Teatro Musical

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Teatro Musical

El teatro musical americano contemporáneo es un género muy diverso que abarca una variedad de estilos. Desde las operetas tradicionales y las comedias musicales de compositores como Sigmund Romberg y George Gershwin a principios del siglo XX, pasando por las obras dramáticas de mediados del siglo XX de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II y sus contemporáneos, hasta los espectáculos que amplían los límites del género de creadores como Stephen Sondheim y Andrew Lloyd Webber, el musical ha sido inmensamente popular entre el público en todo el mundo durante más de cien años. Una obra en la que la música y el drama se combinan de varias maneras, el musical de Broadway añade la danza, el vestuario, los decorados, la orquestación y el estilo musical a la dualidad básica de la música y el drama para crear una contribución singular tanto a la cultura popular americana como a la mundial.

Las obras musicales para el escenario aparecieron en los Estados Unidos antes del siglo XX, estableciendo así importantes precedentes para el musical de Broadway. Los géneros, todos los cuales podían considerarse de alguna manera entretenimiento popular, incluían la ópera al estilo europeo, la ópera balada, los espectáculos de juglares, el burlesco, los espectáculos de variedades, las extravagancias, las pantomimas, los melodramas y el vodevil. Entre los primeros musicales de Broadway especialmente importantes está The Black Crook (1866). Este espectáculo fue significativo por dos razones: estableció a la ciudad de Nueva York como un centro de teatro musical; y se representó en 475 actuaciones, instituyendo un objetivo definitorio del exitoso musical de Broadway: una larga carrera comercial.

LOS MUSICALES DE PRINCIPIOS DEL SIGLO XX
Durante el primer tercio del siglo XX, tres tipos distintos de teatro musical coexistieron en los escenarios de Broadway: la revista, la comedia musical y la opereta. La revista era un género basado en la interpretación que incluía sketches cómicos y canciones, a menudo sobre un tema central. Las Ziegfeld Follies, los Passing Shows de Shubert, los Scandals de George White y las Music Box Revues de Irving Berlin se encontraban entre las series de revistas más populares. Entre los compositores más importantes para las revistas estaban Irving Berlin y George Gershwin (examine más sobre todos estos aspectos en la presente plataforma online de ciencias sociales y humanidades). Fanny Brice, Marilyn Miller, Will Rogers y Al Jolson fueron sólo algunas de las estrellas cuya fama se estableció en el género.

La comedia musical era similar a la revista pero incluía una trama dramática. Estas producciones presentaban personajes cotidianos en situaciones cotidianas, aunque cómicas. El énfasis estaba puesto en los números musicales individuales y en los intérpretes estrella. George M. Cohan, Jerome Kern, Gershwin, Vincent Youmans, Cole Porter, y el equipo de colaboración de Richard Rodgers y Lorenz Hart fueron importantes contribuyentes al género. Entre los espectáculos más importantes de Gershwin estaban Lady, Be Good! (1924), Oh, Kay! (1926), y Girl Crazy (1930). Estas obras, junto con No, No, Nanette (1925) de Youmans, Anything Goes (1934) de Porter, y A Connecticut Yankee (1927) de Rodgers y Hart, Babes in Arms (1937) y Pal Joey (1940), definieron virtualmente la comedia musical. Ethel Merman, Fred y Adele Astaire, y Gertrude Lawrence fueron sólo tres de las muchas estrellas asociadas con el género.

El tercer estilo de teatro musical, la opereta, consistía en obras que estaban ambientadas en un tiempo y lugar distintos del presente. El género estaba dominado por toda la partitura musical, más que por números musicales individuales e intérpretes estrella. Sigmund Romberg y Rudolf Friml fueron los principales compositores de opereta durante la década de 1920. El Príncipe estudiante de Romberg (1924), La canción del desierto (1926) y La luna nueva (1928); y La rosa María de Friml (1924) y Los tres mosqueteros (1928) estaban entre los espectáculos más populares de Broadway de la época. Después de la caída de la bolsa de 1929, la opereta perdió generalmente el favor del público en los años 30, que prefirió la comedia musical descarada a la opereta sentimental. Preferían la risa a las lágrimas.

EL MUSICAL MODERNO
La era del musical moderno comenzó con Show Boat (1927, música de Kern, libro y letra de Hammerstein).Entre las Líneas En este trabajo seminal, el desarrollo de personajes y la trama dramática tuvieron prioridad sobre la música y los intérpretes. La música, por magnífica que fuera, estaba destinada a servir a la trama. Canciones como “Ol’ Man River”, “Can’t Help Lovin’ Dat Man” y “You Are Love” eran parte integral de la historia de Show Boat; no eran mera decoración o entretenimiento.Entre las Líneas En su trama los creadores de Show Boat abordaron temas serios como la intolerancia racial, el alcoholismo y la deserción. (Tal vez sea de interés más investigación sobre el concepto). El teatro musical ya no era sólo el dominio de la efervescente comedia musical y la revista y opereta romántica.

▷ En este Día de 10 Mayo (1872): Las Mujeres, hacia el Poder

Este día de 1872, la reformista estadounidense Victoria Woodhull se convirtió en la primera mujer candidata a la presidencia cuando el Partido por la Igualdad de Derechos la eligió como candidata. (En 2020, Kamala Harris fue también candidata por el partido demócrata, y se convirtió en la primera mujer vicepresidenta de Estados Unidos). Exactamente 122 años después, Nelson Mandela toma posesión como Presidente de Sudáfrica. A pesar de sus inicios violentos, sus esfuerzos por acabar con el apartheid le llevaron a la cárcel (1962-90) le valieron una parte (con F.W. de Klerk) del Premio Nobel de la Paz de 1993, y se convirtió en presidente de Sudáfrica este día de 1994. Sobre el apartheid, véase su definición, el apartheid en Sudáfrica y la Convención Internacional sobre la Represión y el Castigo del Crimen de Apartheid, adoptada en Nueva York el 30 de noviembre de 1973.

El musical “maduro”, en el que la música y la letra se integraban en la trama, continuó en la obra de Rodgers y Hammerstein. Su histórica colaboración comenzó con Oklahoma! (1943) y terminó con The Sound of Music (1959). Sus nueve espectáculos incluyeron Carousel (1945), South Pacific (1949), y The King and I (1951). Rodgers y Hammerstein usaron la canción como medio para definir un personaje. Números como “Oh, What a Beautiful Morning” de Oklahoma, “Soliloquio” de Carousel, “Wonderful Guy” de South Pacific, y “Something Wonderful” de The King and I humanizaron y personalizaron a los personajes que los cantaban de una manera que no tenía precedentes en el musical de Broadway. Estas canciones revelaban las emociones y situaciones de los personajes más que las del compositor.

Rodgers y Hammerstein fueron a menudo criticados por ser “sermoneadores” en sus espectáculos.Entre las Líneas En su trabajo abordaban graves preocupaciones sociales, como los prejuicios raciales, el papel de los niños en la sociedad y la victoria del bien sobre el mal en la guerra.

Observación

Además de hacer hincapié en el contenido dramático, el equipo estableció una forma para el musical: un primer acto largo, que culminaba en un clímax dramático, seguido de un segundo acto mucho más corto en el que el conflicto dramático se resolvía lo más rápidamente posible.

Entre los contemporáneos de Rodgers y Hammerstein que adoptaron su enfoque básico del musical se encontraban Alan Jay Lerner y Frederick Loewe, que escribieron Brigadoon (1947), My Fair Lady (1956) y Camelot (1960); y Frank Loesser, que creó Guys and Dolls (1950), The Most Happy Fella (1956) y How to Succeed in Business without Really Trying (1961). Otros espectáculos populares de mediados del siglo XX que siguieron el plan general establecido por Rodgers y Hammerstein incluyeron Finian’s Rainbow (1947, música de Burton Lane, letra de E. Y. Harburg), Kiss Me, Kate (1948, música y letra de Cole Porter), Damn Yankees (1955, música y letra de Richard Adler y Jerry Ross), West Side Story (1957, música de Leonard Bernstein, letra de Stephen Sondheim), The Music Man (1957, música y letra de Meredith Willson), Gypsy (1959, música de Jule Styne, letra de Sondheim), Hello, Dolly! (1964, música y letra de Jerry Herman), El violinista en el tejado (1964, música de Jerry Bock, letra de Sheldon Harnick), y El hombre de La Mancha (1965, música de Mitch Leigh, letra de Joe Darion). Los creadores de estos espectáculos tomaron el modelo de Rodgers y Hammerstein y lo expandieron de varias maneras. William Shakespeare fue la inspiración para Kiss Me, Kate (un espectáculo que incorporaba La fierecilla domada) y West Side Story (una transformación de Romeo y Julieta), mientras que su contemporáneo español, Cervantes, apareció en realidad como un personaje en El hombre de La Mancha. El mito y la leyenda se materializaron en el escenario en Brigadoon, Camelot y el Arco Iris de Finian.

A mediados del siglo XX se produjeron un número significativo de estrellas del teatro musical. Entre las más famosas se encontraban Julie Andrews, Carol Channing, Mary Martin, Ethel Merman, Chita Rivera y Gwen Verdon.

Detalles

Las estrellas masculinas incluyeron a Alfred Drake, Zero Mostel, Robert Preston y John Raitt. Ocasionalmente, las estrellas masculinas de Broadway eran verdaderos cantantes de ópera, como en los casos de Ezio Pinza y Robert Weede.

TEATRO MUSICAL CONTEMPORÁNEO
Durante el último tercio del siglo XX, los creadores de la escena de Broadway hicieron intentos de expandir los límites del teatro musical de varias maneras. El concepto musical, desarrollado por Sondheim en obras como Company (1970) y Follies (1971), era un tipo de espectáculo en el que la trama narrativa en el sentido tradicional no existía. El compositor Marvin Hamlisch, el letrista Edward Kleban y el director y coreógrafo Michael Bennett eligieron este enfoque para A Chorus Line (1975), un espectáculo en el que cada persona que hace una audición para una línea de coro cuenta la historia de su vida. John Kander y Fred Ebb también utilizaron el principio general del concepto musical en Cabaret (1966) y Chicago (1975).Entre las Líneas En estos espectáculos, el dúo utilizaba las canciones para comentar el desarrollo de la trama en lugar de presentar la narración de manera puramente lineal. Cabaret presentó la canción “Willkommen” (originalmente interpretada por Joel Grey), y el número de apertura de Chicago fue “All That Jazz” (originalmente interpretado por Gwen Verdon).

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Entre los musicales que han evitado el estilo lírico tradicional de la canción de Broadway y lo han sustituido por números de rock se encuentran Hair (1968, música de Galt MacDermot), Godspell (1971, música y letra de Stephen Schwartz), Jesus Christ Superstar (1971, música de Andrew Lloyd Webber, letra de Tim Rice), The Who’s Tommy (1993), y Rent (1996, música, letra y libro de Jonathan Larson). Esta tendencia ha continuado con espectáculos como Spring Awakening (2006, música de Duncan Sheik, letra de Steven Sater), Bloody Bloody Andrew Jackson (2010, música y letra de Michael Friedman, libro de Alex Timbers), y Spider-Man: Turn Off the Dark (2011, música de The Edge y Bono de la banda U2). Las partituras inspiradas en el rock se han vuelto cada vez más comunes en el teatro musical.

Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2024 o antes, y el futuro de esta cuestión):

Los musicales de catálogo, o los musicales de rocola -aquellos que presentan la música de un compositor o intérprete en particular- son otro tipo de musical de Broadway que no incluye la música típica de Broadway. Algunos espectáculos basados en esta fórmula son Ain’t Misbehavin’ (1978, basado en Fats Waller), Sophisticated Ladies (1981, basado en Duke Ellington), Five Guys Named Moe (1992, basado en Louis Jordan) y Jelly’s Last Jam (1992, basado en Jelly Roll Morton). La popularidad de este enfoque aumentó a principios de la década de 2000 con espectáculos como Mamma Mia! (2001, con canciones de ABBA), Jersey Boys (2005, contando la historia de Frankie Valli y las Cuatro Estaciones), y American Idiot (2010, música de Green Day).

INSPIRACIONES MUSICALES
Desde la década de 1970, los compositores han seguido escribiendo espectáculos de estilo tradicional, pero se han inspirado en una serie de fuentes. Annie (1977, música de Charles Strouse, letra de Martin Charnin) fue adaptada de historias de cómics. El mundo de los espías del decenio de 1940 se adaptó para “City of Angels” (1989, música de Cy Coleman, letra de David Zippel); una isla del Caribe sirvió de inspiración para “Once on This Island” (1990, música de Stephen Flaherty, letra de Lynn Ahrens); y el circo proporcionó el telón de fondo de Barnum (1980, música de Cy Coleman, letra de Michael Stewart). La literatura se musicalizó en los casos de Big River (1985, música y letra de Roger Miller), basado en Las aventuras de Huckleberry Finn de Mark Twain; The Secret Garden (1991, música de Lucy Simon, libro y letra de Marsha Norman), basado en la novela de Frances Hodgson Burnett; Ragtime (1998, música de Flaherty, letra de Ahrens), basado en la novela de E. L. Doctorow; y Wicked (2003, música y letra de Stephen Schwartz, libro de Winnie Holzman), basada en la imaginativa reelaboración de los personajes del mago de Oz de L (examine más sobre todos estos aspectos en la presente plataforma online de ciencias sociales y humanidades). Frank Baum.

El cine se ha convertido en una importante fuente de obras de teatro musical contemporáneo. Entre los musicales basados en películas se encuentran 42nd Street (1980, música de Harry Warren, letra de Al Dubin), The Goodbye Girl (1993, música de Marvin Hamlisch), Sunset Boulevard (1994, música de Andrew Lloyd Webber, letra de Don Black y Christopher Hampton) y Passion (1994, música y letra de Stephen Sondheim).

Puntualización

Sin embargo, tal vez los espectáculos más significativos en este género sean las producciones de Disney de La Bella y la Bestia (1994, música de Alan Menken, letra de Howard Ashman y Tim Rice) y El Rey León (1997, canciones de Elton John y Tim Rice).

Los géneros anteriores también han reaparecido en Broadway, ya sea a través de obras originales o de reestrenos de buena fe. La revista se reafirmó en Cats (1982, música de Andrew Lloyd Webber, letra basada en poemas de T. S. Eliot) y The Will Rogers Follies (1991, música de Cy Coleman, letra de Betty Comden y Adolph Green). Entre los renacimientos importantes de los años noventa cabe mencionar Guys and Dolls (1992), Show Boat (1994), Carousel (1994), Damn Yankees (1994), How to Succeed in Business without Really Trying (1995), The King and I (1996), A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1996) y Chicago (1996). Los renacimientos han llegado a ser tan importantes en Broadway que los premios Tony ahora incluyen la categoría de Mejor Renacimiento.

Muchas de estas nuevas producciones de obras clásicas se describen mejor como “revisals”, ya que difieren sustancialmente de los originales. Algunas presentan enfoques innovadores, como el director británico John Doyle, que exige que los cantantes también toquen instrumentos, como en sus versiones de Sondheim’s Sweeney Todd (2005) y Company (2006), mientras que otras muestran a actores conocidos en un esfuerzo por generar público y, por tanto, ingresos.

EVOLUCIÓN DEL MUSICAL
Otros cambios en el concepto general del musical de Broadway tuvieron lugar durante las últimas décadas del siglo XX. El principal de ellos fue un movimiento hacia un musical totalmente cantado. El drama ya no iba a estar exclusivamente en el dominio del lenguaje hablado. La trama podía avanzar en gran medida a través de la música, como en la ópera. Aunque espectáculos como “El tipo más feliz” fueron pioneros en este enfoque, se convirtió en algo mucho más corriente en obras como “Evita” de Lloyd Webber y “Sweeney Todd: El barbero demoníaco de Fleet Street” de Sondheim (1979).

Cuando el musical “Sung-through” (o casi) se impregnó de decorados espectaculares, efectos escénicos y vestuario, surgió el llamado mega-musical. Estos espectáculos están destinados a deslumbrar a la audiencia con efectos visuales que igualan, o incluso superan, a los auditivos. La teatralidad es primordial. Espectáculos como Cats, Les Misérables (1987, música de Claude-Michel Schönberg, letra de Alain Boublil y Herbert Kretzmer); El Fantasma de la Ópera (1988, música de Lloyd Webber, letra de Charles Hart y Richard Stilgoe); Miss Saigon (1991, música de Schönberg, letra de Richard Maltby Jr. y Boublil); y Sunset Boulevard son los mejores ejemplos de este enfoque.

Informaciones

Los decorados son tan importantes como los personajes. El neumático en Cats (así como todo el teatro), la barricada en Les Misérables, el candelabro fantasmagórico y el enorme candelabro en El Fantasma de la Ópera, el helicóptero en Miss Saigón, y la escalera en Sunset Boulevard son tan centrales para cada uno de los espectáculos como los personajes humanos. Estos megamúsicos tienen sus raíces en el West End londinense (el equivalente británico de Broadway, que tiene un patrimonio propio fascinante), donde directores como Cameron Mackintosh aplican su fastuoso tratamiento al género.

El último cuarto del siglo XX y el primer decenio del XXI han dado lugar a la aparición de importantes estrellas del teatro musical. Kristin Chenoweth, Christine Ebersole, Sutton Foster, Judy Kuhn, Angela Lansbury, Rebecca Luker, Idina Menzel, Patti LuPone, Donna Murphy, y Bernadette Peters han logrado tremendos elogios por su trabajo en Broadway, al igual que Norbert Leo Butz, Michael Cerveris, Michael Crawford, Nathan Lane, Brian Stokes Mitchell, y Mandy Patinkin.

INFLUENCIA DURADERA
El musical de Broadway ha pasado de ser un entretenimiento, ya sea cómico (comedia y revista musical) o romántico (opereta), a un género artístico sustancial. Los espectáculos desde 1927 (Show Boat) incluían mensajes morales y sociales, una tendencia que continuó a mediados del siglo XX con Rodgers y Hammerstein y más allá. Muchos espectáculos de los decenios de 1980 y 1990 incluían una “canción de la injusticia social” en la que se pedía una respuesta popular a una cuestión particular. “Do You Hear the People Sing?” de Les Misérables, “Anthem” de Chess (1988, música de Benny Andersson y Björn Ulvaeus, letra de Tim Rice); “Bui Doi” de Miss Saigon; y “The Day after That” de Kiss of the Spider Woman (1993, música de John Kander, letra de Fred Ebb) son ejemplos significativos de esas canciones.

El musical de Broadway ha contribuido a la industria de la música popular y del cine. Muchas canciones de los espectáculos de Broadway han llegado a ser populares fuera del teatro. Broadway estuvo ligado estrechamente a Tin Pan Alley (el estilo de música popular americana) hasta la Segunda Guerra Mundial. Estándares de Gershwin como “Embraceable You” y “But Not for Me” fueron introducidos en los espectáculos de Broadway, al igual que muchas canciones de Porter y Rodgers y Hart. Esta tendencia continuó con “Send in the Clowns” de Sondheim (de A Little Night Music); “I Dreamed a Dream” y “Empty Chairs at Empty Tables” de Schönberg y Boublil (de Les Misérables, esta última se convirtió en un himno para la investigación sobre el SIDA); y “The Music of the Night” de Lloyd Webber (de The Phantom of the Opera). Los intérpretes, desde las estrellas de ópera Kiri TeKanawa y Bryn Terfel hasta los populares cantantes Barbra Streisand (que se inició en Broadway), Judy Collins y Frank Sinatra, han incluido canciones de Broadway en sus repertorios.

Pormenores

Por el contrario, cantantes pop como Paula Abdul aparecieron en los escenarios musicales de Broadway durante la década de 1990.

Sin embargo, el musical de Broadway no se limita a Broadway. Se han producido versiones cinematográficas de musicales de Broadway desde finales de los años 20. The Desert Song (1929, Warner Brothers) fue la primera de una larga serie de adaptaciones cinematográficas que continuaron hasta mediados del siglo XX con una serie de películas de Rodgers y Hammerstein. Un resurgimiento del género musical cinematográfico comenzó a finales de la década de 1990, con ejemplos notables como Evita (1996, Cinergi Pictures), la ganadora del Oscar Chicago (2002, Miramax), Hairspray (2007, New Line Cinema), y Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (2007, Dreamworks). Las producciones en gira, las compañías residentes y las producciones escolares y de aficionados de los musicales de Broadway también han hecho mucho para promover el género fuera de la ciudad de Nueva York. El musical es ciertamente una de las formas populares de entretenimiento teatral con el público americano y mundial.

El teatro musical americano es una forma muy diversa de entretenimiento popular. Sus muchas apariencias van desde el puro entretenimiento hasta cuentos con fuertes mensajes morales. El musical de Broadway ha tenido un impacto dramático en la cultura popular americana no sólo por los espectáculos en sí, sino también por los éxitos individuales que se introdujeron en los espectáculos.

Otros Elementos

Además, un número de personalidades musicales populares han establecido sus carreras profesionales en los escenarios musicales de Broadway.

Datos verificados por: Loren

Recursos

Traducción al Inglés

Traducción al inglés de Teatro musical: Musical theatre

Véase También

Bibliografía

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