Cine o Película de Cine

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El Cine

El cine es un medio extraordinariamente eficaz para transmitir el drama y, sobre todo, para evocar la emoción. El arte del cine es extremadamente complejo, ya que requiere contribuciones de casi todas las demás artes, así como innumerables habilidades técnicas (por ejemplo, en la grabación de sonido, la fotografía y la óptica). Surgida a finales del siglo XIX, esta nueva forma de arte se convirtió en uno de los medios más populares e influyentes del siglo XX y posteriores.

Desde un vaquero hasta Gandhi, clasifica los hechos y las caras en este cuestionario sobre actores de cine.
El cine, como empresa comercial que ofrece narraciones de ficción a grandes audiencias en las salas de cine, fue reconocido rápidamente como la primera forma de entretenimiento verdaderamente masiva. Sin perder su amplio atractivo, el medio también se desarrolló como medio de expresión artística en áreas como la actuación, la dirección, la escritura de guiones, la cinematografía, el diseño de vestuario y decorados, y la música.

Características esenciales del cine

En su corta historia, el arte del cine ha sufrido con frecuencia cambios que parecían fundamentales, como los derivados de la introducción del sonido. Hoy en día existe en estilos que difieren significativamente de un país a otro y en formas tan diversas como el documental creado por una persona con una cámara de mano y la epopeya multimillonaria en la que participan cientos de intérpretes y técnicos.

Hay una serie de factores que nos vienen a la mente inmediatamente en relación con la experiencia cinematográfica. Por un lado, hay algo ligeramente hipnótico en la ilusión de movimiento que mantiene la atención y puede incluso disminuir la resistencia crítica. La exactitud de la imagen cinematográfica es convincente porque está hecha mediante un proceso científico no humano. Además, la imagen cinematográfica da lo que se ha llamado una fuerte sensación de estar presente; la imagen cinematográfica parece estar siempre en tiempo presente. También está el carácter concreto de la película: parece mostrar personas y cosas reales.

No menos importante que todo lo anterior son las condiciones en las que idealmente se ve la película, donde todo contribuye a dominar a los espectadores. Se les saca de su entorno cotidiano, se les aísla parcialmente de los demás y se les sienta cómodamente en una sala oscura. La oscuridad concentra su atención e impide la comparación de la imagen en la pantalla con los objetos o personas de alrededor. Durante un tiempo, los espectadores viven en el mundo que la película despliega ante ellos.

Sin embargo, la evasión en el mundo de la película no es completa. Sólo en raras ocasiones el público reacciona como si los acontecimientos de la pantalla fueran reales, por ejemplo, agachándose ante una locomotora que se aproxima en un efecto tridimensional especial. Además, estos efectos se consideran una forma relativamente baja del arte del cine. Con mucha más frecuencia, los espectadores esperan que una película sea más fiel a ciertas convenciones no escritas que al mundo real. Aunque los espectadores pueden esperar a veces un realismo exacto en los detalles de la vestimenta o la localización, con la misma frecuencia esperan que la película escape del mundo real y les haga ejercitar su imaginación, una exigencia que plantean las grandes obras de arte en todas sus formas.

La sensación de realidad a la que aspiran la mayoría de las películas es el resultado de una serie de códigos, o reglas, que los espectadores aceptan implícitamente y que se confirman con la asistencia habitual al cine. El uso de iluminación, filtros y atrezzo de color marrón, por ejemplo, ha llegado a significar el pasado en las películas sobre la vida americana de principios del siglo XX (como en El Padrino [1972] y Días del cielo [1978]). El tono marrón que se asocia a estas películas es un código visual que pretende evocar la percepción del espectador de una época anterior, cuando las fotografías se imprimían en tonos sepia o marrones. Los códigos narrativos son aún más llamativos en su manipulación de la realidad actual para conseguir un efecto de realidad. El público está dispuesto a saltarse grandes extensiones de tiempo para llegar a los momentos dramáticos de una historia. La battaglia di Algeri (1966; La batalla de Argel), por ejemplo, comienza en una cámara de tortura donde un rebelde argelino capturado acaba de revelar la ubicación de sus compinches.Entre las Líneas En cuestión de segundos ese lugar es atacado, y el impulso de la misión de búsqueda y destrucción empuja al público a creer en la fantástica velocidad y precisión de la operación. Además, el público acepta fácilmente las tomas desde puntos de vista imposibles si otros aspectos de la película señalan la toma como real. Por ejemplo, en La batalla de Argel se muestra a los rebeldes dentro de un escondite amurallado, pero esta visión irreal parece auténtica porque la fotografía granulada de la película juega con la asociación inconsciente del espectador de imágenes pobres en blanco y negro con los noticiarios.

La fidelidad en la reproducción de los detalles es mucho menos importante que la apelación que hace la historia a una respuesta emocional, una apelación basada en las características innatas del medio cinematográfico. Estas características esenciales pueden dividirse en las que pertenecen principalmente a la imagen cinematográfica, las que pertenecen al cine como medio único para las obras de arte y las que se derivan de la experiencia de ver películas.

Cualidades de la imagen cinematográfica

La unidad primaria de expresión en el cine es la imagen, o el plano único. La atribución de propiedades mágicas a las imágenes tiene una larga historia. Esta asociación está bien documentada entre muchos pueblos primitivos, e incluso se refleja en el término linterna mágica como sinónimo de proyector cinematográfico. Cualquier imagen sacada del mundo cotidiano y proyectada en una pantalla parece, en cierta medida, transmutarse mágicamente. Esta cualidad mágica ayuda a explicar la entusiasta acogida que tuvieron películas como La Sortie des usines Lumière (1895; “Los trabajadores salen de la fábrica Lumière”), que no eran más que registros fotográficos de escenas cotidianas en la Francia de la década de 1890 realizadas por los hermanos Lumière, pioneros del cine francés.

Intensidad, intimidad, ubicuidad

Las cualidades de intensidad, intimidad y ubicuidad han sido señaladas como las características más destacadas de la imagen cinematográfica. Su intensidad se debe a su capacidad para mantener la atención del espectador en cualquier parte de la realidad que se muestre (examine más sobre todos estos aspectos en la presente plataforma online de ciencias sociales y humanidades). Fuera del teatro, la atención de una persona suele estar dispersa en la infinita realidad circundante, salvo en momentos esporádicos de concentración en lo que se selecciona para un examen más detenido.Entre las Líneas En el cine uno se ve obligado a mirar algo que no ha seleccionado el espectador, sino el cineasta, por razones que no siempre son inmediatamente evidentes. Esta cualidad de intensidad se hace más patente cuando la cámara permanece fija en algo durante más tiempo del que parece justificado, y el espectador se hace gradualmente consciente de su pérdida de voluntad sobre su propia atención. Esta técnica no se utiliza a menudo, pero es muy eficaz cuando se emplea bien.

La intimidad de la imagen cinematográfica está relacionada con la capacidad de la cámara de ver las cosas con más detalle que el ojo. Esta capacidad se demuestra tanto en las tomas a larga distancia a través de un teleobjetivo como en los primeros planos. Al principio de la película japonesa Suna no onna (1964; La mujer en las dunas), por ejemplo, un tema dominante de la película se indica mediante tomas de granos de arena muchas veces ampliadas.

La impresión de ubicuidad -estar en todas partes a la vez- se consigue en parte por la aparente libertad de la cámara para moverse de un lugar a otro o para acercarse o retirarse instantáneamente. No menos importante para esta ilusión de ubicuidad es el efecto logrado por el montaje, que permite presentar innumerables imágenes que representan una acción larga y elaborada en una película o secuencia comparativamente corta, como la que ejemplifica la apertura de La batalla de Argel. La autoridad geográfica y temporal de la imagen permite incluso dar credibilidad a secuencias que representan el pasado, el futuro y los sueños.

Particularidad

Se pueden señalar otras características igualmente importantes de la imagen cinematográfica. Una de ellas es su particularidad. El lenguaje de las palabras se presta a la generalización y la abstracción.Entre las Líneas En sí mismas, palabras como hombre o casa no sugieren un hombre concreto o una casa concreta, sino hombres y casas en general, y términos más abstractos como amor o deshonestidad tienen asociaciones aún menos precisas con cosas concretas.Entre las Líneas En cambio, las imágenes cinematográficas sólo muestran cosas concretas: un hombre concreto o una casa concreta. De este modo, una imagen cinematográfica puede ser menos ambigua que el lenguaje de las palabras, pero también menos evocadora, menos susceptible de ser enriquecida por la imaginación, la asociación o el recuerdo. Sin embargo, a pesar de su particularidad, la imagen cinematográfica también puede ser ambigua, ya que muestra pero no explica. No dice por sí misma lo que significa, y la gente busca instintivamente significados en las imágenes. Por eso se considera que los comentarios son esenciales para precisar el significado de las películas educativas. Por otra parte, muchos documentales evocadores, desde Nanook of the North (1922) de Robert Flaherty hasta Fast, Cheap & Out of Control (1997) de Errol Morris, renuncian a los comentarios, obligando así al espectador a asimilar las notables e intraducibles imágenes y sonidos específicos que recogen. La insistencia particular de determinados objetos fotografiados también explica por qué las yuxtaposiciones del montaje son tan eficaces: el espectador busca compulsivamente la razón que hay detrás de una determinada secuencia de imágenes.

Neutralidad

Otra característica de la imagen cinematográfica es su neutralidad. El mundo que la gente ve a su alrededor está fuertemente influenciado por sus emociones y sus intereses. Un fontanero que arregla las tuberías en un museo puede no ver las obras maestras que le rodean, mientras que una persona enfadada puede oír un insulto donde no se pretendía. Sin embargo, se cree que la cámara y el micrófono reproducen las imágenes y los sonidos sin sentirlos. Aunque el enfoque, la direccionalidad y otros factores tecnológicos limitan lo que se puede ver y oír, el público está preparado para creer que la propia película no es humana o incluso es sobrehumana en su recepción pasiva de información. Los tribunales de justicia, por ejemplo, son más proclives a aceptar una película como prueba de un suceso como el atraco a un banco que el boceto de un artista o el informe de un periodista sobre el mismo incidente. Cuando una película parece estar cargada de emoción, suele ser porque el director ha manipulado cuidadosamente las imágenes para dar esa ilusión.Entre las Líneas En la vida cotidiana, los ojos siguen a la mente; en el cine, la mente sigue a los ojos.

Características del medio

Se pueden destacar cuatro características que diferencian el medio cinematográfico, en grado o en especie, de otros medios para las obras de arte: la luminosidad, el movimiento, el realismo y el montaje.

Luminosidad

La intensa luminosidad de la imagen proyectada por una luz potente sobre una pantalla revestida transforma por sí misma el elemento más mundano de la realidad. El atractivo de una imagen luminosa queda atestiguado por los esfuerzos de los anunciantes por conseguir efectos luminosos en carteles y pantallas. La luminosidad de la imagen cinematográfica también da lugar a una considerable gama de tonos, entre los más brillantes y los negros más profundos.

Una Conclusión

Por lo tanto, tanto en las películas en blanco y negro como en las de color, son posibles las gradaciones más delicadas de la imagen.

Movimiento

Como característica de la película, el movimiento es tan obvio que a veces se olvida su importancia central. La imagen en movimiento tiene mucho en común con las artes gráficas, pero la dimensión añadida del movimiento la transforma, permitiendo que una narración o un drama se desarrollen en el tiempo de una manera que ninguna otra arte gráfica puede. Tanto en la realización como en la apreciación del cine, hay que tener siempre presente el movimiento: la composición en la película es cinética y no estática. Lo que importa no es un solo color, sino el efecto acumulativo, no una sola situación, sino el desarrollo de la trama. La composición dentro de cualquier fotograma, o exposición, de una película es tan importante como la relación de ese fotograma con los que le preceden y le siguen.

Realismo

Otro elemento esencial de la imagen cinematográfica es que da una impresión de realidad. Ya sea en un drama representado expresamente para la cámara o en una película documental de un acontecimiento en el que la cámara acaba de estar presente, esta sensación de realismo derivada de la fotografía en movimiento explica gran parte de la fuerza de las películas. Las películas de animación, que carecen de este elemento de realismo fotográfico, tienden a ser tomadas como fantasías.

El intento de la película de reproducir la realidad tridimensional en una pantalla plana presenta los mismos problemas y oportunidades que la fotografía fija y la pintura. De hecho, el objetivo de la cámara estándar está construido para producir efectos visuales precisamente similares a los logrados por los pintores utilizando los principios de la perspectiva que se desarrollaron durante el Renacimiento.

El realismo cinematográfico se acentúa al máximo cuando las imágenes van acompañadas de un sonido sincrónico, mediante el cual un segundo sentido, el oído, ratifica lo que ven los ojos. Aunque el sonido reproducido puede manipularse en cuanto a la distancia, el timbre, la claridad y la duración, en combinación con las imágenes en movimiento fotografiadas, da vida a su tema como presente de una manera que no está al alcance de las otras artes de la representación.

Montaje

Quizá la característica más esencial del cine sea el montaje, del francés monter, “montar”. El montaje se refiere a la edición de la película, el corte y el ensamblaje de la película expuesta de la manera que mejor transmita la intención de la obra. El montaje es lo que distingue al cine de las artes escénicas, que sólo existen dentro de un espectáculo. La película, por el contrario, utiliza las actuaciones como materia prima, que se construye como una novela o un ensayo o una pintura, ensamblada cuidadosamente pieza por pieza, con un margen para el ensayo y el error, las segundas opiniones y, si es necesario, la nueva filmación. El orden en que se presentan los segmentos de la película puede tener efectos dramáticos drásticamente diferentes.

Los directores soviéticos hicieron varias contribuciones importantes a la teoría del montaje. Tras la Revolución Rusa de 1917, se fomentó el cine soviético por su valor propagandístico, pero las existencias de películas eran escasas.

Informaciones

Los directores soviéticos estudiaron detenidamente las películas de D.W. Griffith y otros maestros para aprovechar al máximo sus escasos recursos. Uno de los primeros directores rusos, Lev Kuleshov, realizó un experimento con tomas idénticas del rostro inexpresivo de un actor. Lo insertó en una película antes de una toma de un plato de sopa, de nuevo antes de una toma de un niño jugando, y aún más antes de una de una anciana muerta. Un público desprevenido, al que se le pidió que evaluara la actuación del actor, elogió su capacidad para expresar, respectivamente, el hambre, la ternura y la pena.

Sergei Eisenstein, que destacó como director y como profesor, basó gran parte de su teoría del cine en el montaje, que comparó con la composición de caracteres en la escritura japonesa. El carácter de “perro” añadido al carácter de “boca”, señalaba, no da como resultado simplemente la “boca de perro”, sino el nuevo concepto de “ladrido”; del mismo modo, el montaje cinematográfico da como resultado algo más que la suma de sus partes. Otro gran director ruso, Vsevolod Pudovkin, también subrayó la importancia del arrastre en la mente del espectador. Sólo si un objeto se presenta como parte de una síntesis, decía, se le dota de vida fílmica.

Se pueden distinguir tres tipos de montaje: narrativo, gráfico e ideacional.Entre las Líneas En el montaje narrativo, las múltiples imágenes y escenas implican un único tema seguido de punto a punto.Entre las Líneas En una película de ficción, un personaje o un lugar se explora desde múltiples ángulos mientras el público se hace una imagen completa de la situación que se explora o explica. El montaje gráfico se produce cuando los planos se yuxtaponen no por su temática sino por su aspecto físico. Algunas obras vanguardistas dependen de la capacidad del espectador para hacer coincidir las relaciones gráficas de imágenes variadas, como las personas, los objetos y las formas de las cifras numéricas y alfabéticas en Le Ballet mécanique (1924) de Fernand Léger o los torpedos, las focas nadadoras y los dirigibles en A Movie (1958) de Bruce Conner.Entre las Líneas En el montaje gráfico, el corte suele producirse durante las tomas de movimiento en lugar de las de acción estática. Este corte en movimiento facilita la sustitución suave de una imagen por la siguiente.Entre las Líneas En el montaje ideacional, dos imágenes separadas se relacionan con una tercera cosa, una idea que ayudan a producir y por la que se rigen.Entre las Líneas En Stachka (1924; Huelga), por ejemplo, el director Eisenstein, a quien se le atribuye la teoría del montaje ideacional, transmite eficazmente la idea de la matanza intercalando una toma de ganado siendo descuartizado con tomas de trabajadores siendo cortados por la caballería.

Estos tres tipos de montaje rara vez aparecen en su forma pura. La mayoría de los montajes ideativos se basan en la similitud gráfica de sus componentes, al igual que los montajes narrativos cuando se basan en el corte gráfico para cubrir su movimiento. Del mismo modo, las coincidencias gráficas entre los torpedos, las focas y los dirigibles en A Movie construyen en última instancia una idea de movimiento hacia la explosión y la destrucción. Además de las complicaciones que conlleva la mezcla de estos tipos, la adición de la banda sonora multiplica las posibilidades y los efectos del montaje. Eisenstein y Pudovkin denominaron a estas posibilidades montaje “vertical”, oponiéndolo al desenvolvimiento “horizontal” de un plano tras otro. Dado que el sonido permite establecer relaciones entre lo que se ve y lo que se oye en cada momento, ya no puede decirse que la imagen cinematográfica sea una unidad autónoma; interactúa con el sonido que la acompaña. Las relaciones sonoras (incluidos los diálogos, la música y el ruido ambiental o los efectos) pueden construirse en constante relación con la pista de imagen o pueden crear una organización y un diseño paralelos que subtienden lo que se ve.Entre las Líneas En conjunto, el montaje parece ser el factor más extraordinario que diferencia al cine de las demás artes, y es el que a menudo se señala como base del medio. Sin embargo, muchas películas, como las del japonés Mizoguchi Kenji, el italiano Roberto Rossellini y el húngaro Jancsó Miklós, no se basan en el montaje, sino en las cualidades únicas del medio, como la luminosidad, el movimiento y el realismo, para transmitir su fuerza y belleza.

La experiencia cinematográfica

El visionado de películas comenzó como una experiencia limitada a un público unipersonal. Poco después, la llegada de la proyección de películas transformó el medio en una forma de entretenimiento teatral para un gran número de personas. A finales del siglo XX, las nuevas tecnologías hicieron posible una gran variedad de opciones de visionado, desde el espectador solitario sentado en su casa hasta audiencias de miles de personas en un solo espacio o de millones en muchos lugares.

El kinetoscopio, el primer aparato para ver películas, fue inventado por Thomas Edison y William Dickson en 1891. Sólo permitía que un único espectador mirara a través de una mirilla las diminutas imágenes en movimiento que había en el interior de la máquina. Al cabo de varios años, se desarrollaron proyectores capaces de ampliar la imagen en una pantalla en un espacio teatral. La proyección de imágenes en movimiento pronto dejó obsoletos los visores de mirilla, aunque estos últimos pudieron seguir encontrándose durante décadas como novedades en los salones de juego y parques de atracciones.

El cine prosperó en la primera mitad del siglo XX como un medio de masas centrado en la exhibición teatral. La asistencia al cine se convirtió en una experiencia social compartida entre amigos o en una audiencia de desconocidos. Aunque el entorno físico era similar al de los eventos en vivo, como las representaciones teatrales o los conciertos, las diferencias fundamentales surgieron en el visionado de imágenes reproducidas mecánicamente en lugar de personas vivas. El público de las películas era más informal en su vestimenta y comportamiento. Comer y beber durante las proyecciones se convirtió en algo habitual; de hecho, la venta de artículos como palomitas y refrescos resultó más lucrativa para muchos exhibidores que las entradas en taquilla. La repetición de las proyecciones permitía a los espectadores entrar y salir en medio de los programas, lo que dio lugar a la expresión “Aquí entré”, que quedó obsoleta y en gran parte desconocida a finales del siglo XX, cuando se desalojaron las salas después de cada proyección.

Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):

Cuando la televisión surgió como medio de entretenimiento doméstico después de la Segunda Guerra Mundial, la asistencia a las salas de cine sufrió un grave descenso. Sin embargo, las películas más antiguas se convirtieron en un elemento básico de la programación televisiva, y la televisión, a su vez, comenzó a servir como un importante medio publicitario para promocionar nuevas películas. Aunque la presentación televisiva de las películas variaba en los distintos países, en Estados Unidos era habitual que los canales (véase qué es, su definición, o concepto, y su significado como “canals” en el contexto anglosajón, en inglés) comerciales dividieran la proyección con frecuentes pausas publicitarias. Tras la introducción, a mediados de los años 50, del CinemaScope y otros formatos de pantalla ancha para las películas estrenadas en los cines -una innovación tecnológica que pretendía resaltar el valor de la experiencia del cine en pantalla grande en contraste con el medio doméstico, que entonces era una pantalla pequeña-, estas obras se modificaron posteriormente para su estreno en televisión. Mediante una técnica denominada “paneo y escaneo”, las versiones originales de las películas de pantalla ancha se volvieron a fotografiar, a veces con nuevos movimientos de cámara, para registrar los eventos significativos de la pantalla para el marco más estrecho de la televisión.

En las últimas décadas del siglo XX, cuando la asistencia a las salas de cine se estabilizó en cifras mucho más bajas que antes de la Segunda Guerra Mundial, la televisión se convirtió en el lugar de exhibición predominante de las películas.Entre las Líneas En la década de 1980, la experiencia de ver películas en casa se amplió drásticamente con la aparición de la televisión por cable, con canales (véase qué es, su definición, o concepto, y su significado como “canals” en el contexto anglosajón, en inglés) que emitían películas actualizadas sin cortes publicitarios, y sobre todo con el desarrollo de la grabadora de vídeo (VCR), un dispositivo que podía grabar señales de televisión en casetes de cinta magnética, así como reproducir casetes pregrabados. Las compañías cinematográficas lanzaron películas recientes y antiguas en formato de videocasete, y surgieron videoclubs de barrio para alquilar o vender casetes. Los espectadores podían elegir lo que querían ver y llevarse a casa las películas en vídeo del mismo modo que podían elegir un libro para leer o música grabada para escuchar.

Las nuevas tecnologías introducidas a finales del siglo XX y principios del XXI ampliaron aún más la posibilidad de ver películas en casa. Los sistemas de transmisión de señales de televisión por satélite o cable digital ofrecían cientos de canales, muchos de ellos con reproducción continua de películas.Entre las Líneas En la década de 1990 se introdujo el DVD (disco de vídeo digital o disco versátil digital), que convierte las señales de audio y vídeo analógicas en datos binarios que pueden ser leídos por un láser de baja potencia. El DVD era un medio para grabar, almacenar y reproducir películas que ofrecía mucho más espacio para los datos que la cinta de vídeo, tanto que incluso los primeros DVD contenían películas en su formato original de pantalla ancha (es decir, en forma de “buzón”, término que hace referencia a las bandas negras que aparecen por encima y por debajo de la imagen en un televisor con una relación de aspecto aproximadamente cuadrada de 4 a 3) y en la versión “panorámica y escaneada”. Las pistas de sonido estaban disponibles en el idioma original o dobladas, y había una variedad de materiales complementarios que incluían comentarios de voz de los directores y otro personal creativo, documentales sobre la realización de la película, trailers de adelanto, pruebas de pantalla, etc.

El formato Blu-ray, adoptado como estándar de la industria en 2008, prometía discos ópticos con una capacidad de datos aún mayor. La primera década del siglo XXI también trajo consigo la adopción generalizada del vídeo a la carta (VOD), en el que los espectadores domésticos podían solicitar la entrega instantánea de las películas de su elección directamente en sus pantallas de televisión u ordenador. El vídeo a la carta basado en Internet desempeñó un papel cada vez más importante en la distribución y circulación de películas, especialmente con el auge de servicios de streaming como Netflix. También fue importante el intercambio de archivos P2P (peer-to-peer), que fue visto como una amenaza por los estudios cinematográficos. Aunque la exhibición en salas de cine siguió desempeñando un papel importante y los cines conservaron su valor como lugares de reunión social que podían presentar imágenes a gran escala, la tendencia dominante en la experiencia de las películas dio a los espectadores domésticos un control cada vez mayor sobre qué películas ver, cuándo verlas y cómo verlas. Los espectadores podían detener la imagen, ampliarla, retrocederla, avanzar rápidamente, saltar a las escenas deseadas y tomar las riendas, como nunca antes, del propio proceso de proyección.

Elementos expresivos del cine

Nota: véase los elementos expresivos en las artes visuales.

Dirección de Cine

Véase la información relativa a la dirección cinematográfica.

Datos verificados por: Brite
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Recursos

Traducción al Inglés

Traducción al inglés de Cine o Película: Film

Véase También

Artes Visuales, Estudios Cinematográficos, Estudios Culturales, Exploraciones Interculturales, Guía de la Historia Cultural, Industria de la Comunicación, Industrias Creativas, Medios de Comunicación, Perspectivas Interculturales, Productos Culturales,

Bibliografía

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