragmentación de las ideas y del poder, y las consideraciones sobre el objeto y la dignidad ya no dominan el arte pictórico. Los temas religiosos quedan relegados a un lugar secundario y, cuando se tratan, lo hacen como incidentes de una narración y no como grandes hechos espectaculares. La alegoría y las figuras simbólicas disminuyen. El pintor pinta por la visión y no por la idea ni el hecho. El cuadro de la realidad sustituye al cuadro heroico o devocional, al igual que la novela sustituye a la epopeya y al romance fantástico. Los dos maestros supremos de la pintura del siglo XVII son Velásquez (1599-1660) y Rembrandt (1606-1669). Para ellos parece que toda la vida es igual, excepto en la medida en que les da más o menos margen para la realización de la belleza, en la atmósfera, en la luz, en la sustancia. Velásquez, en la decadente Corte de España, pintó a papas y reyes sin halagos, y a enanos y tullidos sin desprecio. El dibujo minucioso, analítico y documental de los objetos da paso en la obra de estos, los primeros modernos, a una amplia representación del efecto, a una concentración en la unidad de la impresión a costa de todas las consideraciones secundarias.
Hasta entonces, en la vida más centralizada del pasado, el cuadro había sido un testigo, una exhortación, un halago, un adorno; ahora, en muchos casos, se convirtió en una cosa en sí misma, que existe por sí misma. Los cuadros se colgaban como cuadros, se coleccionaban en galerías. El paisaje se desarrolló vigorosamente, también la pintura de género. El desnudo se pintó de forma agradable y excitante, y en Francia Watteau, Fragonard y otros deleitaron y halagaron a los caballeros con una delicada apoteosis de los hechos de la vida en el campo. Uno se da cuenta en estas cosas de la evidencia de una comunidad creciente de gente segura, próspera y de espíritu bastante fino, que aprecia la vida y está un poco desligada de sus magnificencias o de sus sufrimientos.
El período isabelino en Inglaterra no tenía entusiasmos plásticos que se correspondieran con sus actividades literarias y musicales. Importó a sus pintores y arquitectos.Si, Pero: Pero en los siglos XVII y XVIII la acumulación de riqueza y prosperidad de lo que hasta entonces había sido un país muy marginal en la civilización europea creó condiciones favorables al esfuerzo artístico, y en el siglo XVIII pintores ingleses como Reynolds (1723-1792), Gainsborough (1727-1788) y Romney podían desafiar la comparación con cualquier esfuerzo contemporáneo.
Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):
Los estudios clásicos en las escuelas de Europa
Este periodo de las monarquías (véase más) y los caballeros fue también extremadamente favorable al desarrollo de ciertos tipos de arquitectura. Los procesos que ya estaban activos en el siglo XVI se desarrollaban ahora con mayor vigor. Los monarcas construyen y reconstruyen palacios por doquier, y los nobles y la nobleza derriban sus castillos y los sustituyen por bellas casas.
La casa de la ciudad se concebía a una escala más amplia. La arquitectura eclesiástica había decaído; el esfuerzo municipal era relativamente menos importante: es el gran individuo próspero en esto como en todas las cosas quien marca la clave del período.Entre las Líneas En Inglaterra, el incendio de gran parte de Londres en el Gran Incendio de 1666 dio una oportunidad especial a Sir Christopher Wren, y su Catedral de San Pablo y sus iglesias de Londres marcan una fase culminante en la historia de la arquitectura británica. Envió dibujos a América para varias casas de campo erigidas allí, y su peculiar genio se imprimió también en los primeros diseños americanos. Inigo Jones fue la segunda gran figura entre los arquitectos ingleses de principios del siglo XVII, y su Salón de Banquetes -que iba a formar parte de un palacio inacabado en Whitehall- hace que su obra resulte familiar a todos los visitantes de Londres. Estos dos hombres, y de hecho todos los arquitectos ingleses, franceses y alemanes de esta época, trabajaban sobre las líneas aún vivas y en desarrollo del Renacimiento italiano, y muchos de los mejores edificios de estos países eran obra de italianos.
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Poco a poco, a medida que el siglo XVIII se acercaba a su fin, el desarrollo libre y natural de la arquitectura renacentista se vio frenado por una ola de pedantería clásica. La coagulación gradual de los estudios clásicos en las escuelas de Europa Occidental tuvo su correlato en una creciente tendencia a imitar los modelos griegos y romanos. Lo que antes había sido un estimulante se convertía ahora en una droga mental tradicional y estupefaciente. Bancos, iglesias, museos, se vestían de templos atenienses, e incluso las terrazas de usos se sometían a la columnata.Si, Pero: Pero los peores excesos de esta tendencia al aturdimiento se dieron en el siglo XIX y más allá de los límites del período actual de Sur.
Traducción al inglés de Música clásica: Classical music
Véase También
Bibliografía
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Música Pop: Históricamente, la música pop o popular era cualquier forma no folclórica que adquiría popularidad masiva -desde las canciones de los juglares y trovadores medievales hasta aquellos elementos de la música artística originalmente destinados a un público reducido y elitista, pero que se hicieron ampliamente populares. Después de la Revolución Industrial, la verdadera música folclórica desapareció en gran medida, y la música popular de la época victoriana y de principios del siglo XX fue la del music-hall y el vodevil. Los estilos de música popular tendieron a desplazarse hacia el oeste de Europa y a Estados Unidos hasta principios del siglo XX, cuando nuevas formas americanas como el ragtime y la comedia musical de Broadway encontraron un público dispuesto en Gran Bretaña y en el continente. Desde entonces, la música popular occidental ha estado dominada por la evolución en Estados Unidos y, en el siglo XXI, por la producida también en Asia, especialmente en Corea (denominada K-pop). Véase también: Entradas Vitales, Estudios Musicales, Mu.
Música Hip Hop: A principios de la década de 2000, el centro creativo del hip-hop se trasladó al sur de Estados Unidos. El legado de Dr. Dre era visible en la medida en que el hip-hop se había convertido en un medio de productores. En el siglo XXI, la música, nacida de las creaciones sonoras del deejay, vio sus mayores innovaciones en el trabajo de magos del estudio como Timbaland, Swizz Beatz y los Neptunes. El énfasis en los productores como fuerza creativa y comercial coincidió con la sensación generalizada de que la destreza verbal y la poesía del hip-hop estaban disminuyendo. El género se había convertido realmente en música pop, con todas las presiones resultantes de accesibilidad, y la complejidad y la naturaleza subversiva de los primeros MCs se había desplazado en gran medida a la escena "alternativa"/"underground". Muchas de las figuras más importantes siguieron surgiendo del Sur de Estados Unidos La celebridad del hip-hop iba ahora a menudo acompañada del éxito multimedia. El género siguió asimilándose a la cultura no musical, y algunas de sus primeras estrellas se convirtieron en rostros conocidos del cine y la televisión. Snoop Dogg encabezó festivales de rock junto a Bruce Springsteen. Quizá nadie representó mejor el triunfo cultural del hip-hop que Jay-Z. A medida que su carrera avanzaba, pasó de artista a presidente de una discográfica, jefe de una línea de ropa, propietario de un club y asesor de mercado, y de paso rompió el récord de la revista Billboard de Elvis Presley de mayor número de álbumes número uno de un artista en solitario. Independientemente de las luchas internas del hip-hop, la repercusión mundial (o global) de la música no dejó de crecer. La carrera de algunas estrellas de esta música demuestra el alcance y el poder de una música nacida décadas antes en patios de recreo llenos de basura. Véase también: Entradas Vitales, Estudios Musicales, Mu.
Video: En el siglo XXI, a medida que disminuía la importancia de la emisión en MTV y que cada vez más gente veía vídeos musicales en Internet (por ejemplo, en YouTube y MySpace) y en las pantallas más pequeñas de los dispositivos móviles (por ejemplo, reproductores de MP3 y teléfonos celulares), el enfoque adoptado por muchos creadores de vídeos musicales empezó a cambiar. Las imágenes empleadas se volvieron menos complicadas y menos densas, aunque no menos llamativas, y el "encuadre central", que sitúa las imágenes en el centro de la pantalla, se convirtió en la norma. La flexibilidad del medio y la facilidad e inmediatez de la tecnología del vídeo atrajeron a una amplia gama de artistas: cineastas experimentales, fotógrafos, artistas de la performance, artistas conceptuales, artistas del sonido y del proceso, y otros. En los años ochenta y noventa empezaron a aparecer valores de producción más altos y una intersección más estrecha con las estrategias de instalación en las obras. Véase también: Entradas Vitales, Estudios Musicales.
Union Acts: Union Acts, leyes que cimentaron la unión de Inglaterra con Gales (1536), Inglaterra y Gales con Escocia (1707), Gran Bretaña con Irlanda (1800), y las provincias británicas del Alto Canadá (hoy Ontario) y el Bajo Canadá (hoy Quebec, 1840) en América del Norte. 2. UNION ACT DE 1536 Fue [...] Véase también: Siglo Xvii, Siglo Xviii.
Trece Colonias Inglesas en América: Este texto se ocupa de describir cómo se formaron las Trece colonias inglesas en América, y el proceso a su independencia de Inglaterra. El rey Jorge III, que había comenzado su reinado en 1760, estaba decidido a ser mucho más rey que sus dos predecesores alemanes. Sabía hablar inglés; pretendía "gloriarse en nombre de los británicos", y, de hecho, no es un mal nombre para un hombre con apenas un rastro de sangre inglesa, galesa o escocesa en sus venas. En las colonias americanas y en las posesiones de ultramar en general, con sus estatutos indefinidos o sin ellos, le parecía que la corona podía reclamar autoridad y obtener recursos y poderes que le eran absolutamente negados por la fuerte y celosa aristocracia de Gran Bretaña. Esto inclinó a muchos de los nobles whigs a una simpatía con los colonos que de otro modo no habrían mostrado. No tenían ninguna objeción a la explotación de las colonias en interés de la "empresa privada" británica, pero sí tenían fuertes objeciones al fortalecimiento de la corona mediante esa explotación para hacerla actualmente independiente de ellos. La guerra que estalló no fue, por tanto, en realidad una guerra entre Gran Bretaña y los colonos, sino una guerra entre el gobierno británico y los colonos, con un cuerpo de nobles whigs y una cantidad considerable de sentimiento público en Inglaterra del lado de estos últimos. Una de las primeras medidas tomadas después de 1763 fue un intento de recaudar ingresos para Gran Bretaña en las colonias exigiendo que los periódicos y documentos de diversa índole fueran sellados. La corona británica se sintió intimidada y las Leyes del Timbre fueron revocadas (1766). Su derogación fue recibida con un júbilo desenfrenado en Londres. Más efusivos incluso que los de las colonias. Pero el asunto de la Ley del Timbre era sólo un remolino en una corriente turbulenta que fluía hacia la guerra civil. Con una veintena de pretextos, y a lo largo de toda la costa, los representantes del gobierno británico estaban ocupados en afirmar su autoridad y hacer intolerable el gobierno británico. Véase también: Siglo Xvii, Siglo Xviii.
Teatro: Esta entrada sobre el Teatro describe la estructura y otros procesos organizacionales como teatro. La teoría institucional, una adición bastante reciente a la literatura de administración, se basa en ideas de teorías dramatúrgicas anteriores. La teoría institucional ha sido criticada por centrarse más en por qué las organizaciones no cambian que en cómo lo hacen y por atender a por qué las organizaciones son irracionales en lugar de cómo podrían llegar a ser más eficaces. Pero las ideas proporcionan un contrapeso a los puntos de vista tradicionales de las organizaciones como sistemas cerrados y racionales. En tales puntos de vista, las demandas funcionales dan forma a la arquitectura social. Las actividades de las personas en las organizaciones sirven como guiones y marcas escénicas para las oportunidades de autoexpresión, la improvisación para airear las quejas y los anfiteatros para negociar nuevos entendimientos. La entrada sobre el teatro como modelo y ejemplo de cambio organizativo en las organizaciones ilustra además cómo estas formas figurativas alteran el contexto de las reuniones, la planificación, las evaluaciones de la actuación profesional, la negociación colectiva, el ejercicio del poder y la gestión simbólica. A principios del siglo XXI, el dinero privado compensó la disminución de las subvenciones públicas tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña. El patrocinio de las empresas se hizo cada vez más importante a la hora de suscribir compañías de teatro y espectáculos específicos. Este tipo de financiación solía favorecer a los teatros de gran presupuesto y a las compañías consolidadas (en particular la ópera, el ballet y los teatros regionales) con fuertes vínculos con las comunidades filantrópicas y empresariales locales. Las compañías de nueva creación o más pequeñas tenían menos probabilidades de sostenerse gracias al patrocinio empresarial; esta financiación también solía ser considerada un anatema por las compañías comprometidas con la crítica política. Véase también: Artes Escénicas, Entradas Vitales.
Siglo de las Luces: Aspectos Jurídicos y/o Políticos de Siglo de las Luces Siglo de las Luces en relación con la Filosofía Siglo de las Luces o Ilustración, término utilizado para describir las tendencias en el pensamiento y la literatura en Europa y en toda América durante el siglo XVIII previas a la Revolución [...] Véase también: Entradas Vitales, Siglo Xviii.
Revolución de los Claveles: Esta entrada examina un período, portugués, de la historia del siglo XX. Aparte del estudio breve de las dictaduras de ese siglo, se examina la transición democrática (incluyendo la inevitable descolonización del imperio portugués, la institucionalización de la revolución, y el pluralismo democrático y estabilidad de las instituciones) y el Portugal europeo (incluyendo el desafío europeo y el cambio democrático, así como la crisis económica y austeridad ). Véase también: Siglo Xvii, Siglo Xviii.
Renacimiento Italiano: Las excavaciones realizadas en Génova por arqueólogos italianos y británicos a partir del decenio de 1960 fueron especialmente influyentes en la promoción del estudio del período posmedieval. La publicación de la arqueología urbana posmedieval también está empezando a ser más común, al menos en algunas regiones. La arqueología urbana también desempeñó un papel importante en el fomento del estudio de la cerámica cotidiana. No es sorprendente que el estudio del Renacimiento y la cultura urbana en general haya sido un importante foco de estudio para los historiadores italianos y extranjeros que han generado una enorme literatura. La arquitectura, las fortificaciones, los jardines, la cerámica y el vidrio han sido estudiados como parte de la historia del Renacimiento. Entre las tendencias recientes de la historia del arte y la cultura de importancia para la arqueología figura la nueva atención que se presta a los contextos sociales y políticos del arte, los estudios sobre el hogar y el consumo y las redes internacionales de intercambio cultural. Véase también: Entradas Vitales, Siglo Xvii.
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