La Historia de la Industria Cinematográfica: Walt Disney
Este elemento es una expansión del contenido de los cursos y guías de Lawi. Ofrece hechos, comentarios y análisis sobre la Historia de la Industria Cinematográfica: Walt Disney. Nota: para información complementaria, se puede consultar la Historia Económica de la Industria Cinematográfica Mundial. [aioseo_breadcrumbs]
Historia de la Industria del Cine: Walt Disney
Hollywood comenzó a florecer, con la llegada de éxitos de taquilla veraniegos como Tiburón, en 1975, y La guerra de las galaxias, en 1977, las primeras películas que recaudaron más de 100 millones de dólares en taquilla. La guerra de las galaxias también abrió camino con el uso de nuevos tipos de efectos especiales.
Las películas de La guerra de las galaxias y Star Trek fueron las primeras en adoptar la imagen generada por ordenador (CGI), que utiliza los ordenadores para crear digitalmente la animación y los efectos especiales, pero El joven Sherlock Holmes, de 1985, fue la primera en utilizar un personaje realista animado por CGI. La película de Disney Toy Story, de 1995, fue el primer largometraje de animación creado con CGI.
Los primeros días
Walt Disney nació el 5 de diciembre de 1901.
Tras pasar los primeros años de su vida en Chicago, se trasladó a Marceline, Missouri, en 1906. Fue una experiencia muy influyente, como mencionó más tarde su esposa: “Marceline fue la parte más importante de la vida de Walt. No vivió allí mucho tiempo. Vivió en Chicago y Kansas City mucho más tiempo. Pero había algo en la granja que era muy importante para él.”
Marceline era un lugar que el hermano de Walt, Roy, describía como “el paraíso para los niños de ciudad”.
Su padre, Elias Disney, trabajaba duro, vivía modestamente y era devoto, pero también tenía un temperamento impulsivo, opuesto al de Walt en casi todos los aspectos.
En 1911, Walt y su familia volvieron a mudarse, esta vez a Kansas City.
Fue en Kansas City donde Walt se vio obligado a desarrollar una fuerte ética del trabajo, provocada por el alocado horario de su ruta de reparto de periódicos: Con sólo nueve años, Walt estaba sin embargo atado a la ruta. Los días laborables se levantaba temprano, en la oscuridad, para recoger su asignación de cincuenta periódicos y repartirlos: el primer año a pie, el segundo en bicicleta.
Regresaba a casa a las cinco y media o a las seis, echaba una pequeña siesta, se despertaba y desayunaba.
Como no recibía prácticamente ninguna remuneración, para tener dinero de bolsillo repartía medicamentos para una farmacia que había en su ruta y, con el tiempo, convenció a su padre para que le dejara llevarse cincuenta periódicos más para venderlos por su cuenta en una parada del trolebús y, cuando otros repartidores le desalojaron de su acera, en el propio trolebús.
Cuando terminó en el trolebús, se dirigió a la escuela, aunque nunca completó la jornada escolar. Tenía que salir media hora antes para recoger los periódicos para la tirada de la tarde. A las tres y media de la mañana siguiente, la rutina comenzaba de nuevo.
Walt admitió más tarde que tuvo un profundo efecto en él.
Esa ética de trabajo pronto se aplicó al dibujo y dos personas animaron a Walt y le dieron la confianza en su dibujo para tomárselo en serio -su tía Maggie, y su anciano vecino, Doc Sherwood-, pero las palabras de Doc le duraron a Walt toda la vida: “No tengas miedo de admitir tu ignorancia”, le dijo Doc Sherwood, una filosofía que, según Walt, que siempre era inquisitivo, “me duró toda la vida”.
Pero lo que Walt más recordaba del Doc Sherwood -lo que contaría durante el resto de su vida- fue la vez que el doctor le pidió que cogiera sus lápices de colores y su tableta y dibujara a Rupert. El caballo estaba asustadizo aquel día. El doctor Sherwood tuvo que sujetar las riendas y Walt tuvo dificultades para capturarlo. “El resultado fue bastante terrible”, recordó, “pero tanto el doctor como su mujer elogiaron mucho el dibujo, para mi gran deleite”.
El dibujo se convirtió, en palabras hiperbólicas de su hermano Roy, “en el punto culminante de la vida de Walt”.
Ese estímulo alimentó la obsesión de Walt: Nunca había dejado de dibujar. En la escuela apuntalaba sus libros a modo de persiana para poder dibujar. Se pasaba horas decorando los márgenes de sus libros de texto con dibujos y luego entretenía a sus compañeros rizándolos para que se movieran.
Un compañero le recordaba yendo a la pizarra y dibujando con tiza un retrato perfecto de Teddy Roosevelt, mientras que un profesor le recordaba dibujando flores durante una tarea de arte y animándolas.
Del mismo modo, muchos años después, un joven Patrick Collison, cofundador de Stripe, ocultaba a los profesores en clase su obsesivo hábito de lectura.
En 1918, con sólo 16 años, Walt intentó alistarse en el ejército, pero, al ser demasiado joven, fue rechazado. En su lugar, se alistó en la Cruz Roja tras falsificar la fecha de su partida de nacimiento.
Pasó casi un año en Francia, a donde llegó después del armisticio, sirviendo como conductor de ambulancias.
Tras regresar a Kansas City en octubre de 1919, estaba listo para dar el salto a su carrera creativa.
Aventuras al principio de su carrera
En Kanas City, Walt ilustró anuncios y catálogos para el Estudio de Arte Comercial Pesmen-Rubin.
Era su primer trabajo como artista comercial y estaba encantado.
Pero no duró mucho.
Cuando terminó la fiebre publicitaria de Navidad, Walt fue despedido.
Sin embargo, incluso con poca experiencia profesional, Walt confiaba en sus habilidades.
Poco después de ser despedido, propuso a su antiguo compañero de trabajo, Ubbe “Ub” Iwerks, también despedido, emprender juntos un negocio.
Fundaron Iwerks-Disney a principios de 1920, pero la sociedad duró poco.
Walt se marchó para unirse a la Kansas City Slide Co.
Fue una señal del vacilante compromiso de los socios que cuando Iwerks vio un anuncio de búsqueda en el Star a finales de enero buscando un artista para la Kansas City Slide Co., recomendó a Walt que buscara el trabajo.
Walt pensó que la Slide Co., que producía diapositivas promocionales que se proyectaban en los cines antes del largometraje, podría contratar a Iwerks-Disney como subcontratista, pero cuando llevó sus muestras e hizo la sugerencia, le dijeron que querían un empleado a tiempo completo.
Ubbe aconsejó entonces a Walt que aceptara el puesto, que pagaban a treinta y cinco dólares semanales, ya que el anuncio pedía un dibujante. Acordaron que Ubbe seguiría dirigiendo su tienda.
En este momento de la vida de Walt, su atención se desvió por completo hacia la animación.
Es importante comprender también los comienzos de la animación.
En aquella época, no había mucho refinamiento narrativo ni un verdadero intento de crear una historia. La animación sólo incluía una serie de gags.
Había una oportunidad de destacar, de crear algo mejor: Pero para el ambicioso que había en Walt, y para el Disney que había en él, la animación tenía otro atractivo. Era una forma de dejar su impronta ya que, a diferencia de la caricatura para periódicos, la animación era algo que Walt pensaba que podría hacer mejor que nadie porque muy poca gente en aquella época lo hacía y muy poca gente tenía experiencia en ello, y la idea de ser el mejor, el más destacado, le atraía claramente.
Mientras trabajaba en la Slide Co., Walt refinó su talento en el garaje que su padre construyó después de que se trasladaran de Chicago a Kansas City.
Fue el primer estudio de Walt y trabajó en él sin parar:
Cuando llegaba a casa y mucho después de que todos los demás estuvieran en la cama, Walt seguía ahí fuera, dando vueltas, trabajando, experimentando, probando esto y aquello, dibujando, etc.
Roy Disney
También se sumergió en el único libro de la Biblioteca de Kansas City sobre animación, Animated Cartoons: Cómo se hacen, su origen y desarrollo, de Edwin G. Lutz.
Walt buscaba constantemente mejorar la calidad de la animación y durante gran parte de su carrera se mantuvo a la vanguardia de la tecnología que lo permitía.
Una tecnología, la animación cel, no estaba siendo adoptada por la empresa en la que trabajaba, ahora llamada Kansas City Film Ad Co., así que decidió utilizarla él mismo, formando equipo con Fred Harman, el hermano mayor de uno de sus compañeros de trabajo.
El 20 de marzo de 1921, su carrete de muestra se estrenó en el Newman Theater.
A pesar de su obviedad y crudeza, los Laugh-O-Grams, representados como lo hicieron en el teatro más grande y opulento de Kansas City, llamaron la atención, y aunque Walt no obtuvo ningún beneficio con ellos, ganó algo que parecía gustarle más que el dinero. Consiguió llamar la atención. “Conseguí ser una pequeña celebridad en el asunto”, dijo.
Esto fue sólo el comienzo de algo mucho más grande: Harman y Disney incluso tenían un nombre para su pequeña empresa: Kay Cee Studios.
Aunque la idea de su propio estudio era un deseo, no era del todo frívola, como tampoco lo había sido la idea de su propio estudio de arte comercial.
Con la popularidad de los Laugh-O-Grams, que sólo duraban uno o dos minutos, empezó a pensar en animar dibujos animados más largos, de seis o siete minutos.
Walt quería tener su propia empresa y dio los primeros pasos para hacerlo realidad: Todavía tan oportunista como artista, empezó a pensar en abrirse camino en el negocio por sí mismo, utilizando su trabajo en Film Ad para subvencionar su plan.
En otoño, con trescientos dólares ahorrados, compró una cámara Universal y un trípode y empezó de nuevo a hacer publicidad para posibles animadores a los que pagaría, como pagaba a Ising, en experiencia, prometiéndoles que si el proyecto tenía éxito, les daría trabajo en su nuevo estudio.
Varios empezaron a pasar por la casa por la noche y a participar en el dibujo. Mientras tanto, para ganar más dinero, Walt y Fred Harman, que ahora trabajaba con su hermano Hugh y Walt en la Film Ad Co., compraron un Modelo T de segunda mano y buscaron trabajo filmando noticias con la cámara Universal. “Nuestras miras”, dijo Harman, “estaban puestas en el dinero y la fama a largo plazo”.
Pronto lo haría oficial.
El primer estudio de Walt
En 1921, tras incorporar el nombre de Laugh-O-Gram Films, Inc., Walt Disney se convirtió en el jefe de su propio estudio de animación.
Por aquel entonces tenía 19 años.
Para financiar el negocio, convenció a un médico de Kansas City, John V. Cowles, para que invirtiera 2.500 dólares iniciales.
Walt, que nunca fue bueno administrando el dinero, necesitó otro préstamo de 2.500 dólares de Cowles al mes siguiente.
El dinero sería un problema para Walt durante la mayor parte de su carrera.
Pronto estaba endeudado en 2.000 dólares y perdía 4.000 dólares más cada semana, pero seguía impulsado a triunfar:
Aunque la situación financiera nunca dejó de ser calamitosa casi desde el inicio de la empresa, Walt mantuvo su peculiar confianza y persistencia. “Tenía el empuje y la ambición de diez millones de hombres”, afirmaba una secretaria que salía con un fotógrafo al otro lado del pasillo y que hacía parte del trabajo administrativo de Walt en aquella época.
Sin embargo, las primeras luchas financieras continuaron.
En 1923, Laugh-O-Gram había quebrado: Aunque Walt poseía normalmente una especie de fe intrépida, la fe de un niño en que las cosas saldrían bien, lo que explica su tenacidad y su miopía, en el momento de la quiebra de Laugh-O-Gram, a la edad de veintiún años, estaba menos indiferente de lo que podía parecer o de lo que quería que los demás pensaran.
Estaba, según admitió más tarde, “aplastado y con el corazón roto”: aplastado por haber fracasado y con el corazón roto por haber decepcionado a tantos que habían confiado en él y habían perdido dinero por su confianza: “Ese primer gran revés me hundió de lleno”.
Juró que se resarciría y devolvería el dinero a los acreedores. Al mismo tiempo dijo que la quiebra de Laugh-O-Gram le había dejado más duro, más decidido y acostumbrado al fracaso.
Muchas personas en la situación de Walt habrían abandonado y renunciado a sus sueños.
¿Se imagina si Walt lo hubiera hecho?
Por supuesto, sabemos que no renunció, pero necesitaba un cambio.
El estudio de dibujos animados de los hermanos Disney
El cambio que Walt buscaba le llevó a Los Ángeles en julio de 1923, donde su hermano, Roy, se recuperaba de una tuberculosis.
Walt pasó los dos primeros meses en Los Ángeles intentando que alguien le contratara mientras buscaba simultáneamente un distribuidor para El país de las maravillas de Alicia.
En aquel momento, Walt quería conseguir un trabajo en un estudio y no era optimista sobre sus perspectivas en la animación. Ahora sentía que se había metido en el negocio demasiado tarde, que era demasiado insular, que realmente no podría abrirse paso en el gran momento de la animación, que, en cualquier caso, estaba centrado en Nueva York.
“Había guardado mi mesa de dibujo”, le dijo a un entrevistador años más tarde. “Lo que quería era conseguir un trabajo en un estudio, en cualquier estudio, haciendo cualquier cosa”, aunque en realidad sus aspiraciones eran mayores y más fantasiosas. Ahora esperaba conseguir un trabajo como director de acción real en algún sitio.
Sin embargo, en octubre de 1923 Walt firmó un contrato de distribución con Margaret Winkler para dos series de seis películas que le pagarían 1.500 dólares por las seis primeras y 1.800 dólares por las seis segundas.
Para financiar la producción de esas películas, el tío de Walt, Robert, le prestó un total de 500 dólares, repartidos en cuatro préstamos, desde noviembre hasta mediados de diciembre.
Roy, que ayudó a Walt a conseguir financiación para la empresa, se mudó a un apartamento con él y se unió oficialmente a la empresa, formando el Estudio de Dibujos Animados de los Hermanos Disney.
No tuvo un gran comienzo.
La primera película que terminó, Alice’s Day at Sea, distaba mucho de ser su mejor trabajo, y Margaret Winkler hizo saber su descontento.
Pero Walt trabajó incansablemente para mejorar las películas.
También contrató ayuda, incluido su primer animador, Rollin “Ham” Hamilton.
Todo dio sus frutos en las mejoras del producto. Sinceramente quería hacer buenas animaciones, sinceramente quería contarse entre los mejores en su oficio. Así las cosas, Winkler pareció apaciguarse con la siguiente Alicia, La espeluznante aventura de Alicia, calificándola de “la mejor que has hecho” y diciéndole a Walt que gracias a ella pudo hacer tratos para la serie desde el sur de Nueva Jersey hasta el Distrito de Columbia.
Pero Walt, sin dejar de disculparse por la calidad de sus dibujos animados, insistió en que podía hacerlos mejor, afirmando que había invitado a críticos profesionales a sus preestrenos y que estaba intentando ser “un poco diferente de la serie habitual de bofetadas y ceñirlas (las películas) más a una línea digna de comedia”.
Al recibir su cuarta película, Alice’s Wild West Show, Winkler espetó: “si ninguna de las futuras es peor tendremos el rollo líder del mercado cinematográfico”.
Sin embargo, incluso con el producto mejorado, la empresa pasó apuros financieros, y los hermanos Disney tuvieron que pedir dinero prestado a su tío Robert durante 1924 continuamente.
Los hermanos ni siquiera cobraron un sueldo hasta diciembre de 1924.
Pero la empresa fue creciendo poco a poco y en 1926 ya tenían un nuevo estudio.
Estudios Walt Disney
A principios de 1926, los Disney trasladaron su empresa a un estudio de 1.600 pies cuadrados en la avenida Hyperion.
También hicieron un ligero cambio de nombre:
Una noche, cuando Walt y yo hablábamos de la mudanza, Walt me dijo: “Roy, cuando nos mudemos a Hyperion, voy a hacer que erijan un gran cartel de neón en el que se lea “Walt Disney Studios””.
Me miró como esperando una discusión.
Le dije: “Si así lo quieres”.
Y Walt dijo: “¡Así lo quiero y así será!”.
Y así fue.
Roy Disney
Pero, ¿adivinen qué?
Hubo más problemas de dinero.
Walt tuvo que crear una película sobre higiene dental en el verano de 1926 para ayudar a pagar las facturas, una bonita lección sobre hacer lo necesario para sobrevivir, y que me recuerda al equipo de Airbnb vendiendo cereales para financiar su empresa en los primeros días.
Pero el dinero no era el único problema.
Se estaban formando grietas en el equipo de Walt debido a su estilo de liderazgo y algunos empleados incluso conspiraron para crear un estudio rival.
No obstante, Walt siguió adelante.
También cambió su enfoque hacia un formato totalmente de animación después de la serie Alicia , que duró hasta julio de 1927.
Charles Mintz, un productor y distribuidor cinematográfico que se casó con Margaret Winkler en 1924 y asumió el control de Winkler Pictures, que trabajaba con Walt, se enteró por Universal Pictures de que querían entrar en el negocio de los dibujos animados.
En aquel momento, con el éxito de Félix el Gato y las copias posteriores, necesitaba algo diferente.
Walt necesitaba un nuevo personaje.
Había nacido Oswald el Conejo Afortunado.
Después de que el animador jefe de Walt, Ub Iwerks, animara Pobre papá, el primer dibujo animado de Oswald que no era de la mayor calidad de producción, lo rehicieron, y el segundo dibujo animado, Problemas con el tranvía, que se estrenó el 5 de septiembre de 1927, mejoró mucho.
La serie tuvo un gran éxito y, a finales de 1927, The Walt Disney Studio contaba con una plantilla de veintidós trabajadores.
Iwerks, cuyo trabajo estaba ganando reconocimiento, también obtuvo un aumento de sueldo de 70 dólares semanales a 120 dólares semanales, lo que demostraba lo importante que era para la empresa de Walt.
Pero, justo cuando Walt estaba en la cresta de la ola por el éxito de los Oswald, ocurrió algo terrible: Oswald le fue arrebatado.
Charles Mintz contrató a muchos de los empleados de Walt a sus espaldas y, como no había concedido a Walt los derechos sobre el personaje de Oswald que había creado, Walt también lo perdió. Walt estaba destrozado.
Perdió su carácter y fue traicionado por sus propios empleados.
De regreso a Los Ángeles, derrotado tras reunirse con Charles Mintz en Nueva York para intentar renegociar su contrato, Walt estaba furioso.
No quería volver a trabajar para nadie.
Afortunadamente para Walt, Mickey Mouse le salvó.
El ratón Mickey
Tras la fatídica reunión con Charles Mintz en Nueva York, así es como nació Mickey Mouse:
Cuando no estaba desahogándose sobre Mintz y su propio equipo de traidores, pasaba la mayor parte del tiempo del viaje haciendo bocetos en la papelería del tren.
En algún momento entre Chicago y Los Ángeles, dijo más tarde, redactó el guión de un dibujo animado que tituló Plane Crazy, sobre un ratón que, inspirado por el vuelo en solitario de Charles Lindbergh sobre el océano Atlántico en 1927, se construye un avión para impresionar a una ratoncita.
Walt leyó la historia a Lillian, pero ella dijo que no podía concentrarse porque le molestaba el nombre que Walt había puesto a su personaje: Mortimer.
“Lo único que me llegó”, dijo a un entrevistador, “fue ese horrible nombre, Mortimer… Me temo que monté toda una escena al respecto”.
“Demasiado afeminado”, dijo ella. Cuando se calmó, Walt le preguntó qué opinaba del nombre Mickey, un nombre irlandés, un nombre de forastera. “Dije que sonaba mejor que Mortimer, y así nació Mickey”.
Pero Walt aún tenía contrato para terminar el último dibujo animado de Oswald y sus empleados, los que habían abandonado el barco para unirse al estudio de Mintz, seguían trabajando en el estudio de Walt hasta que Oswald estuviera terminado.
Así que Mickey Mouse se creó en secreto, en gran parte en el garaje de Walt, y a un ritmo rápido para que pudiera encontrar un distribuidor.
A partir del boceto original de Walt, Ub Iwerk dibujó una versión refinada de Mickey Mouse.
La primera aparición de Mickey fue en el corto Plane Crazy , en 1928, pero no fue hasta Steamboat Willie, cuando Mickey tuvo su gran éxito.
¿Por qué?
Porque estaba sincronizado con sonido, una revolución en la época, y otro ejemplo de cómo Walt buscaba la última tecnología para crear las mejores películas posibles.
Sin embargo, sincronizar los dibujos animados con el sonido no fue tarea fácil.
Fue un reto técnico tremendo, pero motivó a Walt y a su equipo.
La reacción al estreno de Steamboat Willie , el 18 de noviembre de 1928, fue notable.
Variety dijo de él: “No es el primer dibujo animado sincronizado con efectos sonoros, pero sí el primero en atraer una atención favorable. Éste representa un alto orden de ingenio en dibujos animados, hábilmente combinados con efectos de sonido”.
El New York Times calificó a Willie de “obra ingeniosa y muy divertida. Gruñe, lloriquea, chirría y hace varios otros sonidos que se suman a su calidad risueña”.
De la misma manera que Steve Jobs integró el hardware y el software años más tarde en Apple, la integración del sonido con el dibujo animado por parte de Walt destacaba:
Pero lo que lo diferenciaba de sus antepasados y competidores de animación era hasta qué punto Walt lo había imaginado plenamente como un dibujo animado sonoro en el que la música y los efectos eran inextricables de la acción: realmente un dibujo animado musical más que un dibujo animado con música.
Steamboat Willie demostró el valor de la innovación, la diferenciación y la construcción de un producto cohesionado.
Y no sólo Steamboat Willie era diferente, sino también la cultura de excelencia que Walt había creado en su estudio:
La mayor diferencia, sin embargo, entre el estudio Disney y los estudios de animación de Nueva York no estaba en la preparación o la especialización; estaba en las expectativas.
Walt Disney tenía que ser el mejor.
Al igual que había hecho con los Alices y los Oswald, aunque con resultados indiferentes, Walt insistía en la excelencia, y Sharpsteen admitió que pronto tuvo algunas dudas sobre su incorporación al estudio cuando se dio cuenta de lo elevados que eran los estándares de Walt.
Cuando le asignaron lo que él creía que era una escena corriente en uno de los primeros Mickey, vio que Walt no la consideraba así, ni a ella ni a ninguna escena. “En opinión de Walt, todo lo que se hacía tenía que ejecutarse con una gran dosis de pensamiento hacia la delicadeza para hacerlo mejor”.
Tras el estreno de Steamboat Willie, la popularidad de Mickey Mouse se disparó.
Walt se apresuró para asegurarse de que siguiera creciendo. Al principio, ningún esfuerzo por catapultar a Mickey al estrellato era demasiado pequeño. Walt incluso hacía que sus amigos llamaran a los cines preguntando a qué hora se emitiría el dibujo animado de Mickey Mouse, y si les decían que no había Mickey, les ordenaba que preguntaran por qué.
De forma más agresiva, Walt llegó a un acuerdo con un teatro del centro de la ciudad para hacer un dibujo animado de Mickey dirigiendo la orquesta en directo del teatro y luego siendo acribillado por los músicos.
A cambio, el teatro reservó otro dibujo animado de Mickey y puso el título en la marquesina, donde Walt pudo fotografiarlo para publicidad.
En agosto ya estaba sacando anuncios a toda página en los periódicos especializados en cine declarando a Mickey Mouse “Dibujos animados sonoros asombrosamente inteligentes, asombrosamente divertidos y perfectamente sincronizados”.
Mickey Mouse también recibió un gran impulso de Harry Woodin:
Pero el mayor impulso para Mickey Mouse, aparte del propio sonido, no se produjo a través de las promociones de Walt, que fueron dispersas, sino a través de las de Harry Woodin, el joven gerente del Fox Dome Theater de Ocean Park, un suburbio de Los Ángeles.
Por iniciativa propia, a finales de ese verano, Woodin había organizado un Club de Mickey Mouse, llenando su teatro los sábados por la tarde con niños que tomaban una promesa de Mickey Mouse, actuaban en una improvisada banda de Mickey Mouse y luego veían dibujos animados de Mickey Mouse.
Woodin había invitado a Walt a una de las matinés, y Walt dijo que le “entusiasmó ver a unos mil niños animando a Mickey Mouse”.
Pero el propio Woodin, al igual que Walt Disney, tenía aspiraciones mayores. Convenció a Walt de que lo que estaba haciendo a nivel local también podía hacerlo a nivel nacional.
Al año siguiente de debutar Steamboat Willie , Walt desarrolló la serie Silly Symphony, estrenando El baile del esqueleto en 1929. Contrató a Carl Stalling, un compositor profesional, para mejorar la calidad de la música, haciendo una vez más lo que fuera necesario para hacer las mejores películas.
El 13 de enero de 1931, Mickey Mouse hizo su debut en el cómic, y ese verano Mickey estaba sindicado en 40 periódicos de 22 países.
Sin embargo, en octubre de 1931, Walt sufrió una crisis nerviosa.
Llegó poco después de perder a su mejor animador, Ub Iwerks, y a su distribuidor, Pat Powers.
Powers había alejado a Iwerks tras una disputa con Walt y Roy sobre la parte de los beneficios que recibían.
Los hermanos Disney acabaron llegando a un acuerdo con Powers y cerraron un trato con Columbia Pictures.
Pero los obsesivos hábitos de trabajo de Walt eran demasiado.
He aquí un vistazo a su agenda en aquella época:
La tensión constante centraba a Walt, pero incluso sin las presiones financieras habría sido un hombre obsesionado. Siempre había vivido para su estudio.
Bill Cottrell, que a menudo trabajaba de noche en el estudio con la cámara, decía que Walt nunca se iba a las cinco o cinco y media, cuando lo hacía la mayoría del resto del personal. Se quedaba hasta las seis o las siete y luego regresaba, a menudo con Lillian. El propio Walt admitió que le gustaba deambular por el estudio por la noche.
“No había noche que no acabáramos en el estudio”, recordaba Lillian. Entonces ella se acurrucaba en el sofá de su despacho y dormía mientras Walt trabajaba, despertándose a intervalos para preguntar qué hora era, a lo que, independientemente de la hora, Walt respondía: “Oh, no es tarde”.
Walt admitió años más tarde que retrasaba el reloj de su oficina mientras Lillian dormía para que ella nunca supiera hasta qué hora había trabajado. Incluso en la cama, dijo Lillian, solía dar vueltas en la cama, pensando en los problemas del estudio, para luego levantarse temprano y declarar: “Creo que lo tengo solucionado”.
Tras su crisis, Walt se tomó unas muy necesarias vacaciones.
También cambió sus hábitos:
La crisis nerviosa, dijo, “me despertó al hecho de que la vida es dulce y el trabajo no lo es todo”.
Así que empezó a practicar deportes, para los que nunca había tenido tiempo ni siquiera de niño: patinaje sobre hielo, natación, equitación y boxeo.
Incluso se apuntó al Club Atlético de Hollywood y luchaba allí dos o tres veces por semana, aunque admitió que no le gustaba tener que “meterse ahí en la entrepierna de alguien y sudar su vieja sudadera”.
Durante un tiempo se dedicó al golf, levantándose a las cuatro cada mañana para poder estar en el campo a las cinco y media sin entrometerse en el tiempo de estudio, jugando cinco hoyos, tomando luego un abundante desayuno y dirigiéndose al estudio, como él decía, “lleno de ánimo.”
Por supuesto, nada de esto significó que la calidad de las películas de los Estudios Walt Disney disminuyera.
Walt se aseguró de ello invirtiendo en sus animadores, algo que también haría al abrir Disneyland décadas más tarde: Ya en 1929, Walt llevaba en coche a varios de sus animadores al centro de Los Ángeles para que asistieran a clases los viernes por la noche en el Instituto de Arte Chouinard, luego iban al estudio a trabajar y después volvían a recogerlos.
En algún momento de 1931 contrató a Chouinard para que formara a una docena de sus artistas una noche a la semana.
Uno de ellos, Art Babbitt, decidió que sería más eficaz que los artistas se reunieran en su casa, cerca del Hollywood Bowl, para sesiones informales de dibujo con modelos vivos, y a finales del verano o principios del otoño de 1932 empezó a organizar estas reuniones.
La primera semana invitó a ocho artistas, y llegaron catorce. La semana siguiente invitó a los catorce, y aparecieron veintidós. Varias semanas después, Walt llamó a Babbitt a su despacho. “Supongamos que saliera en los periódicos que un grupo de artistas de Disney estaban dibujando mujeres desnudas en una casa particular”, le dijo. “No sentaría muy bien”. En su lugar, obviamente con la esperanza de atraer aún más al personal, les ofreció el plató del estudio y material gratuito.
Tras la propuesta de Walt, otro joven animador que había estado asistiendo a las sesiones en casa de Babbitt, Hardie Gramatky, sugirió que formalizaran la instrucción invitando al hombre que había dirigido las clases de Chouinard, Donald Graham, para que actuara como profesor. Babbitt se puso en contacto con Graham, y el 15 de noviembre la “gran Escuela de Arte Disney”, como la llamó Graham, celebró su primera clase.
Hablando de comprometerse con la calidad, ¿verdad?
Ese compromiso dio sus frutos a lo grande, ya que Walt entró en la edad de oro de la animación para su estudio.
Creciendo
La obsesión de Walt por la calidad le llevó a la animación en color, que a su vez le condujo a Technicolor, una empresa centrada en la película en color.
Tras ver los resultados del proceso de película en tres colores de Technicolor, Walt tuvo que tenerlo y, en 1932, se aseguró los derechos de acceso exclusivo durante dos años.
Al año siguiente, estrenó Los tres cerditos, que fue un éxito astronómico: Les reportó honores y reconocimiento en todo el mundo y atrajo la atención de jóvenes artistas y distinguidos artistas mayores hacia su medio como una salida digna para sus talentos.
Walt tenía una plantilla de casi 200 personas a finales de 1933 y el estudio obtuvo unos beneficios netos estimados en 600.000 dólares al año siguiente gracias al éxito de “Los tres cerditos.”
El estudio Hyperion estaba muy lejos de donde se encontraban Walt y Roy una década antes y había llegado el momento de hacer algunas mejoras.
Una de esas mejoras consistía en dirigir el propio estudio. Walt dijo, sin desaprobarlo, que Hyperion estaba llegando a parecerse a una “fábrica de Ford”, con la diferencia de que “nuestras piezas móviles eran más complejas que los engranajes: seres humanos, cada uno con su propio temperamento y valores que debían ser sopesados y encajados en su lugar adecuado”.
Walt siempre había estado tan preocupado por el proceso de hacer dibujos animados como por los dibujos en sí, y al comparar su estudio con la cadena de producción de una fábrica, estaba reconociendo la nueva presión que se ejercía sobre él para racionalizar ese proceso.
¿Otra mejora clave?
La concesión de licencias.
Tras ver los pésimos resultados y el terrible control de calidad de las licencias de los productos de Mickey Mouse los primeros años tras su creación, Walt y Roy firmaron un contrato con Herman “Kay” Kamen en julio de 1932.
Kamen fue una bendición.
Consiguió cuarenta licenciatarios para los productos de Mickey Mouse en un año y, deseoso de que Disney sólo se asociara con los mejores fabricantes, canceló muchos contratos con empresas menos prestigiosas.
Los resultados no sólo fueron fenomenales, sino que marcaron la pauta en la industria del entretenimiento:
Un año después, en 1934, Kamen, con una plantilla de quince personas sólo en Nueva York, había ayudado a orquestar 35 millones de dólares de ventas en mercancía Disney en Estados Unidos y una cantidad igual en el extranjero, y había abierto sucursales en toda Europa e incluso en Australia. Gracias en gran parte a los esfuerzos de Kamen, la imagen de Mickey Mouse era omnipresente e inevitable.
El ratón como merchandiser tuvo aproximadamente el mismo efecto en su propio estudio. En sus primeros cuatro años, Kamen había incrementado las licencias en un 10.000 por ciento hasta alcanzar algo menos de 200.000 dólares anuales en derechos de autor, y ya en 1934 Walt afirmaba que ganaba más dinero con los derechos accesorios de Mickey que con los dibujos animados de Mickey.
De este modo, Disney se convirtió en el primer estudio en reconocer lo que cuarenta años más tarde se convertiría en una práctica comercial habitual en Hollywood: que se podían obtener enormes beneficios de los juguetes, juegos, ropa y otros productos relacionados con las películas.
Esos resultados, por sí solos, son notables.
Pero no olvidemos que esto fue EN EL ALTO DE LA GRAN DEPRESIÓN.
Eso demuestra el tipo de poder de estrella que tenía Mickey Mouse y lo bueno que era Herman Kamen en su trabajo de vendedor.
Como Roy diría más tarde
La primera década fue arrastrándose: sólo tocino y huevos sin el tocino. Luego, la segunda década, cuando el país estaba de capa caída, éramos relativamente prósperos, y aunque ganábamos poco… poco dinero, podíamos pagar todas nuestras facturas, pagar todos nuestros salarios. Hasta entonces nunca habíamos cobrado un salario regular.
Roy Disney
Sin embargo, esta no fue la última mejora en esta época.
¿La última mejora importante?
Surgió de la insatisfacción de Walt con los cortos: El tema de los cortos era sólo un relleno en cualquier programa, así que Walt sintió, según dijo más tarde, que tenía que diversificar su negocio y “meterme en estas otras cosas, y eso me daría una mejor oportunidad.”
¿Cuáles eran esas “otras cosas” que mencionaba Walt?
Películas de animación de larga duración.
Blancanieves
Tras el éxito de Los tres cerditos, Walt empezó a pensar en grande respecto al futuro de su estudio.
El primer largometraje de animación con el que empezó fue Blancanieves .
Tenía que ser perfecta y era una empresa infernal.
Para hacer realidad ese sueño, necesitaba mucho más personal.
Después de todo, el estudio seguía contratado para producir los dibujos animados de Mickey Mouse y las Silly Symphonies.
Walt lanzó una campaña de selección de talentos para la producción de Blancanieves en junio de 1934.
Los contrataba para que se entrenaran para la hercúlea tarea que les esperaba de intermediar y asistir en Blancanieves.
Walt seguía quejándose de que, cuando contrataba a animadores veteranos, tenía que soportar sus “malditos malos hábitos de trabajo por hacer películas baratas”.
Era más fácil, creía, empezar de cero con jóvenes estudiantes de arte e inculcarles el sistema Disney.
El sistema Disney implicaba un intenso programa de formación, pero no sólo para los nuevos aprendices:
Los aprendices pasaban toda la mañana y luego, tras una pausa para comer, el resto de la tarde en clases de vida impartidas por Don Graham: ocho horas diarias en total.
Después de varias semanas se les asignaban animadores como intermedios a dieciocho dólares por semana. Incluso entonces, sin embargo, se les excusaba de asistir a clases durante un tercio o medio día, y a partir de febrero de 1935, se esperaba que asistieran a una clase nocturna todos los miércoles por la noche en el estudio de sonido.
Graham describió su curso como “clases intensivas sobre construcción de personajes, animación, maquetación, fondos, mecánica y dirección [que] ampliaban los conocimientos del estudio hasta el neófito más joven”.
Pero no sólo los aprendices asistían ahora a las clases. En otoño, con el guión de Blancanieves afinándose y la película acercándose a la fase de animación, Walt reinstauró las clases obligatorias para todo el personal artístico del estudio los martes por la noche, después de haberlas suspendido ante la gran carga de trabajo.
Incluso con su racha de contrataciones, en la primavera de 1935 Walt aún no había puesto nombre a los enanitos de Blancanieves ni había finalizado el guión.
Sin embargo, en febrero de 1936 comenzó por fin la animación de Blancanieves.
Y la obsesión de Walt por hacer la película perfecta se extendió a todos los aspectos.
He aquí los esfuerzos que hizo para conseguir el mejor color posible:
Walt había trabajado durante años para mejorar los colores de sus dibujos animados. Aunque tras muchos ensayos y errores utilizó pinturas opacas al agua fabricadas por la F. R. Miller Paint Company, los entintadores y pintores se quejaron del moho, las rayas, la pegajosidad, la falta de intensidad, la grumosidad, la gama limitada y las manchas. Walt buscó una solución.
Finalmente, el estudio desarrolló su propio aglutinante, que mantenía unida la pintura, con una base de goma arábiga que incluso era rehumectable para que los pintores pudieran corregir los errores.
El estudio también molía toda su propia pintura con un juego de molinos de disco que en su día se habían utilizado para moler alimentos, e instaló un espectrofotómetro, uno de los veinte que había entonces en el mundo, para medir los colores con exactitud.
Según un recuento, el departamento de pintura de Disney tenía mil doscientos pigmentos distintos. Sabiendo que Technicolor no podría reproducirlos con exactitud, Walt hizo colocar en la pared un gran gráfico, de unos seis o siete pies de altura, que mostraba cómo se registrarían los colores en la pantalla.
Para terminar de rodar la película antes de su estreno, Walt y su equipo trabajaban como locos:
A medida que se adentraban en el otoño, el personal trabajaba veinticuatro horas al día en turnos de ocho horas, y muchos de ellos trabajaban también sábados y domingos, por lo que, como una prueba más de su compromiso con la secta, no cobraban horas extras.
Los paneles luminosos de animación se calentaban tanto que los artistas podían quemarse los brazos y las manos. Quedaban tantos fotogramas por fotografiar que el departamento de cámaras trabajaba en dos turnos de doce horas, de ocho a ocho.
Todo ese duro trabajo dio sus frutos con el estreno de Blancanieves el 21 de diciembre de 1937.
Blancanieves arrasó, recaudando 3,5 millones de dólares sólo en Estados Unidos y Canadá y devolviendo más de un millón de dólares al estudio de Walt.
En mayo de 1939 era la película estadounidense más taquillera, con 6,7 millones de dólares, y se exhibió en 49 países cuando terminó su proyección ese año.
Se convirtió en una de las películas de animación más populares de todos los tiempos.
El éxito de la película era muy necesario, ya que el coste de producirla fue de un millón de dólares, y el personal añadido también obligó a Walt a pedir prestados 2,3 millones de dólares al Bank of America desde mayo de 1936 hasta mayo de 1938.
La deuda se saldó a los cinco meses del estreno de la película y Walt pagó 750.000 dólares en primas a su personal en junio, diciendo a un columnista: “Se lo merecen. Hicieron posible la película, ¿verdad?”.
Con Herman Kamen al frente de la concesión de licencias, se crearon 2.183 productos diferentes de Blancanieves , sólo en juguetes de Blancanieves se habían vendido 2 millones de dólares en mayo de 1938, e incluso se vendieron pañuelos de Blancanieves por valor de 2 millones de dólares.
Walt, que tenía 36 años cuando se estrenó la película, era un icono, pero no le importaba mucho ser una celebridad:
Que yo recuerde, ser una celebridad nunca me ha ayudado a hacer una buena película, ni a hacer un buen tiro en un partido de polo, ni a conseguir la obediencia de mi hija, ni a impresionar a mi mujer. Ni siquiera mantiene a las pulgas alejadas de nuestros perros.
Walt Disney
Tampoco le importaba gastar su dinero frívolamente, algo que amplió cuando le preguntaron cómo gastaría sus riquezas después de Blancanieves:
Podría comprar una gran casa en Florida y llenarla de cuadros caros y otros cachivaches, pero ¿para qué? Eso es para la gente que se aburre o quiere impresionar a los vecinos.
Walt Disney
Gracias al éxito de Blancanieves, Walt comenzó a planear un nuevo estudio en Burbank en otoño de 1938.
Este estudio sería enorme, construido en 50 acres de terreno, y se preveía que costaría 2 millones de dólares. Sólo el edificio de animación tendría 152.000 pies cuadrados, más de tres veces el tamaño del edificio de animación del estudio de Hyperion Avenue.
También mantuvo a Walt locamente ocupado: Aquel diciembre, mientras retocaba Bambi, Walt Disney tenía ante sí otra imponente tarea: supervisar el traslado de Hyperion al nuevo estudio de Burbank.
Todo el tiempo que estuvo trabajando en Pinocho, Fantasía y Bambi, a través de las docenas y docenas de reuniones y sesiones de sudar la gota gorda, también había estado implicado en la planificación y construcción en Burbank, normalmente consultando con los ingenieros y arquitectos tres veces por semana y haciendo avanzar el proyecto de una manera de ensayo y error no muy diferente a la de Bambi.
“Todo era nebuloso entonces”, dijo Frank Crowhurst, el contratista general, sobre las diversas ideas que barajaron. “Esperábamos que funcionara”.
Habían puesto la primera piedra del Edificio de Animación a finales de febrero de 1939, con la intención de terminar todo menos el Edificio de Administración para octubre.
Durante los años posteriores a Blancanieves, Walt estrenó Pinocho (1940), Fantasía (1940), Dumbo (1941) y Bambi (1942), pero, con el inicio de la Segunda Guerra Mundial en 1939, el estudio pasaría apuros.
Luchas
¿Qué efecto puede tener una guerra mundial en una película?
He aquí cómo afectó a Pinocho:
El propio Walt, aunque se erizaba ante cualquier sugerencia de que Pinocho no hubiera ido bien, tenía una explicación más sencilla.
Culpó a la competencia de Lo que el viento se llevó, la superproducción cinematográfica que se había estrenado sólo unas semanas antes, y a la propia guerra, que redujo considerablemente los beneficios.
A causa de la guerra, la película sólo se tradujo a dos idiomas, español y portugués, y sólo recibió el 45% de su recaudación de fuera de Estados Unidos y Canadá, bastante menos que Blancanieves.
Sólo en Inglaterra, donde Blancanieves había recaudado 2 millones de dólares, Pinocho recaudó únicamente 200.000 dólares. Al fin y al cabo, recaudó unos 2 millones de dólares, de los que el estudio recibió 1,2 millones sobre una inversión total de 2,7 millones. Aun así, muchos considerarían Pinocho como la obra maestra de Walt Disney, la cumbre del arte de la animación.
Ese no fue el final de los problemas de Walt.
Fantasía tampoco funcionó bien financieramente y a principios de 1941 el estudio de Walt estaba muy endeudado.
Lo que vino después fue una huelga laboral de muchos animadores de Disney de mayo a septiembre.
Un verano cruel.
El número de empleados en nómina pasó de 1.200 antes de la huelga a 694 cuando el trabajo continuó.
La huelga, como puede imaginarse, también destruyó la moral.
Después de volver a tener problemas financieros y de que Roy se quejara de que las imágenes que Walt producía costaban demasiado dinero, Walt dejó claro cómo funcionaba la operación:
Roy, nosotros haremos las películas, tú te quedas con el dinero.
Walt Disney
Lo que mantuvo económicamente al estudio de Walt durante la guerra fue la creación de películas para el gobierno.
La noche después del ataque a Pearl Harbor, Walt recibió una llamada de la marina para producir veinte películas para ellos, y a finales de 1942, Walt se convirtió en el líder de la producción de películas para el gobierno.
En 1943, el 94% de la producción del estudio se destinaba al gobierno.
Walt describió más tarde haber perdido cuatro años de producción a causa de la guerra y 1946 fue uno de los más infelices en el estudio.
Trágicamente, unos años más tarde, en octubre de 1949, Herman “Kay” Kamen murió en un accidente de avión, poniendo fin a una asociación increíblemente fructífera de 17 años.
En 1950, el estudio de Walt volvió por fin a encontrar el éxito financiero con el estreno de La isla del tesoro y Cenicienta.
¿Pero el mayor logro de la carrera de Walt?
Eso ocurriría en 1955, tras años de preparación.
Pensar a lo grande
A lo largo de toda la carrera de Walt, lo que le impulsaba era hacer algo que no se hubiera hecho antes.
Con la animación, rompió barreras, tanto en la percepción pública de la animación como en el arte del propio medio.
Como con cualquier cosa que hacía, Walt se obsesionó.
Así que no es de extrañar que el 31 de agosto de 1948, Walt enviara un memorándum detallado a uno de los artistas de su estudio con su visión de un parque de atracciones, tras su insatisfacción con otros que había visto.
Fue una de sus primeras descripciones de su concepto de parque de atracciones y, tras obsesionarse con los trenes en 1947, regalándose incluso uno para Navidad ese año, el memorándum incluía planos para una estación de ferrocarril.
Esto era sólo una idea.
Walt tenía muchas ideas.
Sin embargo, ésta era una que no podía dejar escapar, incluso después de sentirse consternado por otras atracciones que había visto, como le dijo a su mujer, Lillian:
Estoy casi dispuesto a renunciar a la idea de un parque de atracciones después de ver Coney Island. Todo el lugar está tan deteriorado y es tan feo. La gente que lo dirige es tan desagradable. El conjunto es casi suficiente para destruir tu fe en la naturaleza humana.
Walt Disney
Lillian no entendía en absoluto por qué Walt se involucraría en un parque de atracciones, habiendo experimentado sus trampas de primera mano.
Para Walt, se trataba de una oportunidad:
Esa es exactamente la cuestión. El mío no va a ser así. El mío va a ser un lugar limpio, donde toda la familia pueda hacer cosas junta.
Walt Disney
La idea de Walt de un parque de atracciones se hizo mucho más real el 27 de marzo de 1952, cuando los planos de su parque aparecieron en el Burbank Daily Review y describió su parque de atracciones:
Disneylandia será algo así como una feria, una exposición, un parque infantil, un centro comunitario, un museo de hechos vividos y un lugar de exhibición de belleza y magia.
Walt Disney
Para desarrollar el parque, Walt y Roy formaron una empresa independiente, WED Enterprises (que más tarde se convertiría en Walt Disney Imagineering), con la que licenciaron el nombre de Walt Disney a Walt Disney Products y consiguieron para Walt un contrato de servicios personales.
Aunque uno de los planes originales era crear un parque de 10 a 15 acres en Burbank, cerca de los Estudios Walt Disney, al final la ciudad no quiso lo que describieron como “kiddieland” en Burbank.
Ellos se lo perdieron.
Walt buscó en otra parte.
Pero no contaba con el equipo necesario para asumir la tarea de diseñar y encontrar un terreno tan grande como necesitaban sus crecientes ambiciones.
Así que contrató a los arquitectos Charles Luckman y William Pereira por 3.000 dólares en abril de 1952 para que se hicieran cargo de la tarea.
Ellos tampoco pudieron encargarse.
El proyecto era demasiado grande y complejo.
Pero el tiempo que pasaron trabajando juntos no fue en vano:
En una fiesta celebrada ese verano, Charles Luckman presentó a Walt a Harrison “Buzz” Price, del Instituto de Investigación de Stanford (SRI), que había realizado estudios para Luckman en un proyecto de estadio en Hawai, y sugirió a Walt que contratara a Price para examinar los emplazamientos para Disneylandia.
Walt se reunió con Price en julio de 1953.
Price estaba por la labor, pero ni siquiera él se convenció inmediatamente de la idea:
Sonaba extraño, distinto a todo lo que cabría esperar en un parque de atracciones. En una época en la que la mayoría de los parques se planificaban como una cuadrícula con acceso por cuatro lados, [Disney] esbozó un concepto de diseño de una única entrada al parque que pasaría por una calle principal de principios de siglo, que terminaría en una plaza circular o plaza del pueblo. Esta zona desembocaría radialmente en cuatro áreas temáticas de actividad, el Mundo del Mañana, Fantasyland, Frontierland y Adventureland.
Mientras que la mayoría de los parques de atracciones querían tener toda la visibilidad posible de la calle, todo el parque de Walt estaría oculto del mundo exterior por una alta berma ajardinada… Hablaba de paseos, exhibiciones y atracciones personalizadas en lugar de la noria estándar y el túnel del amor. … Las atracciones estarían subordinadas a la historia y al escenario. Lo más impactante es que no había atracciones de emoción.
Harrison “Buzz” Price
Walt, como siempre, estaba adoptando un enfoque diferente.
Además, operaba con un plazo ambicioso: dos años para abrir el parque.
Así que Price se puso manos a la obra para encontrar un emplazamiento, uno que se ajustara a los mandatos de Walt:
El terreno debía ser llano, relativamente despoblado pero de fácil acceso para los automóviles, y en ningún lugar cerca del agua.
A Disney no le gustaba la idea de veraneantes cubiertos de arena recorriendo su parque vestidos de playa; tampoco quería competir con el océano Pacífico: Disneylandia debía ser su propia atracción.
Aparte de esto, ofreció pocos detalles concretos: sólo que necesitaba unos 150 acres en algún lugar del sur de California.
Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):
¿La ubicación que más atractivo tenía?
El condado de Orange.
Es fácil entender por qué: El condado de Orange también parecía tener la menor pluviosidad, la menor humedad y las temperaturas menos extremas de las zonas consideradas y, quizá lo mejor de todo, estaba bien situado para el transporte.
Tras eliminar más de cuarenta emplazamientos en el condado de Orange y sus alrededores (por motivos que iban desde lucir antiestéticos pozos petrolíferos hasta albergar un campo de trabajo para ciudadanos mexicanos), SRI se decantó por una parcela de 160 acres en Anaheim llamada la subdivisión de Ball Road, que era básicamente un gran bosque de naranjos, cuatro mil, en una zona que era la mayor proveedora de naranjas Valencia del país.
¿El problema?
Mantener en secreto la ubicación para poder asegurarse el terreno sin que otros lo compraran.
Cuando alguien compró veinte acres del terreno propuesto de 160 acres en Anaheim, Walt, frustrado, estaba dispuesto a buscar en otra parte.
Pero Keith Murdoch, el administrador municipal de Anaheim, no iba a permitir que eso sucediera.
Sabía lo importante que era para la ciudad de Anaheim convertirse en la sede de Disneyland.
¿La solución?
Cerrar una carretera pública y comprar terrenos en el límite sur del emplazamiento original para conseguirle a Walt la superficie que necesitaba.
Salvaje.
Por 879.000 dólares Walt tenía 160 acres de naranjos y granjas.
Ahora necesitaba construir el parque y encontrar la forma de financiar sus crecientes costes.
Construir Disneylandia
Aunque en un principio se estimó que costaría 1,5 millones de dólares, Disneylandia, con la ambición cada vez mayor de Walt, acabó costando más de 10 veces esa cantidad.
Esto suscita la pregunta: ¿Cómo lo financió?
En los primeros tiempos, Walt financió Disneylandia él mismo: Empeñó su seguro de vida, vendió su casa de verano y pidió prestado cada dólar que pudo para construir lo que era un tributo tridimensional no tanto a sí mismo como a cómo le gustaría ver el mundo, y persuadir a los demás para que lo vieran.
Pero necesitaba ayuda a medida que aumentaban sus gastos.
La televisión le salvó.
Más concretamente, la ABC, sobre la que Walt bromeó más tarde: “La ABC necesitaba tanto el programa de televisión que compró el parque de atracciones.”
Y cuando dijo “compraron el parque de atracciones” lo dijo en serio.
En un acuerdo masivo para llevar la programación de Disney a la ABC, en un momento en que el coste estimado del parque pasó de 1,5 a 5,25 millones de dólares, la ABC invirtió 500.000 dólares directamente en el parque y garantizó un préstamo bancario de 4,5 millones de dólares, recibiendo el 34,48% de Disneyland, Inc.
Después de asegurar arrendamientos a largo plazo con varios proveedores en Disneyland, Walt tenía su financiación. Por el momento.
La programación que Walt proporcionaba a la ABC no sólo era increíblemente popular, sino que servía de publicidad semanal para el parque Disneyland.
Uno de los mayores triunfos fue Davy Crockett, que debutó el 4 de diciembre de 1954, y que pronto fue una sensación, vendiendo 300 millones de dólares en mercancía en los meses siguientes, incluyendo diez millones de gorras de piel de mapache de Davy Crockett.
Pero cuando llegó el momento del Parque Disneyland, que empezó a construirse el 12 de julio de 1954, Walt tendría que superar una montaña de problemas cuando sólo faltaba un año para la inauguración.
Esta vez, no haría concesiones:
Esta vez Walt no quería recortar gastos, no quería comprometer su visión. Cuando un empleado le sugirió que utilizara vidrio tallado en lugar de vidrieras en una atracción llamada Storybook Land, Walt se opuso.
“Mire, lo que va a hacer que Disneylandia sea única y diferente”, insistió, “es el detalle. Si perdemos el detalle, lo perdemos todo”.
Un aspecto de ese detalle era la escala de Disneylandia: Para conseguir efectos cinematográficos, había manipulado las proporciones del parque. A menudo se decía que Walt había construido todo el parque a escala de cinco octavos. En realidad, el ferrocarril era a escala de cinco octavos, lo que permitió a Walt utilizar raíles de vía estrecha y acondicionar trenes de vía estrecha.
Main Street era una función de escorzo inteligente. Los pisos inferiores de las tiendas eran a escala de nueve décimas, los segundos de ocho décimas y los terceros de siete décimas.
En cuanto al resto del parque, Walt le escribió a un viejo conocido que la “escala de los objetos varía según qué y dónde estén”, lo que él llamaba una “cuestión de elegir la escala que fuera práctica y aun así pareciera correcta”.
El Mark Twain, dijo, se construyó a escala tres cuartos. La razón, afirmaba Walt, era psicológica -una lección aprendida, sin duda, de sus miniaturas en Disneylandia. Por un lado, el tamaño alterado “convertía la calle en un juguete”, opinaba, y proporcionaba la diversión subliminal propia de los juguetes. Por otro, subrayaba el sentimiento de nostalgia porque asociaba el pasado y lo fantástico con lo pequeño y pintoresco.
Otro ejemplo del nivel de detalle que tenía Disneylandia eran las diligencias:
Se preocupaba por las diligencias. Eran fieles reproducciones de las famosas Wells Fargo Concord Coaches que estuvieron por todas partes en el Oeste americano durante medio siglo, pero construidas a una escala lo suficientemente pequeña para que los caballos en miniatura pudieran tirar de ellas.
Fueron de las primeras atracciones del parque en terminarse, pero la presión del tiempo ya pesaba sobre todos.
Un día, John Hench pasó por allí para comprobar el progreso de los carruajes y tuvo una idea, que llevó a su jefe. “¿Por qué no dejamos las correas de cuero, Walt? La gente nunca va a apreciar tanto detalle”.
La misma escrupulosidad que recientemente había hecho que Disney se negara a conceder la licencia de un revólver Colt de Davy Crockett porque el arma de fuego no había existido en la época de Davy, trató a Hench con un pequeño y agrio sermón: “Estás siendo un mal comunicador. La gente está bien, no lo olvide nunca. Responderán a ello. Lo apreciarán”. ‘
Hench no discutió. “Pusimos las mejores malditas correas de cuero en esa diligencia que jamás haya visto”.
Por último, se formó al personal a través de la “Universidad Disney” para que se distinguiera del común de los trabajadores de los parques de atracciones.
Todos estos detalles hicieron que Disneylandia fuera especial, pero, antes de la inauguración del 17 de julio de 1955, hubo problemas constantes.
Los fontaneros y asfaltadores del condado de Orange se declararon en huelga, Walt tuvo que elegir entre instalar retretes o fuentes de agua para el día de la inauguración, y el asfalto no se había enfriado completamente para el día de la inauguración.
En los meses previos a la inauguración, Anaheim vivió uno de sus años más lluviosos en una década, lo que provocó retrasos en la construcción.
A pesar de todos los problemas, Walt no iba a retrasar el día de la inauguración.
No tenía muchas opciones: se iba a retransmitir en directo por televisión.
Inauguración de Disneylandia
La retransmisión completa en directo del día de la inauguración de Disneylandia está disponible gratuitamente en YouTube, lo que me parece asombroso.
La inauguración del 17 de julio fue todo un espectáculo, por no decir otra cosa, y se suponía que sólo iba a estar abierta a la prensa y a los invitados especiales que tenían entradas gratuitas, 15.000 en total.
La asistencia fue de más de 28.000 personas.
La gente creó entradas falsificadas e incluso utilizó una escalera para trepar por una de las vallas y colarse.
Una locura.
Dado que la ABC había sacado anuncios a toda página en los periódicos para la retransmisión en directo de la inauguración del parque y que Walt había promocionado la apertura del parque con la programación de Disneylandia durante los nueve meses anteriores, un número récord de personas lo sintonizó: Estados Unidos contaba con 169 millones de ciudadanos el 17 de julio de 1955 y 90 millones de ellos lo vieron. Eso suponía el 54,2% de la población, una proporción mayor de la que vería el episodio final de M*A*S*H, o cualquier Super Bowl, o incluso el alunizaje.
El propio parque Disneylandia el día de la inauguración fue un desastre.
Había una fuga de gas en una sección del parque, algunas concesiones se quedaron sin comida al mediodía, la temperatura superaba los 100 grados, las colas para ir al baño eran tan largas como las colas para acceder a las atracciones, y así sucesivamente.
Los problemas surgieron en cuanto llegó la gente: Los problemas empezaron en la puerta. El asfalto recién colocado era aún tan blando que Dick Nunis recordaba haber visto cómo chupaba los zapatos de tacón alto de las mujeres, siendo la esposa de Frank Sinatra una de las víctimas;
Y sin embargo, a pesar de todos los problemas, y tras un año de construcción a cargo de 3.000 trabajadores, Disneylandia estaba abierta.
La verdadera prueba llegó al día siguiente.
Claro que la gente acudió gratis, pero ¿pagarían?
Sí, sí lo harían.
26.007 de ellos.
Tener clientes que pagaban era la reivindicación definitiva para Walt.
Roy también se sintió aliviado, respondiendo a un empleado del aparcamiento que le habló de unos niños que orinaban en el aparcamiento porque el tráfico se había atascado en la autopista con un “Dios los bendiga, déjenlos orinar”.
Increíble lol.
Disneylandia, desde el principio, fue un éxito masivo.
161.657 visitantes en la primera semana.
Más de 500.000 visitantes en las primeras cuatro semanas.
3,6 millones en el primer año.
4 millones en el segundo año.
La empresa de Walt pasó de 11 millones de dólares de ingresos brutos en 1954 a 24,5 millones en 1955.
El verdadero impacto podría medirse por una experiencia que Jack Lindquist, uno de los primeros responsables de publicidad de Disneylandia, tuvo en el parque:
Mientras paseaba por delante de los tranquilos y resplandecientes edificios, “una familia llamó mi atención, y mientras la madre, el padre y su hijo de diez años y su hija menor caminaban por Main Street, les seguí. Iban vestidos con pulcritud pero sin estilo; el padre y el hijo llevaban mono de trabajo. La madre llevaba un vestido y un abrigo de algodón. Todos iban cogidos de la mano”.
Cuando la familia se detuvo ante el árbol de Navidad de Town Square, Jack vio cómo la niña tiraba del brazo de su madre y la oyó decir: “Mamá, esto sí que era mejor que tener a Papá Noel”.
Lindquist se dio cuenta de que “Papá Noel no les traía regalos”. Los padres debieron decir a sus hijos que si iban a Disneylandia, Papá Noel no podía traer regalos”.
Para el nuevo director de publicidad, “este breve momento resultó ser mi recuerdo más significativo del parque porque simbolizaba lo que significamos para la gente: No somos la cura para el cáncer, no vamos a salvar el mundo, pero si podemos hacer a la gente así de feliz durante unas horas al día, entonces estamos haciendo algo que merece la pena.”
Por supuesto, Disneylandia seguía necesitando muchas mejoras después del día de la inauguración.
Walt estuvo muy involucrado en mejoras y nuevas atracciones como el Matterhorn y el Monorraíl durante años, pero también tenía planes para algo mucho más grande.
Disney World y más allá
Disneylandia cambió a Walt: Con el éxito de Disneylandia, se vio a sí mismo no sólo como un animador o incluso un operador de parques de atracciones, sino como un planificador visionario que podía imponer su voluntad en el entorno como la había impuesto en la pantalla. Disneylandia era sólo un prototipo de lo que él sentía que podía hacer en todo el país.
Una vez más, pensaba en grande.
Walt no iba simplemente a copiar lo que había hecho en Disneylandia, iba a hacer algo nuevo:
La verdad era que Walt no estaba especialmente interesado en construir otro parque de atracciones en Disney World, como iba a llamarse el nuevo complejo, y cuando Roy formó un comité central para establecer la estrategia general del parque, Walt ni siquiera era miembro.
Walt ya había construido un parque y, como Roy le dijo a un periodista, “Walt se resiste instintivamente a hacer lo mismo dos veces. Le gusta probar algo nuevo”. Lo que no había hecho -lo que llevaba mucho tiempo esperando y soñando hacer desde al menos la Ciudad de las Artes- era crear todo un entorno urbano desde cero: una ciudad perfecta… La llamó Comunidad Prototipo Experimental del Mañana, o EPCOT, y como dijo Marvin Davis, “fue el verdadero wienie” de Disney World.
The Walt Disney Company comenzó a explorar ubicaciones para el nuevo proyecto de Walt ya en 1959.
Tras decidir que Florida Central era el mejor emplazamiento, Walt empezó a sobrevolar posibles parcelas en noviembre de 1963, y compró la primera en secreto en octubre de 1964.
Quería entre 5.000 y 10.000 acres, una cantidad enorme, sobre todo comparada con los 160 acres de Disneyland.
El 15 de noviembre de 1965, Walt y el gobernador de Florida, Haydon Burns, hicieron un anuncio formal sobre Disney World.
Lamentablemente, Walt nunca vería Disney World hecho realidad.
El 15 de diciembre de 1966, a los 65 años, Walt Disney murió de cáncer de pulmón tras haber fumado constantemente durante gran parte de su vida.
Su hermano, en un comunicado emitido tras su muerte, dijo de Walt
La muerte de Walt Disney es una pérdida para toda la gente del mundo. No hay forma de sustituir a Walt Disney. Era un hombre extraordinario. Quizá nunca haya otro como él.
Roy Disney
Walt era un narrador magistral, un constructor de mundos imaginativos y una inspiración para millones de personas.
Investigar sobre él durante las últimas semanas ha sido una alegría absoluta para mí y espero que haya disfrutado aprendiendo sobre él.
La sabiduría de Walt Disney
En cada edición del boletín Just Go Grind, me gusta incluir al final algunas citas más de mi investigación sobre el fundador que aparece, compartiendo su sabiduría.
Sobre la ambición:
Era ambicioso y quería hacer mejores fotos, pero la longitud de mi previsión se mide por esta admisión: Incluso en 1930, mi ambición era poder hacer dibujos animados tan buenos como la serie de las Fábulas de Esopo.
Walt Disney
Sobre el impulso obsesivo de Walt
A los ojos de Walt, su estudio no debía estar sujeto a las presiones del mundo; era su refugio frente a ellas, un lugar sagrado. Y sus animaciones no podían verse comprometidas; tenían que ser mejores que las de los demás o él no sobreviviría en el negocio; ni querría sobrevivir.
La excelencia no era sólo la estrategia empresarial de Walt, era la razón por la que dirigía el estudio y la fuerza que mantenía intacto su mundo personal. “Si quiere conocer el verdadero secreto del éxito de Walt”, diría el veterano animador Ward Kimball, “es que nunca intentó ganar dinero. Siempre intentaba hacer algo con lo que pudiera divertirse o sentirse orgulloso”.
Datos verificados por: Dewey
[rtbs name=”industrias”] [rtbs name=”cultura”]Recursos
[rtbs name=”informes-jurídicos-y-sectoriales”][rtbs name=”quieres-escribir-tu-libro”]Véase También
Estudios Cinematográficos, Industrias Creativas, Productos Culturales, Artes, Artes Visuales, Documentación, Industria de la comunicación
Estudios Culturales, Exploraciones Interculturales, Guía de la Historia Cultural, Medios de Comunicación, Perspectivas Interculturales,
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