Historia de la Moda
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La moda para la élite y las masas
El papel de la realeza como árbitro de la moda
Las modas en el vestir han variado de una época a otra y de un lugar a otro desde la invención del vestido.Si, Pero: Pero la moda en su sentido contemporáneo, una manifestación del comportamiento colectivo, sólo se remonta a la Edad Media. Al principio, la ropa suntuosa era competencia exclusiva de la realeza y la nobleza.Entre las Líneas En las lujosas cortes de Francia y Borgoña, durante la segunda mitad del siglo XIV, las damas aprendieron que les convenía atraer la atención del rey y que la ropa fina era una forma de hacerlo.Entre las Líneas En consecuencia, las cinturas ceñidas con corsés se convirtieron en algo de moda, se introdujo el escote y los tocados, que hasta entonces habían ocultado el cabello, se alzaron con formas fantásticas. Una de las primeras árbitras de la moda fue la esposa de Carlos V de Francia, Juana de Borbón, a la que se atribuye haber introducido un trozo de madera en el corpiño, tan popular en aquella época, para darle un aspecto de corsé.
La moda en el vestir no se limitaba en absoluto a las mujeres.Entre las Líneas En relación a los estilos de vestimenta de mediados del siglo XVI, los hombres parecen haber prestado más atención a la vestimenta que las mujeres, ya que se registra con frecuencia que estaban ‘magníficamente vestidos’, ‘vestidos espléndidamente’, ‘de aspecto llamativo’ y de otro modo ‘brillantemente arreglados’. Las prendas masculinas de la época eran extremadamente coloridas: satén rojo, verde, azul, amarillo y blanco con profusión de trenzas y encajes dorados.
El crecimiento de las ciudades y el aumento de la clase media facilitaron la difusión de la moda. Sin embargo, la difusión fue dolorosamente lenta para los estándares contemporáneos.
Pormenores
Los habitantes de zonas remotas se enteraban de las últimas modas viajando a los centros de la moda, viéndolas en la ropa de sus visitantes o importándolas. Más tarde, las noticias de la moda se difundían a través de muñecas vestidas con pequeñas réplicas de los últimos estilos o, más tarde, a través de láminas de moda, grabados de los atuendos más modernos.
Desarrollo de los patrones y la máquina de coser
Hasta los años 20-30, sólo los ricos podían permitirse ir a la moda. Casi toda la ropa se confeccionaba por encargo y se cosía a mano por costureras o sastres; los vestidos de las mujeres solían requerir metros de tela y prendas interiores voluminosas. La mujer que podía permitirse tener más de tres vestidos en un momento dado era una excepción. A mediados del siglo XIX se produjeron dos acontecimientos de importancia crucial para que la ropa de moda estuviera al alcance de personas con medios relativamente modestos. El primero fue la máquina de coser.14 Al principio, la máquina se consideraba poco más que una curiosidad. Sin embargo, Louis Godey, editor de Godey’s Lady’s Book, no tardó en percibir el potencial del invento; en 1856 llegó a decir que “junto al arado, la máquina de coser es quizá el instrumento más bendito de la humanidad”.
La máquina de coser no se hizo realidad hasta después de 1863, año en que Ebenezer Butterick, un sastre y camisero de Massachusetts, comercializó por primera vez patrones de papel para ropa. Unos cinco años antes, Butterick y su esposa habían concebido la idea de los patrones de camisas graduados para simplificar su trabajo, haciendo posible el corte de las prendas a gran escala. Pronto le siguieron los patrones de ropa para niños y mujeres.Entre las Líneas En 1871, los Butterick producían seis millones de patrones al año, principalmente para ropa de mujer. La asociación de la máquina de coser doméstica y los patrones de papel, baratos y clasificados por tallas, facilitó progresivamente la confección de ropa en los últimos años del siglo XIX. Aunque no era, posiblemente, el propósito original de los patrones, sin embargo la demostración de las posibilidades de corte preciso repetido fue importante para establecer los procesos de la ropa confeccionada.
Atracción Erótica
En la moda de los años 20 y 30 el look de las flappers centraba la atención en las piernas y los brazos y prácticamente suprimía los pechos. Cuando los dobladillos se hundieron en la década de la depresión, los escotes traseros de los vestidos de noche también lo hicieron; la espalda se convirtió en el nuevo foco de atracción erótica. La falda midi se introdujo en parte con la convicción de que las piernas habían, como dicen los psicólogos, “agotado su capital erótico”. Una de las razones por las que la midi fracasó puede ser que cubría una “zona erógena” sin descubrir otra.
El erotismo sólo está volviendo ahora a la ropa masculina tras una ausencia de siglo y medio. La moda masculina de la Edad Media exigía medias ajustadas y jubones cortos. La Iglesia católica, alarmada por lo que consideraba la inmodestia de este estilo de vestimenta, ordenó que sólo un hombre de rango noble podía llevar un jubón que no fuera lo suficientemente largo “cuando se pone de pie, para cubrir sus intimidades y sus nalgas”. Se impusieron multas a los infractores. El decreto fue universalmente ignorado, por lo que la Iglesia ordenó que se usara la bragueta. Originalmente, se trataba de una pequeña bolsa que se colocaba en la parte delantera de las medias masculinas para ocultar los genitales. A principios del siglo XVI, sin embargo, la bragueta se había convertido en un accesorio de moda acolchado, a veces decorado con bordados y joyas. Como ocurre a menudo en la moda, el intento de imponer el pudor mediante la ocultación sólo sirvió para acelerar el interés erótico por lo que se ocultaba.
La ropa masculina siguió siendo llamativa en la mayor parte de Europa occidental hasta la Revolución Francesa y un poco después. Las pelucas, las cofias con elaborados bordados, los zapatos de tacón alto, las gorgueras de encaje y otros elementos similares fueron, en algún momento, elementos habituales de la vestimenta masculina. El tumulto de 1789 dio paso a una moda más sencilla para ambos sexos, una reacción a la Corte de Versalles, donde la extravagancia de la pompa y la moda bajo Luis XIV (1643-1715) y Luis XV (1715-74) no tenía parangón en la civilización occidental.
A George (Beau) Brummell, amigo íntimo del Príncipe de Gales, se le atribuye el mérito de haber revolucionado la moda masculina en solitario.Entre las Líneas En opinión de Brummell, el empolvado de las pelucas y el uso profuso de ungüentos y colonias no eran más que esfuerzos por enmascarar una higiene personal deficiente.
Una Conclusión
Por lo tanto, animaba a los hombres a bañarse con regularidad, a lavar sus prendas, a almidonar sus corbatas y a llevar una ropa impecable. Además, Brummell hizo que los hombres elegantes se alejaran de los tonos claros, los tejidos estampados y los volantes de la época anterior y se inclinaran por los colores oscuros, los materiales lisos y las líneas rectas que han caracterizado desde entonces la ropa masculina. Otro cambio inspirado por Brummell fue la sustitución de los pantalones por los calzones. El efecto neto de la revolución de la moda masculina de principios del siglo XIX fue despojar a la ropa de los hombres de prácticamente todo su atractivo erótico. A partir de entonces, la ropa masculina iba a ser casi exclusivamente jerárquica, una condición personificada, quizás, por el hombre del traje de franela gris.
Los modistos de París
Mientras tanto, la llegada del modisto masculino había reforzado la posición de París como capital mundial (o global) de la moda femenina. El primer hombre que se convirtió en dictador de la moda en París fue el inglés Charles Frederick Worth. Después de trabajar para una firma de pañeros de lino en Londres, Worth se fue a París en 1846 y estableció su propio negocio 12 años después. No visitaba a sus clientes en sus casas, como habían hecho sus predecesoras; se esperaba que las damas acudieran a su establecimiento. Incluso las mujeres con título tenían que ser presentadas antes de que él les sirviera y decidiera qué ropa debían llevar. Entre sus clientes se encontraban la princesa Metternich, esposa del embajador austriaco, y la emperatriz Eugenia, que hizo que la casa Worth la nombrara modista de la corte.
El éxito de Worth animó a otros a entrar en el campo de la moda y a adoptar su sistema. Entre 1870 y 1895, el número de modistos en París se duplicó con creces, hasta alcanzar los 1.500.Entre las Líneas En este último año, la industria de la moda empleaba a 65.000 personas. Sin embargo, sólo un puñado de modistos dejó una huella duradera en la moda. Uno de ellos fue Paul Poiret, el diseñador más importante de la época anterior a la Primera Guerra Mundial, que introdujo la falda cojeando y empleó tejidos de colores llamativos. Jean Patou alcanzó una fama similar en la década de 1920 (se puede estudiar algunos de estos asuntos en la presente plataforma online de ciencias sociales y humanidades). Fue él, en gran medida, quien aplanó el busto, acortó el pelo y bajó la cintura a la altura de la cadera para conseguir un aspecto juvenil.
La difunta Gabrielle (Coco) Chanel ejerció una mayor influencia en la moda durante un periodo de tiempo más largo que nadie. Chanel se esforzó siempre por crear elegancia a través de la sencillez del diseño. Entre sus innovaciones, la mayoría de ellas consideradas revolucionarias en su época, se encuentran los vestidos y trajes de jersey, los trajes de tweed con blusas de jersey, los pantalones de campana, las gabardinas, las chaquetas de guisantes, los jerséis de cuello alto, los sombreros de marinero, el pelo recogido, la bisutería y el “pequeño vestido negro”. Hasta el fallecimiento de Chanel el 11 de enero de 1971, el omnipresente traje de Chanel, con su chaqueta de punto sin cuello y ribeteada con trenzas y su elegante falda, ha sido probablemente más copiado, en todos los rangos de precios, que cualquier otra prenda diseñada por un modisto.
La carrera de Chanel entró en un eclipse temporal en la década de 1930 con el ascenso a la fama de Elsa Schiaparelli, una diseñadora italiana que había abierto un salón de alta costura en París en 1928. Schiaparelli, cuyo círculo de amigos incluía a los principales pintores surrealistas de la época, creía que los diseños de Chanel eran aburridos y sin color. Por ello, Schiaparelli empleó el arte africano, los diseños de tatuajes y el cubismo y el surrealismo para conseguir un efecto exótico. También introdujo el color conocido como “shocking pink”. Aunque la ropa de Schiaparelli fue a veces criticada como excéntrica, extravagante y “carpada”, atrajo a una clientela de moda.
Necesariamente inactiva durante los años de la Segunda Guerra Mundial, la industria de la moda parisina no tardó en revivir cuando volvió la paz. Dior, como se ha dicho, introdujo un ciclo de moda totalmente nuevo con su New Look. Otros diseñadores destacados de la época son Pierre Balmain, Cardin, Hubert de Givenchy y Nina Ricci. Tras la muerte de Dior en 1957, su protegido, Yves St. Laurent, asumió el liderazgo de la moda parisina. La primera colección de St. Laurent para la Casa Dior, el 30 de enero de 1958, presentaba su Trapeze o “look de niña”, un vestido con hombros estrechos y un corpiño suavemente moldeado que se acampanaba hasta un dobladillo corto y ancho.
Los desfiles posteriores de St. Laurent no han seguido ninguna tendencia en particular y recibieron críticas dispares de la prensa de la moda. Los vestidos de su colección de enero de 1971, que recuerdan a los estilos de la guerra de los años 40, encontraron pocos admiradores; se dijo que un vestido con las caderas muy ceñidas y un corpiño recortado evocaba un “aspecto de mujerzuela”. Laurent replicó que sus nuevos estilos pretendían revelar “un verdadero cuerpo femenino”. Y añadió: “Durante años, el ojo estaba acostumbrado a una chica infantil sin pechos, cintura ni caderas. Nunca pensé que la apariencia de una verdadera mujer provocaría tal escándalo”.
Gracias a la industria del prêt-à-porter, la ropa de alta costura está ahora al alcance de millones de personas en lugar de sólo de unos pocos elegidos. Durante la mayor parte de la historia de la moda, prácticamente todas las prendas podían calificarse de “exclusivas”, ya que eran confeccionadas por sastres y costureras por encargo. Ya en 1820 se vendían en este país algunos vestidos importados hechos a mano y listos para usar, pero la producción nacional de ropa en masa no se puso en marcha hasta finales de siglo.
El punto de inflexión llegó en 1891 con la apertura de la primera fábrica de camisas. Sin embargo, la progresión de las camisas listas para usar a los vestidos confeccionados fue gradual, ya que las complicadas modas de la década de 1890 y de la era eduardiana no se prestaban fácilmente a la reproducción para un mercado masivo.Si, Pero: Pero los estilos sencillos de los años 20 podían producirse, y se producían, por miles, y el futuro de la industria de la ropa confeccionada estaba así asegurado.
Las grandes casas de alta costura de París se dirigían principalmente a clientes adinerados que compraban ropa para su propio uso.Entre las Líneas En la década de 1920, los compradores estadounidenses solían adquirir varias docenas de copias de cada modelo y las vendían en Estados Unidos, pero los prohibitivos derechos de aduana -hasta el 90% del coste- hacían cada vez más difícil este comercio de lujo. Sin embargo, los modelos que se utilizaban sólo para hacer copias y se enviaban fuera del país en un plazo de seis meses podían importarse libres de impuestos. Los fabricantes de producción en masa que vendían copias simplificadas a través de cadenas de tiendas se convirtieron así en el principal mercado estadounidense. Tiendas como Macy’s y Gimbel’s de Nueva York vendían por 50 o 100 dólares cada una miles de copias de modelos que originalmente costaban 1.000 dólares.
Los compradores extranjeros (referido a las personas, los migrantes, personas que se desplazan fuera de su lugar de residencia habitual, ya sea dentro de un país o a través de una frontera internacional, de forma temporal o permanente, y por diversas razones) obtenían, en 1971, la admisión en las casas de moda de París pagando una cuota de entrada de hasta 1.000 dólares. Esta cantidad se descontaba de la compra final. Como pueden reproducir el modelo por miles, los fabricantes pagaban un precio más alto, a veces el doble de lo que se pediría a un cliente privado. La cuota de entrada también podía utilizarse para la compra de toiles, que son patrones de modelos recortados en lino con instrucciones completas de montaje. Costaban unos 200 dólares cada uno. La mayoría de las casas de moda recuperaban el coste de la presentación de sus colecciones con las ventas a los compradores comerciales. Los beneficios provienen de las ventas a clientes particulares.
Usos de la moda para designar el estatus en la sociedad
La ropa dice algo sobre quien la lleva y también sobre la época en que vive. Durante años, se consideraba que la ropa de las mujeres se rige por lo que podría llamarse el Principio de Seducción, es decir, es una ropa consciente del sexo. La ropa masculina, por el contrario, se rige por el principio de jerarquía, es decir, es una ropa de clase.Entre las Líneas En el equilibrio de estos dos principios se encuentra el Principio de Utilidad, es decir, el uso de la ropa como protección contra los elementos, pero este principio, excepto en los climas extremadamente fríos, ha tenido una influencia singularmente escasa en la historia del traje.
El principio jerárquico ha sido reconocido desde hace tiempo como una de las fuerzas motrices de la moda. Desde la Edad Media, la aristocracia se vestía suntuosamente con el objetivo expreso de proclamar a todo el mundo su exaltado estatus social. Así, la aparición de una clase media con dinero para vestir bien causó consternación en los círculos reales. Eduardo IV, Enrique VIII e Isabel I, entre otros monarcas ingleses, intentaron regular la vestimenta de todos los rangos de la sociedad, pero sin éxito.
Ya Thorsten Veblen, en “La teoría de la clase de ocio” (1899), destacó la ropa para ilustrar sus teorías sobre el consumo conspicuo, el ocio conspicuo y el derroche conspicuo. El simple despilfarro conspicuo de bienes -consideraba- es eficaz y gratificante hasta donde llega; es una buena prueba prima facie de éxito pecuniario y, en consecuencia, una prueba prima facie de valor social.Si, Pero: Pero la vestimenta tiene posibilidades más sutiles y de mayor alcance que “esta cruda evidencia de primera mano del consumo derrochador solamente”.
Si, además de mostrar que el portador puede consumir libremente y de forma antieconómica, también se puede demostrar de un plumazo que no tiene la necesidad de ganarse la vida, la prueba de la valía social aumenta en un grado muy considerable.
Este autor de “La teoría de la clase de ocio” consideraba los constantes cambios en la moda como un corolario de su teoría del derroche conspicuo. “En la práctica, la norma del derroche conspicuo es incompatible con la exigencia de que el vestido sea bello o apropiado”, escribió. “La inutilidad sustancial” de la vestimenta de moda se impone tan audazmente a nuestra atención “que se vuelve insoportable”, y nos refugiamos “en un nuevo estilo”. Oscar Wilde expresó el mismo pensamiento de una manera ligeramente diferente: “Después de todo, ¿qué es la moda? Suele ser una forma de fealdad tan intolerable que tenemos que alterarla cada seis meses”.
El Principio Jerárquico tiene escasa aplicación en el panorama de la moda desde finales de los años 60, quizás antes. Muchos jóvenes blancos acomodados se visten a la baja, no a la alta; los jóvenes negros de medios modestos a menudo se visten a la alta. Charlotte Curtis, que fue editora de mujeres de The New York Times, informó el 1 de noviembre de 1970 que las “altas esferas elegantes” de la ciudad daban cenas de espaguetis, “vistiendo sobre todo la ropa del año pasado y retomando la lectura rápida o visitando los museos de arte que no pudieron encajar en la frenética agenda de fiestas del año pasado”. Incluso el abrigo de visón, el símbolo de estatus de la ropa por excelencia, había caído en desgracia a fines de los años 60. El Wall Street Journal comentó el 11 de marzo de 1971: “De hecho, el visón -en versión de cadena de montaje y de grandes almacenes- amenaza con sustituir al Buick como coto exclusivo del consumidor de cuello azul”.
Ciclos de moda y excesos en los estilos de vestir
Todas las modas pueden ser -y muy a menudo lo han sido- llevadas al exceso. Un ejemplo temprano es el de los zapatos.Entre las Líneas En los siglos XIV y XV, los hombres llevaban zapatillas extremadamente largas que terminaban en los dedos en garras de león, picos de águila o, lo más explícito, réplicas del falo. Este estilo descaradamente fetichista fue prohibido por ordenanza real, pero como todas las leyes suntuarias dirigidas a la vestimenta, resultó ser ineficaz.
El encorsetamiento del cuerpo femenino ha traspasado en varias ocasiones la línea que separa la moda del fetiche. A menudo se ha señalado que los periodos de corsé ajustado son estrechos en el sentido literal y figurado de la palabra. Por ejemplo, la insistencia en la cintura más estrecha posible alcanzó su apogeo en las etapas media y tardía de la era victoriana, conocida por su severa moral sexual. El legendario desvanecimiento victoriano puede atribuirse en gran parte a la restricción de la circulación y la respiración provocada por un cordón excesivamente apretado. El corsé victoriano tenía un propósito secundario, como señaló Havelock Ellis en Studies of the Psychology of Sex (1923): “El corsé no sólo hace que los pechos sean más prominentes, sino que además tiene el efecto de desplazar la actividad respiratoria de los pulmones hacia arriba, con la ventaja, desde el punto de vista del atractivo sexual, de que el movimiento respiratorio que se produce atrae una mayor atención hacia el pecho”.
Si el corsé apretado simboliza la sumisión de las mujeres, el uso de sombreros denota el estatus de los hombres. De nuevo, la época victoriana es ilustrativa. La dominación masculina absoluta de, por ejemplo, 1850, iba acompañada de la moda de los sombreros de copa extremadamente altos. Con la llegada de la Nueva Mujer en la década de 1880, muchos hombres adoptaron el sombrero de paja, que podría considerarse como un sombrero de copa truncado. Hacia el final del siglo XIX, los hombres empezaron a llevar, por así decirlo, el símbolo mismo de su autoridad: el sombrero trilero, hecho de fieltro suave y con una corona dentada.
La moda sigue ciclos que tienden a repetirse. El proceso se resume en un proverbio japonés: “Lo que ha estado de moda una vez volverá a estarlo”. Laver ha llegado a formular una ley que rige los gustos cambiantes de la moda. El intento de St. Laurent a principios de los años 70 de resucitar los estilos de la década de 1940 no desmiente la Ley de Laver. También se ha argumentado que los cambios bruscos en las condiciones económicas y/o sociales pronto se reflejan en las modas de la ropa. Las grandes guerras suelen crear una moda de estilos sencillos, incluso proletarios; así ocurrió tras las revoluciones francesa Este fue el caso de las revoluciones comunistas francesa, rusa y china, y de la Primera Guerra Mundial.
Además, algunas personas han detectado una relación entre la longitud de las faldas y la situación de la bolsa. Los dobladillos fueron extraordinariamente altos durante los mercados alcistas de los años 20 y 60, por ejemplo, e inusualmente bajos durante la Gran Depresión. Algún analista de la moda puede aún teorizar que la falda media fracasó porque se introdujo en un momento en que un mercado bajista se volvía alcista.
El análisis de la moda femenina de cualquier época arroja numerosas pistas sobre la situación actual de la mujer en la sociedad. Como se ha señalado, las mujeres se ven restringidas en más de un sentido cuando los corsés son ajustados; por el contrario, en los periodos de emancipación es habitual que no haya corsés y, en la actualidad, tampoco sujetadores. Otra marca de la liberación femenina es tener la cintura en el lugar equivocado, ya sea muy alta como en 1800 (la línea Imperio) o muy baja como en 1925. Por último, es un lugar común de la historia de la moda que cuando las mujeres se emancipan o sienten que están a punto de hacerlo, adoptan invariablemente alguna prenda de vestir masculina: el sombrero, el abrigo, el chaleco, los pantalones o, en 1971, los trajes de pantalón.
Tendencias en ropa masculina en los años 70: Tejidos de punto y look sin costuras
Los tejidos de punto representaban ya una parte importante y en rápido crecimiento de la producción textil total. Entre 1950 y 1968, la producción de tejido de punto acabado en Estados Unidos pasó de 162,8 millones a 786,7 millones de libras.Entre las Líneas En el mismo periodo, la producción de todo tipo de tejidos anchos disminuyó ligeramente: de 13.105 millones a 12.987 millones de yardas lineales.
La diferencia entre un tejido de punto y uno tejido es que el punto no tiene urdimbre ni trama, sino que es un hilo continuo; un tejido de punto puede producirse mucho más rápido que los tejidos habituales, y suele ser mucho más barato. Los tejidos de punto tienen un aspecto más suave que los tejidos de punto, y no se arrugan tan fácilmente. Son más flexibles y tienen una elasticidad bidireccional inherente. La elasticidad supone una ventaja indiscutible en los pantalones de punto. Algunos hombres con sobrepeso se meten las manos en los bolsillos por primera vez desde que desaparecieron los pliegues de los pantalones.
Datos verificados por: Dewey
La Faceta Oscura de la Moda: Creación, Producción, Venta, Manipulación
La moda fascina e inspira. Verdadero arte para algunos, puramente utilitario para otros, vestirse es esencial para todos y a veces constituye un medio de autoafirmación. Sin embargo, esta industria se ha convertido en el símbolo de un capitalismo seductor y de una globalización enferma.
Se trata de un complejo sistema de explotación y opresión, basado en distintos tipos de esclavitud moderna. Tras los motivos y las formas poéticas, los cuerpos naturales realzados con bisturí y Photoshop, se esconden el trabajo infantil, la discriminación, el abuso y el acoso de los jefes de las fábricas, los bajos salarios, la puesta en peligro de trabajadores y consumidores por igual, y la degradación medioambiental.
La moda merece su mala reputación. Cada día influye en los comportamientos, las cuentas bancarias, los empleos, el urbanismo y los medios de comunicación. Hoy en día, el sector es el símbolo de una globalización enferma. Dictatorial y expansiva, la industria de la confección ha modelado nuestras prácticas de consumo, ampliando la brecha entre las clases acomodadas y las modestas. En el acto de comprar, el impulso ha suplantado a la razón. Por supuesto, no se trata de volver a la época del cazador-recolector; la democratización de la ropa es una fuente de comodidad y bienestar que hay que preservar.
Las ideas y el lenguaje asociados a la velocidad salpican el paisaje de la moda. Desde el año 2008, «rápido» y «lento» se han unido a «moda» en neologismos que pretenden connotar una amplia gama de prácticas que son más o menos a gran escala, dominadas por la logística, centradas en el crecimiento económico, éticas o ecológicas, en formas muy influidas por el sector alimentario. De hecho, al igual que la comida rápida, la moda rápida se produce en masa y está estandarizada.
Trazando la cadena de creación y producción, y analizando las prácticas manipuladoras que nos impulsan a comprar más y más, contamos la historia de la conquista de nuestros cuerpos, sea cual sea el precio. Juicio a una industria que agoniza y nos mata, la historia de la moda en algunos lugares del mundo es también, y sobre todo, un llamamiento a jefes, empresarios, investigadores, diseñadores y ciudadanos para rehumanizar la moda y salvarla.
El gran viaje de la industria de la moda
El desarrollo de la industria de la ropa y la moda puede explicarse históricamente. Cuando los gigantes de Europa, Francia e Inglaterra, tuvieron que vestir a los miles de hombres de sus ejércitos en el siglo XVII, empresarios y manitas se pusieron manos a la obra. Fue el comienzo de la producción en masa, no mecanizada pero eficaz. En los patios traseros de los callejones londinenses y en los barrios parisinos dedicados a la artesanía, se fabricaban chalecos, chaquetas y camisas en grandes cantidades, listos para ser enviados a los almacenes para vestir a marineros y soldados. Las muchachas de las zonas rurales se trasladaban a las ciudades, donde el trabajo industrial les prometía un futuro mejor. Pero el sueño acabaría en la cloaca, en la suciedad, la miseria, el trabajo y el sudor, cuando no en la prostitución.
Se suponía que la mecanización mejoraría las terribles condiciones de trabajo. Pero no fue así. Tuvimos que producir en mayores cantidades, estandarizar, en el rugido de los telares de las fábricas o en las habitaciones de nuestras criadas. Por tanto, la productividad no es el resultado de las innovaciones técnicas, sino del cautiverio humano. Es el resultado del cautiverio humano. Es el resultado de los talleres clandestinos. Independientemente de su tamaño, eran una forma de trabajo especialmente odiosa, tanto moral como políticamente.
A partir del siglo XIX, el crecimiento de la industria textil se basó en estrategias agresivas de fijación de precios. La política de precios condujo a la reducción de costes. El capitalismo excesivo empeoró las condiciones de producción. Friedrich Engels (1820-1895) explica en La condición de la clase obrera en Inglaterra (1845) que «la historia del proletariado en Inglaterra comienza con la invención de la máquina de vapor y de la maquinaria para trabajar el algodón» y que la revolución industrial condujo a «una rápida caída del precio de todos los productos manufacturados, a la prosperidad del comercio y de la manufactura, a la conquista de casi todos los mercados extranjeros desprotegidos». Pero la nueva «riqueza nacional» no benefició a todos. El éxodo rural intensificó la presión demográfica en las ciudades industriales, incapaces de acoger dignamente a las nuevas poblaciones. Las condiciones sanitarias en los talleres
provocaron graves enfermedades, sobre todo la tuberculosis, también conocida como «enfermedad del sastre».
El desarrollo de la industria de la confección se vio salpicado por catástrofes humanas, como el incendio que se declaró el 25 de marzo de 1911 en la fábrica Triangle Shirtwaist de Nueva York, en el que murieron 146 personas y 71 resultaron heridas. Como la lógica ineludible del mercado de bajo coste obligaba a reducir los costes al máximo, los fabricantes recortaron la seguridad y las condiciones de trabajo para «equilibrar» las cuentas.
Así pues, los males causados por este sector no son nuevos. Parecen residir en el corazón mismo de la industria textil. Producir más, a menor coste. Ése es el problema. Pero la confección de hoy no es lo que era en el siglo XIX.
Los cimientos de una dictadura
De Bourdieu a Baudrillard, una larga letanía de lugares comunes caracteriza la sociedad del segundo siglo XX. Evidentemente, la reproducción de las élites, la dominación masculina y la cultura en manos de la burguesía forman parte de la vida real. Y la seducción imbuida en el sistema de objetos no es discutible. Pero tenemos que examinar las cuestiones de clase fundamentales y la notable evolución del capitalismo en el siglo XX. Para Michel Clouscard (1928-2009), sociólogo contemporáneo de Bourdieu y Baudrillard, olvidado con demasiada frecuencia en las bibliografías académicas y los debates intelectuales, los «mercados del deseo» se crearon para salvar al capitalismo de sus crisis. En 1981, describió este «neofascismo» como el grado último de la colonización de las almas. En particular, subrayó la importancia del Plan Marshall y del Mayo del 68 en esta etapa del imperialismo. Este poder impactante, esta conquista del mundo comercial, es compleja, pero me parece que arraiga sobre todo en periodos de crisis. ¿Cómo se convence a la gente para que consuma cada vez más? Aplicando técnicas de persuasión eficaces, capaces de llegar al mayor número posible de futuros clientes.
Para obtener el consentimiento de la gente, en lugar de utilizar la fuerza como en los regímenes totalitarios, Estados Unidos inventó las relaciones públicas. La palabra suena mejor que «propaganda». Fue Edward Bernays (1891-1995), magnate de los medios de comunicación en la primera mitad del siglo XX y autor de Propaganda (1928), quien desarrolló un método que se sigue utilizando hoy en día. El objetivo original era convencer a Estados Unidos, que era hostil a la idea de entrar en guerra, de que enviara sus ejércitos a Europa en 1917. Bernays se inspiró en Gustave Le Bon (1841-1931), médico, antropólogo, psicólogo social y sociólogo francés. Bernays dedujo de su obra que «conocer el arte de impresionar a las multitudes es conocer el arte de gobernarlas». Creó un arsenal mental para promover el consumismo. Considerando que las multitudes eran incapaces de pensar racionalmente, eligió a líderes que actuaran como predicadores: periodistas, estrellas de cine, publicistas, agentes de prensa y psicólogos. El método se aplicó a diversos productos de consumo. Su objetivo es crear una fantasía en torno a un objeto y centrar a la multitud en cómo le hace sentir. En resumen, se trataba de convertir a la población al consumismo, una nueva religión, y convertir a los clientes en fanáticos de su apariencia. Es una forma de canalizar multitudes, inventar objetivos y crear obsesiones cotidianas.
La idea se remonta al siglo XIX. Las huelgas obreras, las manifestaciones y los disturbios contra el auge del capitalismo industrial, que conducía al empobrecimiento, eran demasiado peligrosos para la producción. Así que había que controlar a las masas para que cesara el tira y afloja entre ellas y los oligarcas. La idea sencilla es hacer que participen y apoyen un modelo de sociedad que siempre han rechazado. Al comprar, los ciudadanos sirven a la prosperidad de los industriales. Se han convertido en consumidores que sacrifican su dinero no por necesidad, sino por deseo. Es una historia de éxito total. La crisis de 1929 podría haber puesto de rodillas a estos demonios industriales. Pero no lo hizo. Incluso Goebbels estudió detenidamente el libro de Bernays y lo adaptó, desgraciadamente con éxito, a los objetivos nazis. Tras la Segunda Guerra Mundial, el mercado adolescente brindó la oportunidad de ampliar la base de clientes y convencer a los más jóvenes de las ventajas del consumismo.
La razón
Comprar se ha convertido en la clave de la felicidad y el éxito. Hace a las personas bellas y deseables. Comprar ya no es sólo una actividad de ocio: es un valor, una forma de civismo, porque al apoyar el crecimiento económico, los consumidores se comportan como verdaderos patriotas. Sin embargo, tras estas órdenes de consumir se esconden la destrucción del medio ambiente, los abusos de los derechos humanos, la discriminación de la mano de obra, sobre todo de las mujeres, la explotación de los niños, el sufrimiento en el trabajo, la imposición de estándares corporales inalcanzables, la protección de un modelo desigual y un sistema creativo en las últimas.
A todos nos seducen los productos: eso demuestra que somos seres sensibles. Tanto mejor. Pero ¿qué pasa con la enésima camisa cuyo algodón cultivado en Texas se hila en el sudeste asiático, luego se corta y se cose en Etiopía, para acabar en una tienda de los Campos Elíseos? Esta camisa y otras similares han provocado cáncer, contaminación del agua y envenenamiento tanto en Oriente como en Occidente.
Los consumidores deben saber que toda la industria de la moda está enferma. Creadores, estilistas, patronistas y diseñadores están sometidos a la presión de «crear» mil colecciones o de inspirarse en prendas de éxito. En Asia se han producido innumerables catástrofes industriales, sanitarias y medioambientales. Los tintes tóxicos impregnan nuestra ropa interior. La dependienta del sótano se rasca la piel a causa de los productos químicos. ¿Y cómo serán nuestros cuerpos dentro de unos años? Estériles, tal vez.
En este contexto, hay un reto extraño pero revelador. ¿Cómo puedo nombrar la diferencia entre los llamados países emergentes/emergentes, ricos/pobres, Norte/Sur, desarrollados/en desarrollo sin posicionarme como observador capitalista occidental? Los indicadores suelen estar demasiado orientados hacia la economía de mercado para ser precisos. Si nos atenemos a estas dicotomías, China seguiría siendo un país emergente. Pero los acontecimientos actuales en China demuestran claramente que estas oposiciones no reflejan la realidad.
Este texto es también una llamada a la industria. Es hora de cambiar el sistema de ventas para no agotar a las mentes creativas, a los fabricantes, a los trabajadores, a las vendedoras (que en su mayoría son mujeres) y a los consumidores. No es fácil, porque el problema es antiguo. Ya estamos presenciando profesiones de fe, temblores que permiten prever el futuro de forma relativamente positiva. Una humanización del sector de la moda sólo es posible con la participación de los fabricantes, que hoy se enfrentan a los límites de su propio sistema. La obsolescencia no está programada, pero es inevitable…
La Cuestión del Medio Ambiente
La industria de la confección emplea a 25 millones de personas en todo el mundo y contribuye al sustento y la prosperidad de muchas comunidades, a la independencia de las mujeres y a la creación de importantes infraestructuras en los países más pobres. Sin embargo, la industria de la moda también contribuye significativamente a la degradación de los sistemas naturales y la huella medioambiental asociada a la ropa es elevada en comparación con otros productos.
La industria de la moda representa entre el 2% y el 4% de las emisiones mundiales. Una cifra alarmante que podría aumentar en torno al 30% para 2030 si continúa la tendencia. Este sector también es una fuente importante de fugas de plástico al medio ambiente. La cadena de valor textil es responsable del 9% de la contaminación anual de los océanos por microfibras (según un informe de PNUMA publicado en 2021). Por tanto, la consideración del sector textil será importante para abordar la actual crisis del plástico.
Los consumidores han mostrado un deseo creciente de contribuir a reducir su impacto en el medio ambiente y a crear un planeta más sostenible mediante sus elecciones cotidianas. Según los informes de los tres últimos años de McKinsey & Company, esta tendencia se refleja también en los cambios de dirección clave que está dando ahora la industria de la moda. Incluso antes de la pandemia, los consultores de gestión habían identificado una serie de temas significativos en el sector, como una revolución en los materiales, una cultura de inclusión y medidas basadas en la sostenibilidad. Estas conclusiones clave de “El estado de la moda 2020”, informe elaborado en colaboración con Business of Fashion (BoF), volvieron a aparecer en el informe de 2022:
«Globalmente, la industria de la moda es responsable de unos 40 millones de toneladas de residuos textiles al año», dice el informe. «La producción textil, por su parte, consume enormes cantidades de agua, tierra y materias primas».
Según datos de esa consultora, en la Unión Europea el sector textil y de la moda es el cuarto mayor consumidor de agua y materias primas, sólo por detrás de la alimentación, la vivienda y el transporte. Por estas razones, cada vez es más urgente emprender el camino hacia una economía circular que permita reducir los residuos de la producción, la huella de carbono y el consumo de materias primas.
Según el informe de 2022, una de las palancas más importantes de que dispone la industria de la moda es el reciclaje en circuito cerrado, es decir, un modelo en el que los residuos de productos textiles (tanto postproducción como postconsumo) se reciclan en nuevos productos textiles, de modo que los materiales permanecen en circulación constante dentro del mismo sector de producción. Este modelo difiere del reciclaje de ciclo abierto, en el que un producto se recicla en otro producto de una cadena de suministro distinta.
El simple desarrollo de nuevos materiales no basta para resolver todos los problemas del sector, ya que en última instancia se trata de una cuestión cultural: A lo que nos enfrentamos es a una industria de la moda que va a reducir radicalmente su escala y a localizarse mucho más; y también a ser mucho más plural, es decir, a tener una representación mucho más diversa, basada en todas las tradiciones que conocemos de los grupos indígenas.
La moda es consumo
En la conciencia cultural colectiva, la moda es consumo, materialismo, comercialización y marketing. Es comprar en la calle y en la calle. Es mirar, navegar, comprar. La moda viene a ser cualquier cosa que surja de una determinada máquina consumista. Como era de esperar, ésta es también la visión de la moda que tienen muchos de los grupos de presión a favor de la sostenibilidad, donde persiste la reticencia a imaginar la moda fuera de un contexto comercial que comercia con la novedad y la ansiedad de estatus a cambio de beneficios económicos.
La moda consumista está atrapada en un ciclo de autojustificación, que crea las propias condiciones por las que se convierte en dominante y creíble. Los consumidores ven un ciclo cada vez más rápido de nuevos productos introducidos en las tiendas (hasta doce temporadas al año y avanzando hacia una estrategia de reposición continua), porque los minoristas compiten en novedad.
Los consumidores confían cada vez más en la moda que puede convertirse en mercancía y comercializarse como tal, porque la sociedad de consumo no valora las actividades que no pueden comercializarse. En la sociedad de consumo, las ideas sobre la moda se organizan en torno al comercio y al consumismo, y la mayoría de los implicados -es decir, los que creamos moda o la llevamos- acabamos dependiendo de ellas. En la cultura consumista en la que vivimos, nos comunicamos mediante el lenguaje social de la posición y el estatus determinados por lo que compramos, y capitulamos y reforzamos la presión comercial e ideológica del mercado como vía a través de la cual organizar nuestras vidas. En el credo de la economía de mercado, el crecimiento es esencial para mantener la estabilidad de la economía y, como tal, las ideas de «progreso» se han vinculado a una narrativa social de crecimiento a través de la compra de más bienes materiales, muchos de ellos plasmados en forma de prendas de vestir.
La propia industria de la moda ha evolucionado bajo esta narrativa. La dinámica del sector, sus modelos empresariales y enfoques de fabricación han sido remodelados por los principios de crecimiento, globalización y «más y más barato».
Qué significa crear
Los sectores de la confección, el calzado, los accesorios, los cosméticos y los perfumes -es decir, la moda y sus industrias afines- se ven especialmente afectados por la globalización. La industria de la moda se ha convertido en la más extendida e internacionalizada del mundo. Tiene muchas facetas: desde ropa interior a ropa exterior, ropa deportiva a ropa de viaje y de trabajo, bolsos, sombreros, cinturones, guantes y otros accesorios, joyas, maquillaje, perfumes y productos de baño. Estos productos cambian en función de las tendencias, que modifican los hábitos del gran público a lo largo del tiempo. Rara vez se cuestionan los factores que llevan a añadir tantas nuevas temporadas de tendencias, y las «novedades» se perciben con demasiada frecuencia como creaciones ex nihilo, difíciles de explicar, quizá mágicas. Al menos eso es lo que se nos hace creer.
Pero hay que preguntarse: ¿cómo surgen las tendencias? Una pregunta esencial, porque nos permite comprender qué está cambiando el consumo y, por tanto, los volúmenes de producción de la industria. Ningún otro sector de bienes industriales ha alcanzado un nivel de consumo mundial comparable al de la confección. Bien mirado, los miles de millones de productos desencadenados en el planeta por la moda rápida bien podrían no ser más que una ilusión de creatividad. Para entender lo que significa crear hoy en día, primero tenemos que examinar los objetivos de la moda rápida, responsable de acelerar los cambios de tendencias. La globalización, las cadenas de distribución y la llegada del marketing han creado una ciencia de la manipulación que sirve para difundir las tendencias. También se trata de examinar el cambio de escala de esta industria, una de cuyas consecuencias es la homogeneización de las modas. El diseño es ahora rápido, manipulable y uniforme. Algunos dirían que ya no existe.
¿Qué es la moda rápida?
El nacimiento y la destrucción de las tendencias se describen a menudo como el resultado de un cambio cultural. Pero la cultura cambia lentamente, porque se basa en la estabilidad de las normas sociales. Las tendencias, en cambio, evolucionan cada vez más deprisa, hasta tal punto que en las dos últimas décadas se ha hecho difícil seguirles el ritmo. Este fenómeno relativamente reciente de producción y promoción de ropa barata y desechable se conoce como «moda rápida». Los cambios en las tendencias no son culturales, imprevistos u orgánicos, sino calculados para estimular las ventas. La industria de la moda se ha desarrollado en torno a ocho «temporadas» tradicionales: primavera, verano I, verano II, otoño, transición otoño-invierno, invierno I, invierno II y vacaciones. Pero los clientes más vanguardistas, en busca de novedades, pueden seguir ahora veinticuatro temporadas distintas, como la de la vuelta al cole, la del baile de graduación e incluso la de las bodas. Abarcan tanto un producto básico, que puede percibirse como una necesidad, como un producto de lujo, que da la impresión de un estatus social elevado. A pesar de la aparente variedad de este espectro, la distancia entre «producto necesario» y «producto de lujo» se ha estrechado a medida que las tendencias se han hecho más duraderas. Históricamente, el precio, la marca y la calidad distinguían los artículos de gama baja del mercado de masas de los de gama alta. Hoy, la diferencia de calidad entre productos de 10 y 200 euros puede ser indetectable. La clave de un gran volumen de ventas es el precio: para vender mucho, hay que vender barato. Así es como lo barato y desechable sustituye a lo duradero.
Basado en la experiencia de varios autores, mis opiniones, perspectivas y recomendaciones se expresarán a continuación (o en otros lugares de esta plataforma, respecto a las características en 2026 o antes, y el futuro de esta cuestión):
La búsqueda del precio
Para obtener precios bajos, hay que reducir los costes de producción. Las consecuencias son numerosas: contaminación industrial, malestar social, daños a la salud humana, etc. Las industrias explotan a la mano de obra, perpetúan la pobreza mundial, contribuyen a la producción de grandes cantidades de residuos industriales e impiden el aumento de los salarios en los países emergentes. El objetivo es fomentar el consumo excesivo de ropa barata y fácilmente desechable. El precio es un factor clave, ya que es lo que convence al cliente para hacer el sacrificio.
Empresas europeas como Zara y H&M dominan el sector de la moda rápida. Son muy conocidas por sus productos baratos pero de aspecto caro. El éxito de su modelo de negocio ha animado a todos los minoristas a explotar este potencial. Incluso las marcas tradicionales de lujo, como Versace, confían ahora en este modelo. Los precios bajos amplían el abanico de clientes, que se sienten dueños de una pieza de lujo. Esta búsqueda ha revolucionado el sector de la ropa. El proceso de posicionamiento del precio determina primero si el consumidor gastará 10 euros, 200 euros o una cantidad intermedia en una prenda. Este juego está impulsado por la capacidad de los productores para crear y promover tendencias que definan con éxito las marcas, su valor y su prestigio. La novedad y la reputación impulsan precios más altos, pero cuando las tendencias se desvanecen, los precios caen, y las prendas son sustituidas por otras… Por tanto, los consumidores más interesados en la moda pagan mucho dinero para estar a la última, mientras que otros esperan un precio asequible.
Las innovaciones tecnológicas e industriales están permitiendo a los minoristas ofrecer opciones de vanguardia a precios tan bajos que ha surgido un nuevo tipo de competencia. Se están redefiniendo las clasificaciones del mercado. Cuando se elimina el precio de la ecuación que diferencia los segmentos, los minoristas reajustan su estrategia para ofrecer el producto de mayor calidad al precio más bajo.
Históricamente, ha habido dos mercados para las opciones de compra de los consumidores: un mercado de masas y un mercado de lujo. Pero ahora existen opciones intermedias: el mercado de «prestigio» -en el que la ropa, los cosméticos y los accesorios se venden justo por debajo del nivel de lujo- y el mercado de «masstige» -con un precio ligeramente superior al de los productos de gran consumo, pero con un gusto y un estilo, e incluso una calidad, bastante similares a los de los artículos de lujo-. Aunque la industria de la moda se ha desarrollado en torno a la transformación de la ropa en artículos básicos que indican estatus social, gusto, conciencia cultural general e individualidad, estos marcadores tienden a desvanecerse con la aparición de estas nuevas categorías.
La clave del éxito: el comercio minorista
La moda rápida es un método radical de venta al por menor, desvinculado de las ventas estacionales: crea nuevas existencias durante todo el año. La empresa española Zara es responsable de ello desde que empezó a suministrar a sus tiendas dos líneas nuevas a la semana. Otras marcas copiaron rápidamente la fórmula. H&M recibe nuevos estilos cada día y la londinense Topshop presenta 400 nuevos modelos a la semana en su sitio web. Las existencias se actualizan constantemente. En términos prácticos, los beneficios son notables: los minoristas de moda rápida están duplicando el margen de beneficios medio de sus competidores tradicionales. Vender moda a bajo precio parece ser la única salida segura.
Desde principios de la década de 2000, numerosos artículos de prensa han informado sobre la creciente presión que ejerce la moda rápida sobre los precios en las tiendas. Walmart y Chico’s se centran sobre todo en los plazos de entrega de los artículos, ya que la ropa nueva y más barata debe estar disponible más rápidamente. Pero, por su propia naturaleza, la moda sigue siendo un negocio peligroso. En 1987, después de que las previsiones sobre el inminente regreso de la minifalda no se materializaran, los minoristas se encontraron con innumerables existencias que vender. El enorme volumen de pedidos y las exigencias de los accionistas de crecimiento trimestral hicieron que los inversores no estuvieran dispuestos a asumir riesgos financieros. Una vez externalizada la producción, las cadenas de suministro parecían demasiado largas para apostar por el retorno de un solo producto. Una colección diseñada con un año de antelación tarda seis meses en llegar a las tiendas. Las previsiones de tendencias altamente impredecibles, los largos plazos de entrega y la enorme cantidad de artículos pedidos condenan a las empresas a comprar en exceso. En lugar de quedarse con existencias sin vender, tienen que venderlas, al precio que sea. En 1991, la presidenta de la marca Nicole Miller declaró al New York Times : «El coste de este tipo de conjeturas ineficaces es lo que condujo a la estructura de precios falsos con rebajas garantizadas que tenemos ahora». Estos «precios falsos» ya no eran nuevos cuando se hizo esta declaración.
En 1975, la mera cancelación de un pedido al por mayor puso en peligro la empresa de Amancio Ortega. El fabricante de ropa abrió una tienda, Zara, para vender las existencias en cuestión. Hoy en día, Zara diseña, produce y entrega una prenda nueva en cualquiera de los siguientes formatos de sus tiendas en todo el mundo en quince días.
Presente y Futuro de Shein
El sitio chino de moda online Shein quiere borrar su imagen de moda rápida y promueve la producción bajo demanda. Con la vista puesta en el mercado bursátil.
Es una misión casi imposible. Desde hace más de un año, Fabrice Layer cambia los smartphones Huawei por vestidos estampados de Shein. Expulsado por los equipos del sitio chino de comercio electrónico cuando trabajaba en el departamento de asuntos públicos del gigante de las telecomunicaciones, ahora está en una operación comando para restaurar la imagen de Shein en Francia. Es en la sala creativa de la empresa, situada cerca de su sede parisina, en la que trabajan treinta personas, donde el lobista se reúne con representantes electos locales, diputados y ministros. El tiempo se acaba para Shein, que tiene previsto salir a bolsa en Londres, con un objetivo de capitalización de 60.000 millones de euros. Presente en 150 países -a excepción de China-, este cohete es un ovni en el panorama mundial de la moda. Desde su fundación en 2008 en Nanjing, la empresa ha crecido a pasos agigantados. En dos años, sus beneficios han pasado de 700 millones de dólares a 2.000 millones, según el Financial Times.
Shein, que emplea a 11.000 personas, está desesperada por dejar atrás las desastrosas imágenes del documental británico Inside the Shein Machine. Éste reveló las deplorables condiciones laborales de sus trabajadores. En 2023, el 95% de nuestras fábricas fueron auditadas por organismos independientes. En Francia, Shein se ha convertido en la “bestia negra” de asociaciones y ONGs. Algunas empresas están muy preocupados por los efectos de la explosión de Shein en el medio ambiente, con sus 7.000 modelos producidos cada día.
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La empresa también está en el punto de mira de la ley contra la moda rápida aprobada por el Parlamento francés en marzo de 2024. Y la Comisión Europea podría aplicar un derecho de aduana a las compras inferiores a 150 euros realizadas en el sitio de Shein. Si su imagen es desastrosa, es porque estamos viviendo un choque de modelos en la distribución, pero también por su falta de transparencia. Las marcas francesas han invertido mucho en responsabilidad social corporativa (RSC), y el hipercrecimiento de Shein está suscitando dudas. Esta situación ha obligado a su Presidente Ejecutivo, Donald Tang, a salir de su reserva. «Nuestra mala reputación se debe a una falta de comprensión y comunicación por nuestra parte», argumenta en Le Figaro.
Shein, que ha trasladado su sede a Singapur, está trabajando para borrar su imagen de moda rápida y promover un modelo de producción bajo demanda. «Sólo fabricamos lo que estamos seguros de que vamos a vender», explica un representante de Shein, que se enorgullece de una tasa récord de no vendidos de “menos del 2%”. Para conseguirlo, Shein realiza pruebas de productos en pequeños lotes. Mediante algoritmos, el gigante sólo produce los artículos más solicitados en sus fábricas chinas asociadas.
Romper la barrera cultural
Ha llegado el momento de que este sitio web enverdezca su imagen, haciendo cada vez más anuncios sobre su política de RSE. Pero «no existen herramientas para controlar tal estrategia», señala la abogada especializada en moda Glynnis Makoundou. En Francia, Shein lanzó en mayo su plataforma de segunda mano. Es lo que los consumidores quieren oír para sentirse menos culpables, y le da credibilidad para hacerse pública. Shein también tiene previsto invertir 250 millones de euros en cinco años en el ecosistema europeo.
Pero «nuestro modelo es complicado de entender, y lleva tiempo educar a la gente», admite la empresa, que trabaja junto a Fabrice Layer, ex de Huawei. Les apoyan de vez en cuando agencias de publicidad importantes, que trabaja en la influencia y el apoyo a los directivos. Su prioridad es romper la barrera cultural entre China y Europa. Es un reto estratégico para Shein, que el año pasado abrió su oficina europea en Dublín y está empezando a abastecerse en Turquía.
Lee también:¿Puede la ley contra la moda rápida combatir realmente a Shein y Temu?
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Moda de playa para mujeres
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La verdad parece ser que en la imaginación todo el cuerpo femenino es un objeto deseable. En la práctica no es así, como puede atestiguar cualquiera que haya visitado un campamento nudista. La desnudez completa es antierótica, tan pronto como el shock de la novedad ha desaparecido; y desaparece, sorprendentemente rápido. Si la desnudez completa fuera común, probablemente nos volveríamos estacionales en nuestros impulsos, como los animales. Nuestro característico erotismo permanente se mantiene vivo gracias a la ropa.
La moda, reducida a su esencia, no es más que una serie de permutaciones de siete temas determinados, cada uno de los cuales es una parte del cuerpo femenino: los pechos (escote), la cintura (abdomen), las caderas, las nalgas, las piernas, los brazos y la longitud (o circunferencia) del propio cuerpo. Los órganos “aparecen” o “desaparecen” a medida que cambia el tema de la moda, y una y otra parte del cuerpo son destacadas por los estilos sucesivos. Así, los pechos y las piernas son “opuestos” en la moda; si en una temporada el escote se hunde y los pechos se convierten, por tanto, en el centro de atracción, se puede estar seguro de que en las siguientes temporadas los pechos se cubrirán y el protagonismo recaerá en las piernas. Y así sucesivamente, con infinitas variaciones.
Los diseñadores de moda mantienen vivo el erotismo, según han señalado numerosos psicólogos, alterando continuamente el énfasis que se da a las distintas partes del cuerpo femenino. Esta alteración del énfasis, a veces llamada “zona erógena cambiante”, fue descrita por la literatura.
Hoy en día, todo vale en la moda, y la boutique reina. Pero el año que viene, o incluso la próxima temporada, puede que sólo uno o unos pocos estilos parezcan modernos y que París vuelva a dominar el mundo de la moda. Porque el hecho es que todo es posible en la moda, muy poco es probable, y sólo el cambio es constante.
Si el tejido de punto para hombres se pone de moda, es casi seguro que el traje perderá su forma tradicional. Varios expertos en moda predicen que los hombres acabarán llevando el mismo tipo de pantalones y tops de punto -trajes de pantalón- que llevan hoy las mujeres. La colección de ropa masculina de marzo de 1971 de Nino Cerruti, un diseñador italiano que trabaja en París, parecía apuntar en esta dirección. Los diseños de Cerruti se inclinaban mucho por las prendas de punto, algunas de las cuales parecían tejidos; pocas de sus chaquetas tenían solapas. Al resumir la colección, se dijo que los nuevos abrigos y chaquetas de Cerruti tienen un aspecto de hombre desechable y despreocupado, y esa no es una combinación fácil de conseguir.
Algunos grandes fabricantes recurren a la tecnología para reducir los costes y el tiempo de producción. Genesco, el mayor productor de ropa del país, colaboró con Hughes Aircraft en el desarrollo de una técnica láser para el corte de trajes de hombre y la puso en marcha recientemente en una planta de Maryland. Otro atajo de producción que se está investigando es la eliminación parcial de las costuras; en su lugar, ciertas partes de una prenda se fusionarían mediante calor.
El éxito de la industria de la moda en el futuro dependerá, al igual que hoy, de la habilidad para anticiparse a las tendencias y explotarlas. Una vez más, los fabricantes de ropa de hombre probablemente se llevarán la peor parte del cambio. Tradicionalmente, la industria de la moda masculina ha presentado sólo dos líneas de productos al año: una en primavera y otra en otoño. Pero la creciente volubilidad del gusto masculino ha llevado a un fabricante, Raffles Wear, a establecer ocho períodos de entrega: noviembre para la línea de vacaciones; diciembre y enero para la línea de crucero; febrero y marzo para la primera entrega de primavera; abril para la segunda entrega de primavera; mayo para la tercera entrega de primavera; agosto para la primera entrega de otoño; septiembre para la segunda entrega de otoño; octubre para la tercera entrega de otoño.
Otros fabricantes podrían verse obligados a seguir este ejemplo. De ser así, podrían aprender mucho de la industria de la ropa de mujer, donde los cambios rápidos de producción en respuesta a los cambios repentinos de estilo han sido durante mucho tiempo una forma de vida. Esta flexibilidad es posible, en gran medida, porque las modistas no mantienen grandes inventarios de telas, sino que compran en base a pedidos rápidos. Además, los fabricantes de ropa de mujer prosperan con la producción de “coordinados” -cinturones, sombreros y otros accesorios hechos del mismo material que se utiliza para los vestidos y trajes.
La falta de aceptación de la falda a media pierna: La falda a media pantorrilla representó un cambio tan radical con respecto a la minifalda como el New Look de Dior con respecto a los estilos hasta la rodilla de la Segunda Guerra Mundial. En ambos casos, se consideraba que las faldas cortas habían dejado de estar de moda y que había llegado el momento de cambiar. Dior tenía razón, pero los campeones de la falda midi parecen haber cometido un error. A pesar de la aceptación europea de la midi, la hostilidad en Estados Unidos ha sido tan grande, y las ventas tan escasas, que actualmente se la conoce en los círculos de la moda como el “Edsel del negocio del trapo”.
Se dice que la moda en el vestir refleja el espíritu de la época. Los comentaristas políticos y los sociólogos describen a los Estados Unidos de hoy como un país confuso y dividido; los estadounidenses, añaden, sufren una crisis de identidad y anhelan el liderazgo mientras se rebelan contra él. Todas estas observaciones se aplican igualmente al actual estado caótico de la moda. Rudi Gernreich, el diseñador de la Costa Oeste que introdujo el traje de baño en topless, llega a afirmar que “la moda pasará de moda “1. Para los jóvenes de pelo largo y vestidos con vaqueros, ya lo ha hecho.
Gran parte del problema proviene del hecho de que la industria de la moda está acostumbrada a dictar los cambios en los estilos de vestir a un público dócilmente sumiso. Sin embargo, en los últimos años el público se ha amotinado. Las mujeres estadounidenses han rechazado de forma abrumadora la media falda y parecen no estar interesadas hasta ahora en los diversos ecos de los estilos de los años 30 y 40 que han destacado en las colecciones de primavera de los modistos de París. Los fabricantes de ropa temen que el actual furor por los trajes de pantalón y los “hotpants” se convierta en una moda más que en una tendencia. En consecuencia, la industria de la confección no sabe qué producir y las mujeres no saben qué comprar.
La incertidumbre prevalece también en la moda masculina. Hoy se venden menos trajes que en las profundidades de la Depresión, pero las ventas de pantalones y ropa informal están en auge. Y lo que es más significativo, el siglo y medio de moda masculina monótona que marcó la Revolución Francesa parece haber sido sucedido por una “revolución del pavo real” de prendas coloridas y estilos atrevidos. Pero los hombres estadounidenses, al igual que las mujeres, han dado la espalda a estilos que consideran impropios. Entre las bajas más notables de la moda masculina de las últimas temporadas se encuentran la chaqueta Nehru y toda la gama de prendas mod importadas de las boutiques londinenses de Carnaby Street.
La relación con la naturaleza es una necesidad personal para mí y apostaría que vital para todos nosotros. Mi propia alfabetización ecológica me ha proporcionado una magnífica amistad con el mundo natural. Nunca me he sentido peor por pasear al aire libre. Tal como yo lo veo, su poder reside en que comprendamos que la naturaleza tiene un valor que va más allá de su utilidad para nosotros. La alfabetización que esto nos proporciona -el conocimiento que proporciona a los diseñadores- está profundamente arraigada y tiene el potencial de dar forma a todas nuestras ideas y acciones. Tiene un poder único.
Muchas áreas aún están maduras para un mayor desarrollo: El Método del Vestuario, Sostenibilidad y Género, La Moda como Forma Derivada de Diseño, Ética de la Biomímesis en la Moda, etc. Teniendo esto en cuenta (y la lista de temas de investigación sugeridos que se encuentra en esta plataforma), creo que muchos lectores como yo se sienten guiados a las puertas de lo que Holroyd denomina «Los bienes comunes de la moda»: una zona invisible de la mercancía y la confección de ropa globalizada en la que el consumidor se relaciona pasivamente y, por tanto, se somete al mercado/reglas/leyes/materiales de todos y cada uno de los bienes. Impotente en el mundo de la independencia a través de la artesanía, y extraviado a través del proceso pseudo-democrático del consumo como identidad.