El Teatro
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Organización como Teatro
Organizaciones (empresas, la Administración, ONGs) están enfrentando los desafíos del liderazgo (véase también carisma) contemporáneo. Los teóricos dramatúrgicos e institucionales han explorado el papel del teatro en las organizaciones. Esta entrada se ocupa también del teatro como un modelo sobre el cambio organizacional en las organizaciones, y la sección comienza discutiendo sus puntos de vista y luego describe la estructura y otros procesos organizacionales como teatro. La teoría institucional, una adición bastante reciente a la literatura de administración, se basa en ideas de teorías dramatúrgicas anteriores. La teoría institucional ha sido criticada por centrarse más en por qué las organizaciones no cambian que en cómo lo hacen y por atender a por qué las organizaciones son irracionales en lugar de cómo podrían llegar a ser más eficaces.Si, Pero: Pero las ideas proporcionan un contrapeso a los puntos de vista tradicionales de las organizaciones como sistemas cerrados y racionales.Entre las Líneas En tales puntos de vista, las demandas funcionales dan forma a la arquitectura social.
Pormenores
Las actividades de las personas en las organizaciones sirven como guiones y marcas escénicas para las oportunidades de autoexpresión, la improvisación para airear las quejas y los anfiteatros para negociar nuevos entendimientos. La entrada sobre el teatro como modelo y ejemplo de cambio organizativo en las organizaciones ilustra además cómo estas formas figurativas alteran el contexto de las reuniones, la planificación, las evaluaciones de la actuación profesional, la negociación colectiva, el ejercicio del poder y la gestión simbólica.Entre las Líneas En el clima empresarial actual, las tendencias de liderazgo (véase también carisma) van y vienen; lo pasajero o temporal (que no tiene ningún efecto a largo plazo) es la estrategia obsoleta de mañana, pero un marco de liderazgo (véase también carisma) construido sobre una base sólida servirá bien a la mayoría de las organizaciones sin importar lo que depare el futuro.
Revisor: Lawrence
Teatro en la Vida Contemporánea
Trabajo, ocio y teatro
En general, los seres humanos han considerado serias las actividades que ayudan a la supervivencia y a la propagación de la especie. Sin embargo, en todos los niveles de sofisticación, las actividades humanas serias ofrecen oportunidades de entretenimiento. Quizás los miembros de la especie humana nunca han hecho una distinción clara entre trabajo y juego. Todo tipo de trabajo puede disfrutarse en las circunstancias adecuadas, ya sea la cirugía, la carpintería, las tareas domésticas o el trabajo de campo. Los mejores trabajadores se dedican a trabajos que permiten, incluso exigen, la expresión de su invención e ingenio. De hecho, los trabajadores más valiosos no suelen ser los más esforzados, sino los más ingeniosos y con más recursos, y a medida que sus tareas aumentan en complejidad y responsabilidad, aumenta la necesidad de inteligencia e imaginación. Estas cualidades también se expresan en el juego de estas personas.
En las épocas y lugares en los que el teatro se ha vuelto frívolo o vulgar o simplemente aburrido, los espectadores más educados han tendido a alejarse de él. Este fue el caso de Londres durante la primera mitad del siglo XIX. Un movimiento similar de alejamiento del teatro por parte de los intelectuales se produjo en la ciudad de Nueva York a mediados del siglo XX, ya que cada vez se realizaban menos producciones dramáticas serias. Mientras que Broadway se dedicó principalmente a los musicales o a las estrellas, el interés por el teatro serio se desarrolló en los teatros más pequeños y especializados de Off-Broadway y Off-Off-Broadway y en los teatros regionales.
De las muchas teorías y filosofías que se han propuesto sobre los fines del arte teatral, desde la Poética de Aristóteles en adelante, la mayoría presupone que el teatro está dirigido a una élite formada por los miembros más adinerados, con mayores conocimientos y mejor educados de una comunidad.Entre las Líneas En estas teorías, se supone que el teatro popular es ruidosamente alegre y atrozmente sentimental, con melodías fáciles, chistes obvios y mucho “negocio” de burlas.Entre las Líneas En el siglo XX, sin embargo, las distinciones entre las clases sociales en Occidente se hicieron más borrosas. Los modales igualitarios se pusieron de moda, incluso fueron obligatorios, y las teorías que otorgaban al arte serio un papel exclusivo para las clases altas perdieron gran parte de su fuerza. Asimismo, el interés de las élites por las formas “folclóricas” generó nuevos públicos para dichas formas y ayudó a salvar tradiciones en todo el mundo que, de otro modo, podrían haber sucumbido a la industrialización y la globalización cultural.
Paradójicamente, aunque en las naciones industrializadas hay más gente que disfruta del ocio que nunca, no se ha producido un aumento proporcional de la asistencia al teatro. A diferencia de los aristócratas de antaño, las personas que ejercen profesiones de cuello blanco o están empleadas en puestos de dirección suelen disponer de poco tiempo de ocio. Entre las personas que trabajan en la industria, cuyo tiempo de ocio ha aumentado, una parte importante no opta por asistir al teatro con regularidad. Además, los esfuerzos del teatro por atraer a toda la comunidad han sido generalmente inútiles. Existe un abismo cada vez mayor: por un lado, una pequeña minoría entusiasta y ruidosa clama por las galerías de arte, los conciertos sinfónicos y el teatro; por otro lado, la mayoría es apática con respecto a estos pasatiempos e instituciones culturales. La apatía -o incluso la hostilidad- que siente la mayoría se puso de manifiesto en los años ochenta y noventa en las polémicas sobre las ayudas estatales a las artes, centradas especialmente en el National Endowment for the Arts de Estados Unidos y el Arts Council de Gran Bretaña.
El papel de las subvenciones
En la mayoría de los países a principios del siglo XXI, un teatro serio, con o sin asistencia masiva de público, tenía que sostenerse con un apoyo financiero que iba más allá de los ingresos de taquilla. Los fondos públicos se utilizaban -y se siguen utilizando- para este fin en toda Europa y en gran parte de Asia y África. La hipótesis que subyace a este tipo de subvenciones es que un teatro serio es demasiado costoso para pagarse a sí mismo. Por lo general, los teatros nacionales situados en entornos urbanos son los destinatarios de las ayudas.
En Gran Bretaña, en 1940, ante la amenaza de una inminente invasión en la Segunda Guerra Mundial, el gobierno nacional dio los primeros pasos para subvencionar el teatro garantizando una gira de la compañía teatral Old Vic contra las pérdidas. Posteriormente, con la creación del Consejo de las Artes de Gran Bretaña en 1946, su apoyo al teatro aumentó continuamente.Entre las Líneas En la década de 1970 se destinaban muchos millones de libras al año a apoyar una red de teatros regionales, pequeños grupos en gira, los llamados teatros marginales y los “centros de excelencia”, es decir, el Royal National Theatre, la Royal Shakespeare Company, la English National Opera y la Royal Opera House de Covent Garden. La subvención en Gran Bretaña fue el medio por el cual la industria teatral británica se convirtió en la más fuerte del mundo, tanto como una exportación importante como una atracción turística principal. Sin embargo, bajo los sucesivos gobiernos conservadores, estas subvenciones se redujeron drásticamente y, en la década de 1990, los fondos derivados de la lotería nacional sustituyeron a las ayudas directas del gobierno.
Hasta mediados del siglo XX, el mecenazgo privado y los ingresos de taquilla seguían siendo los únicos soportes del teatro legítimo en Estados Unidos, pero con el tiempo se fomentó el apoyo benéfico mediante una estructura de desgravaciones fiscales y por organizaciones filantrópicas como la Fundación Ford. Sin embargo, con pocas excepciones, el teatro profesional en Estados Unidos siguió siendo un negocio estrictamente comercial.Entre las Líneas En Occidente, a finales del siglo XX, sólo en Alemania existía un nivel verdaderamente generoso de apoyo federal y cívico a las artes.
A principios del siglo XXI, el dinero privado compensó la disminución de las subvenciones públicas tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña. El patrocinio de las empresas se hizo cada vez más importante a la hora de suscribir compañías de teatro y espectáculos específicos. Este tipo de financiación (o financiamiento) solía favorecer a los teatros de gran presupuesto y a las compañías consolidadas (en particular la ópera, el ballet y los teatros regionales) con fuertes vínculos con las comunidades filantrópicas y empresariales locales. Las compañías de nueva creación o más pequeñas tenían menos probabilidades de sostenerse gracias al patrocinio empresarial; esta financiación (o financiamiento) también solía ser considerada un anatema por las compañías comprometidas con la crítica política.
Teatro académico
A partir de la segunda mitad del siglo XX, las universidades estadounidenses y europeas con departamentos de arte dramático desarrollaron una importante actividad teatral. Sus teatros, a veces más bonitos y mejor equipados que los teatros profesionales, presentaban obras de todo tipo a comunidades que a menudo estaban fuera del alcance de las compañías regionales o itinerantes. Hoy en día, millones de personas asisten cada año a las representaciones de los teatros universitarios y, en cuanto a la planificación y elección de programas, el nivel del teatro académico suele rivalizar con el del teatro profesional, ya que su objetivo es educativo. Sin embargo, muchos de los papeles principales, ya sea en clásicos o en potboilers, exigen actores seguros y con autoridad de entre 35 y 50 años. El teatro académico, por tanto, se ve perjudicado al principio por la falta de experiencia de la mayoría de sus estudiantes-actores, aunque a veces se contrata a actores profesionales para producciones especiales o para ser actores en residencia.
Un inconveniente más grave es que la dirección de los departamentos de arte dramático y de los teatros universitarios suele confiarse a profesionales del teatro que, para cumplir con sus obligaciones docentes, a menudo no pueden dedicar mucho tiempo y energía al teatro. Además, la mayoría de los teatros universitarios funcionan con presupuestos extremadamente bajos y, si bien el dinero sin gusto e inteligencia no puede crear buen teatro, el gusto y la inteligencia sin dinero rara vez pueden hacerlo tampoco.Entre las Líneas En algunos casos se puede alcanzar el más alto nivel gracias a la pura ingeniosidad, pero, en general, los presupuestos reducidos dan lugar a ese aire desesperado de “arreglárselas”, casi una marca registrada del teatro académico.
Es un error común en los colegios y universidades suponer que la mera producción de una obra maestra debe suponer una experiencia educativa para los actores y el público por igual. No es así. Una actuación y una dirección incompetentes pueden reducir la mayor obra maestra a un tedio sofocante e insoportable. Además, en muchas escuelas el teatro debe ser económicamente autosuficiente, y cada temporada se pone en escena uno de los exitosos musicales de Broadway de antaño para redimir las pérdidas sufridas por Shakespeare, Molière y O’Neill.
No obstante, el personal y los actores de la mayoría de los teatros profesionales actuales adquieren gran parte de su experiencia inicial en el teatro académico. Los programas de prácticas suelen facilitar la transición de los estudiantes de los programas de grado o posgrado al mundo profesional.
La búsqueda de público
En todo el mundo, los gobiernos y los fondos privados se han aplicado de diversas maneras para atraer a un público más amplio al teatro. Las compañías de teatro en la educación, como complemento de los teatros regionales, suelen ir de gira por las escuelas y representar clásicos, obras infantiles o nuevas obras. También existen muchos programas para acercar a los jóvenes al teatro. También realizan giras regionales e internacionales teatros como la Royal Shakespeare Company, el Teatro Taganka de Moscú y muchos otros. A finales del siglo XX también se desarrollaron en todo el mundo festivales de artes escénicas inspirados en el Festival de Aviñón (Francia) y en el Festival Fringe de Edimburgo, que dieron cabida a una gran variedad de artistas internacionales, al tiempo que impulsaron las economías locales a través del turismo. A principios del siglo XXI, el teatro también se utilizaba como herramienta de desarrollo. Este tipo de teatro, financiado por las agencias de ayuda internacional en colaboración con los gobiernos locales, utilizaba a los actores como agentes provocadores para identificar los problemas que preocupaban a las comunidades. Las representaciones expresaban las opiniones de las comunidades locales sobre la génesis, las manifestaciones y las soluciones aplicables a esa localidad. Este enfoque se adoptó posteriormente en los países desarrollados a través de programas que asociaban a los artistas de teatro con las comunidades desfavorecidas (personas sin hogar, jóvenes urbanos, pobres rurales, encarcelados, inmigrantes y refugiados, etc.) en un intento de crear solidaridad dentro de cada comunidad y llamar la atención de un público más amplio sobre las circunstancias de la comunidad.
A lo largo del siglo XX, el teatro en vivo ha demostrado una tenacidad inesperada frente a la competencia del cine, la televisión, el vídeo, Internet y otros medios.Entre las Líneas En un momento dado, los amantes del teatro temieron que una nueva generación de actores, directores y técnicos sin experiencia profesional en el teatro precipitara el declive del arte teatral; por el contrario, muchos actores más identificados con el cine asumieron grandes riesgos para actuar en el escenario. Estos actores, entre los que se encuentran Dustin Hoffman, Martin Sheen y Lauren Bacall, aportaron al teatro precisamente esas cualidades de riesgo y compromiso que hacen que la actuación en vivo sea tan desafiante.
Otros factores que contribuyen a la supervivencia del teatro son las reposiciones de los clásicos dramáticos, a los que se les da una nueva expresión para mostrar su perenne relevancia a través del tiempo y la cultura. Las reposiciones de dramas de distintas épocas y culturas -como Lisístrata de Aristófanes (411 a.C.), Tartufo de Molière (1664), Phèdre de Racine (1677), Peer Gynt de Ibsen (publicada en 1867), Santa Juana de Shaw (1923) y Madre Coraje y sus hijos (1939), de Brecht, aunque los casos podrían multiplicarse innumerables veces sin agotar la lista de los clásicos representados con regularidad, suelen revivir estas obras reimaginando sus escenarios o sus personajes. El éxito de estas reposiciones recuerda que estas obras fueron escritas para la escena y, a menudo, se argumenta que sólo pueden expresarse plenamente mediante la representación escénica.
Las adaptaciones para la pantalla o la televisión de un material concebido para la escena no dejan de ser meras adaptaciones, en el mismo sentido que una reproducción del cuadro de Georges Seurat Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte en una taza de café no deja de ser una mera adaptación. Aunque las adaptaciones cinematográficas de Laurence Olivier de Enrique V, Hamlet, Ricardo III y Otelo de Shakespeare estaban justificadas, ya que miles de personas que de otro modo no habrían tenido la oportunidad de ver las obras originales pudieron ver las adaptaciones magníficamente interpretadas, los que vieron tanto las versiones teatrales como las cinematográficas suelen dar testimonio de la superioridad de la experiencia teatral. Los textos utilizados en las películas eran necesariamente incompletos, y la actuación y la dirección se adaptaron a un medio para el que los originales no fueron concebidos. Una parte del público siempre creerá que es tan importante ver buenas representaciones de las obras maestras del teatro como ver los originales de los grandes logros de la pintura, la escultura y la arquitectura en lugar de reproducciones fotográficas de dichas obras. Mientras esto sea así, hay una buena razón para que siga existiendo el teatro en vivo.
Otra razón para creer en la supervivencia del teatro es que el teatro en vivo puede lograr una sensación de ocasión. Este sentido de la ocasión es una elevación de las personas y los acontecimientos cotidianos hacia una nueva vivacidad y significado, no sólo la elevación de los personajes y los acontecimientos del drama, sino también la elevación de las personas que participan, tanto los espectadores como los intérpretes. Esto puede ocurrir con mayor eficacia si la ocasión es grandiosa, si la sala es grande y está llena, si el público parece ser distinguido y si participan artistas célebres.Si, Pero: Pero el sentido de la ocasión puede lograrse de forma más sencilla, más sutil y menos costosa. Lo que importa es que, cuando empiece la representación, el público esté emocionado, receptivo y preparado. Sin embargo, el corazón de la ocasión no se encuentra en el auditorio, aunque esté lleno de celebridades, sino en el escenario. Allí una compañía está a punto de crear una nueva obra o una nueva interpretación de un clásico. El sentido de la ocasión es más fuerte cuando el reparto es distinguido, pero incluso los actores desconocidos en actuaciones oscuras pueden crearlo.
Para que la representación tenga éxito se requiere la actividad del público del teatro, que debe compartir con el intérprete y colaborar en el acto de creación.Entre las Líneas En el cine y la televisión, los errores pueden eliminarse; las escenas fallidas pueden volver a rodarse y reescribirse; y toda la obra puede manipularse, editarse y presentarse ante el público con todos los detalles en su sitio. El producto ha sido prefabricado sin la colaboración de su público, que queda así reducido a la condición de consumidor.Entre las Líneas En el teatro, en cambio, cada público contribuye a crear o destruir la representación. Hasta cierto punto, el público recibe la representación que se merece.
Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):
Además, en toda representación en vivo está la inminencia del desastre. Un actor debe ser hábil y un público debe ser imaginativo para que Macbeth, viendo una daga fantasma en el aire, u Otelo, cayendo en un ataque epiléptico, sean conmovedores e impresionantes en lugar de meramente ridículos. Sin embargo, es precisamente esta división por los pelos entre lo sublime y lo ridículo lo que crea la sensación de ocasión.
Algunas docenas de grandes expresiones inmortales del espíritu humano han sido escritas para ser representadas por actores en vivo para audiencias en vivo y no pueden ser experimentadas adecuadamente en ningún otro medio. Por eso, a pesar de los retos económicos, la limitación de recursos técnicos y de financiación, y los problemas logísticos de las giras, el teatro en vivo debe sobrevivir.
Datos verificados por: James
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El Teatro y sus Tipos
Lectura Sugerida en esta Plataforma Online bajo Teatro
Esta parte ofrece una agrupación temática de los contenidos bajo este Teatro, que proporciona una visión general de la estructura conceptual de las materias en este ámbito de la plataforma. Este Teatro está organizado en categorías principales, que a su vez están divididas en subcategorías. Para facilitar la consulta del Teatro, una misma entrada puede figurar en varias categorías.Teatro: Guías de Referencia y Contenidos
El siguiente Teatro se proporciona como una visión general, esquema sinóptico e índice temático de esta cuestión, una lista de los principales contenidos que se encuadran en Teatro.Esquema de Teatro
A. El arte del teatro
1. La naturaleza y los orígenes del teatro como arte
2. Funciones del teatro y de la producción teatral; por ejemplo, el teatro como expresión social, moral o religiosa; el teatro como entretenimiento
3. Problemas del teatro y de la producción teatral
4. Interrelación de la representación teatral y el público
5. Las artes del diseño en el teatro: la puesta en escena y el diseño de escenarios, decorados, luces, vestuario y
maquillaje (véase puesta en escena y escenografía, más abajo).
6. Dirección
7. Interpretación
8. El papel de otras artes en el teatro: literatura, música, danza, pintura y arquitectura (véase Elementos de la producción teatral, más abajo).
B. Tipos y métodos de producción teatral
1. Diversos tipos de producción teatral
a. Tipos definidos por la naturaleza de la propia producción
i. Las formas o géneros dramáticos tradicionales; por ejemplo, tragedia, comedia
ii. Improvisación dramática: commedia dell’arte y formas afines
iii. Mimo y pantomima
iv. Obras de títeres, marionetas y sombras y formas afines
v. Producción teatral no dramática (véase Tipos definidos por la falta de una estructura dramática unificada, más abajo).
b. Tipos definidos por su finalidad especial o su público; por ejemplo, teatro religioso, teatro cívico
teatro educativo, teatro de tribunales
c. Tipos definidos por su sistema de producción; por ejemplo, producciones de una sola representación, sistemas de repertorio, compañías de stock, compañías itinerantes
d. Tipos definidos por el artista que los controla; por ejemplo, producciones dominadas por actores, producciones controladas por dramaturgos, producciones controladas por un director no actoral
e. Tipos definidos por su estilo: estilo estético general; estilos de determinados países, periodos históricos, y dramaturgos
f. Tipos definidos por la falta de una estructura dramática unificada
i. Circos y carnavales
ii. Concursos, desfiles y formas afines
iii. Espectáculos populares: music-hall, variedades y producciones burlescas; club nocturnos; espectáculos nocturnos; cabaret; comedia musical y revista
g. Tipos definidos por el carácter cultural de su público: teatro primitivo, folclórico y popular
h. Tipos definidos por sus medios de producción: radio y televisión
2. Métodos de producción teatral
C. Elementos de la producción teatral
1. El área de producción: edificios teatrales, escenarios, auditorios
a. El teatro como lugar: tipos y usos de los edificios teatrales, escenarios y auditorios
b. El desarrollo histórico de los teatros en las culturas occidentales y no occidentales
2. Puesta en escena y escenografía: la disposición de las palabras, la danza, la música, el vestuario, el maquillaje, la iluminación, el sonido, y propiedades para el efecto teatral
D. La historia del teatro
1. El teatro occidental
2. El teatro no occidental
Teatro: Textos Seleccionados de Información de Referencia
Nota: La selección de estos textos (relacionados, en este caso, con Teatro) está pensada principalmente para la comprobación rápida de hechos y como guía de los contenidos más largos de esta plataforma digital (a los que muchas vece se refiere). Los textos de esta selección, a su vez, están apoyados por otros contenidos (incluyendo las listas de lectura sugerida), y pueden ser más adecuados para el lector que desee hojear entre los innumerables temas de todos los campos del aprendizaje humano (incluido Teatro), sus características y su historia. En ocasiones, hay referencias cruzadas en estos textos con el propósito de dirigir al lector desde los términos que son más familiares a otros términos alternativos que pueden no serlo. Temas (o conjuntos de contenidos) seleccionados que se pueden incluir, en relación con Teatro, aquí:El contenido sobre el teatro puede agruparse bajo los siguientes temas:
– Técnicas y convenciones dramáticas (escénicas)
– Elementos de la producción teatral (actores, coros, teatro de verano, etc)
– Tendencias y movimientos (Teatro de la Crueldad, etc)
– Estilos populares (burlesco, cabaret, pantomimas, etc)
– Montaje o puesta en escena (escenificación): diseño del escenario, efectos de sonido, etc
– Tipos de producción teatral.
Teatro en el Índice
Nota: El índice es el resultado de la acumulación de cientos de miles de referencias que localizan con precisión el texto en el que se menciona una persona, lugar, cosa o idea (por ejemplo, en relación con Teatro) en cualquiera de los miles de contenidos de esta plataforma online. Estas referencias se han reunido, combinado, editado y ordenado para crear un índice de más de 100.000 referencias. Este índice reúne todos los temas cubiertos por las más de 50 millones de palabras del texto, los ordena y los tabula por la misma razón por la que se planifican y construyen las carreteras y las señales en un país desconocido.
Esta plataforma digital es una obra tan vasta (el contenido sobre Teatro es sólo un ejemplo) que no puede aprovecharse al máximo sin consultar primero el índice. Por ejemplo, si los lectores se dirigen al contenido principal sobre Ucrania en esta plataforma online, encontrarán un largo texto, pero éste no representa en absoluto toda la información en Lawi sobre Ucrania. En el índice hay más de 200 referencias sobre Ucrania. Para que sea útil, se ha optado por la simplificación, que da como resultado un índice muy específico. Además, referencias adicionales bajo el encabezado de entrada refiere a los usuarios a otros textos que contienen información sobre el asunto, que a su vez pueden tener una frase corta para indicar el contexto en el que la información será encontrada. Las referencias cruzadas también permiten al usuario obener acceso a información más específica.
En relación a Teatro, ver contenidos en el índice sobre todos los textos seleccionados anteriores.
Recursos
[rtbs name=”informes-jurídicos-y-sectoriales”][rtbs name=”quieres-escribir-tu-libro”]Traducción al Inglés
Traducción al inglés de Teatro: Theatre.
Véase También
- anfiteatros
- negociación colectiva
- teorías dramatúrgicas
- teorías institucionales
- teoría institucional
- procesos de organización
- estructura organizativa
- evaluaciones de desempeño
- arquitectura social
- gestión simbólica
Actuación
Antiteatralidad
Teatro negro
Teatro culinario
Tradición ilusionista
Lista de premios de teatro
Dramaturgos
Lista de personal de teatro
Lista de festivales de teatro
Directores de teatro
Lista de teatros
Arte de la interpretación
Títeres
Teatro de lectores
Teatro específico
Consultor de teatro
Teatro para el desarrollo
Teatro (estructura)
Técnica teatral
Estilo teatral
Día Mundial del Teatro
Terminología escénica, Artes escénicas
Cultura, Cultura Popular, Industrias del Espectáculo,
Bibliografía
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