Artes Visuales

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Nota: Consulte asimismo la información relativa a los Elementos Expresivos en las Artes Visuales.

Visualización Jerárquica de Artes visuales

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A continuación se examinará el significado.

¿Cómo se define? Concepto de Artes visuales

Véase la definición de Artes visuales en el diccionario.

Artes Visuales y Plásticas

Los cuadros y las palas mecánicas, las sonatas y los submarinos, los dramas y las dinamos… todos tienen algo en común. Han sido creados por personas. Son artificiales, en contraste con todo lo que es natural: plantas, animales, minerales. La persona media del siglo XX distinguiría las pinturas, las sonatas y los dramas como formas de arte, mientras que vería las palas eléctricas, los submarinos y las dinamos como productos de la tecnología. Esta distinción, sin embargo, es una distinción moderna que se remonta a un punto de vista del siglo XVIII.

En épocas anteriores, la palabra arte se refería a cualquier habilidad útil. La zapatería, la metalurgia, la medicina, la agricultura e incluso la guerra se clasificaban como artes. Se equiparaban a lo que hoy se denomina bellas artes: pintura, escultura, música, arquitectura, literatura, danza y campos afines. En ese sentido más amplio, el arte se ha definido como una destreza en el hacer o en el hacer, basada en un razonamiento verdadero y adecuado.

La comprensión más temprana y más amplia del arte puede verse en las palabras latinas y griegas que se utilizaron para describirlo. La palabra latina ars (en plural, artes) se aplicaba a cualquier habilidad o conocimiento necesario para producir algo. De ella se deriva la palabra inglesa art, al igual que artificial, que significa algo producido por un ser humano. La palabra griega es aún más reveladora. Se trata de techne, la fuente del término tecnología, que la mayoría de la gente nunca confundiría con arte.

El significado más general de arte sobrevive en algunas expresiones modernas. Las artes liberales, por ejemplo, se refieren a los siete cursos de estudio universitario que se ofrecían durante la Edad Media: gramática, retórica, lógica, aritmética, geometría, música y astronomía. El estudiante que terminaba estos cursos recibía el título de bachiller en artes.

Las artes liberales tienen su origen en la actitud de los antiguos griegos y romanos hacia los distintos tipos de habilidades. Los filósofos griegos, principalmente Platón y Aristóteles, no separaban las bellas artes de las llamadas artes útiles, como se hace hoy. Distinguían entre las artes liberales y las artes serviles, y las bellas artes se clasificaban entre las labores de las clases bajas en la antigua Grecia y Roma.

La palabra liberal viene del latín liberalis, que significa “adecuado para un hombre libre”. Los estudios que realizaban los ciudadanos libres se consideraban, pues, artes liberales. Eran artes que requerían una capacidad mental superior: la lógica o la astronomía, por ejemplo. Tales artes contrastaban con las habilidades que eran básicamente laborales.

Servilis, palabra latina que significa esclavitud o servidumbre, se utilizaba para describir el trabajo manual que a menudo realizaban los esclavos, o al menos los miembros de las clases bajas. Las artes serviles incluían habilidades como la metalurgia, la pintura, la escultura o la zapatería. Los productos de estas artes proporcionaban comodidades materiales, pero no se consideraban bellas o nobles.

Estética y belleza

El concepto de beaux-arts, un término acuñado en Francia durante el siglo XVIII, se expresa en inglés como fine arts. Pero la palabra francesa beau (plural, beaux) suele traducirse como “bello”. Este uso es la pista decisiva para la separación de las bellas artes de las artes útiles y la tecnología en el siglo XVIII. Las artes de lo bello se separaron de las artes de lo útil debido a la creencia de que las bellas artes tenían una cualidad especial: servían para dar placer al público. El tipo de placer se denominaba estético, y se refería a la satisfacción que le proporcionaba al individuo o al grupo el mero hecho de percibir -ver u oír- una obra de arte. La obra podía ser un cuadro, una representación musical o teatral, un edificio bien diseñado o una obra literaria. La satisfacción puede provenir de la percepción de la belleza, la verdad o la bondad; pero desde mediados del siglo XVIII se ha hecho hincapié en la belleza.

La estética es el estudio o la ciencia de lo bello. La palabra deriva del griego aisthetikos, que significa “de la percepción sensorial”. El término estética fue acuñado por un filósofo alemán, Alexander Gottlieb Baumgarten, en una obra de dos volúmenes sobre el tema. Escrita en latín y titulada “Aesthetica Acroamatica”, se publicó entre 1750 y 1758. Esta obra inacabada, que estableció la estética como una rama de la filosofía, influyó en algunos destacados filósofos alemanes, especialmente en Immanuel Kant. Kant mantuvo el uso del término de Baumgarten para aplicarlo a todo el campo del conocimiento sensorial, y su interpretación fue adaptada por los escritores alemanes Johann Wolfgang von Goethe y Friedrich Schiller para presentar sus propios estudios sobre el tema (examine más sobre todos estos aspectos en la presente plataforma online de ciencias sociales y humanidades). Fue la “Crítica del juicio estético” de Kant -la primera parte de su “Crítica del juicio” (1790)- la que resultó ser la obra fundamental sobre el tema, y no el trabajo anterior de Baumgarten.

Para Baumgarten, la estética tenía dos vertientes. En primer lugar, era un estudio de la teoría de la belleza; en segundo lugar, era una teoría del arte. Estas dos vertientes, unidas en una sola ciencia (para un examen del concepto, véase que es la ciencia y que es una ciencia física), servían para distinguir las bellas artes de las demás actividades de la humanidad.

El reconocimiento de estas artes como algo distintivo y diseñado para el placer comenzó realmente durante el Renacimiento (principalmente en los siglos XV y XVI en Europa). Por primera vez, los artistas de gran destreza adquirieron reputación individual y sus obras fueron buscadas con avidez. Después de un periodo de 1.000 años (entre el 400 y el 1.400 d.C.) en el que la Iglesia dominó la cultura europea, los aristócratas adinerados y los nuevos comerciantes y banqueros ricos se dedicaron a las artes. Competían entre sí por la posesión de cosas bellas: casas, jardines, colecciones de pintura y escultura, libros de calidad y representaciones teatrales.

Las artes de la decoración y el diseño también adquirieron un prestigio que nunca antes habían tenido. Los arquitectos, los paisajistas, los pintores y los escultores adquieren un nuevo protagonismo y, a menudo, grandes recompensas económicas. Los monarcas, los nobles y la creciente clase media se convirtieron en mecenas de las artes: contrataron a compositores, dramaturgos y otros artistas para que crearan obras para ellos. Cuando Baumgarten publicó su “Aesthetica Acroamatica”, las bellas artes se habían apoderado del imaginario europeo. Su nueva terminología sirvió para mejorar su reputación, mientras que Kant y sus sucesores proporcionaron el marco intelectual para entenderlas.

Desde finales del siglo XVIII, la estética se ha convertido en un campo de estudio bastante amplio y diversificado. Al igual que el resto de las ciencias, se ha alejado del paraguas de la filosofía y se ha convertido en una disciplina propia. Trata de clasificar las artes, para entender, por ejemplo, qué tienen en común cosas tan diversas como el ballet y la escultura que permiten clasificarlas como bellas artes. El estudio de la estética también trata de describir las formas y estilos de las distintas artes. Elabora teorías de la historia del arte en un intento de trazar patrones de desarrollo y cambio, junto con el análisis de las influencias externas sobre los artistas y sus estilos.

La belleza -a diferencia de la estética, que no se utilizó como término hasta después de la década de 1750- ha sido objeto de debate y desacuerdo durante muchos siglos. El filósofo griego Platón podría considerarse, de hecho, el verdadero iniciador de la estética, ya que habló mucho de la naturaleza de la belleza en varios de sus diálogos. Para Platón, la verdadera belleza era un ideal más allá de la percepción humana; como la verdad y la bondad, era eterna. La belleza visible no podía ser absolutamente bella, creía, porque estaba sujeta al cambio, al crecimiento y a la decadencia. A su juicio, esta belleza no era más que una representación o imitación de la belleza real.

A pesar de todo lo que Platón dijo sobre la belleza, sus escritos nunca dan una definición precisa de la misma. Los artistas y artesanos griegos sabían cómo querían presentar la belleza en obras maestras como el Partenón de Atenas y la estatua de Helios en Rodas. Exigían proporción y armonía, de acuerdo con su principio de moderación: ni mucho ni poco. Pero los ejemplos no crean definiciones. A finales de la Edad Media, Santo Tomás de Aquino intentó definir la belleza como “algo agradable de contemplar”. A imitación de los griegos, señaló que “la belleza consiste en la debida proporción, pues los sentidos se deleitan en las cosas debidamente proporcionadas”.

Como definición, las palabras de Aquino son infructuosas. Ese es uno de los dos principales problemas de la belleza: la incapacidad de dar una definición clara y concisa que todo el mundo pueda entender y aceptar. El segundo problema es igual de molesto: ¿existen verdaderas normas de belleza o se trata sólo de lo que piensa el público? La conocida frase “La belleza está en el ojo del que mira” es la forma más común de decir que lo que es bello depende del espectador. En otras palabras, la belleza de una persona puede ser la fealdad de otra. La opinión contraria sostiene que la belleza puede separarse de la fealdad, al igual que la verdad puede separarse de la falsedad y el bien del mal.

Arte, tecnología y progreso

En una época, como se ha señalado anteriormente, se daba al arte el mismo significado que se aplicaba a las técnicas. Sin embargo, la descripción general de que cada una de ellas implica la destreza para fabricar o hacer algo ya no es cierta ni se acepta.

En la actualidad, la tecnología se considera generalmente una ciencia aplicada. La antigua terminología sigue teniendo cierta validez en el papel que desempeña la habilidad y también en la transformación de la materia. Las habilidades del artista, el artesano y el tecnólogo suelen implicar cambios en el mundo natural. El escultor da forma a una estatua con un bloque de mármol. El silicio, el metal y el plástico son transformados en un microchip por un técnico que utiliza una máquina. Por lo demás, el arte y la tecnología se han separado completamente. El objetivo de los artistas es dar permanencia al presente, hablar de su época creando obras que perduren en el tiempo. El objetivo de los técnicos es avanzar hacia el futuro y hacia nuevos descubrimientos.

La tecnología sugiere un cambio y una mejora permanentes. Una vez descubierta y adoptada una nueva técnica, la sociedad no intenta volver a la técnica anterior. El automóvil desplazó al caballo y a la calesa; la luz eléctrica sustituyó a las lámparas de queroseno; el cine sonoro sustituyó al cine mudo; y los procesadores de texto están dejando rápidamente obsoletas las máquinas de escribir.

Este avance de la tecnología se llama progreso. En las bellas artes no existe tal progreso. La habilidad del artista se basa en el conocimiento y la experiencia, al igual que la habilidad del técnico. Pero los procesos creativos parecen ser diferentes. Hoy en día, por ejemplo, se puede admirar el diseño de un carro romano, pero pocas personas querrían depender de él como medio de transporte habitual. En cambio, todavía es posible entrar en la Capilla Sixtina del Vaticano y asombrarse por la magnificencia de los frescos de Miguel Ángel. Estas pinturas tienen una excelencia que nunca pasará de moda.

Una obra de arte, ya sea un cuadro de Tiziano o un concierto de Mozart, no es un peldaño hacia otra cosa que algún día se considerará mejor. No es como el tubo de vacío, que cumplió su función hasta que se inventó el transistor. Cada obra de arte se sostiene por sí misma, es decir, es distintiva para todos los tiempos. Ni siquiera las malas imitaciones pueden dañar la bondad e integridad del original.

Todas las pinturas y piezas de escultura que se han hecho desde Miguel Ángel y Leonardo da Vinci son diferentes de las obras de esos dos maestros. Pero las obras más recientes no pueden considerarse en ningún sentido como una mejora en el mismo sentido que el barco de vapor es una mejora del barco de vela. La pintura del siglo XX, por muy buena que sea, no puede considerarse una mejora respecto a las pinturas rupestres prehistóricas descubiertas cerca de Lascaux (Francia); sólo puede considerarse diferente.

A finales del siglo XX, el arte y la tecnología se han unido gracias al ordenador. Es posible crear composiciones musicales en un ordenador. También es habitual diseñar modelos tridimensionales de productos comerciales o esbozar planos. Los ordenadores son utilizados por escultores, cineastas, arquitectos, grabadores y otros trabajadores de las artes visuales. Incluso es posible crear obras de arte acabadas en una pantalla de ordenador. Pero la distinción entre tecnología y arte persiste. Los ordenadores hacen que la ejecución de algunos tipos de arte sea más difícil e interesante; sin embargo, no hacen que el arte sea mejor.

Artes útiles

Una vez que las bellas artes fueron exaltadas por la estética hasta convertirse en una clase por sí mismas, la palabra arte, cuando se utilizaba sola, se entendía normalmente como bellas artes. En caso contrario, se modificaba con diversos adjetivos cuando se refería a otras habilidades. Hoy en día, por ejemplo, es habitual escuchar los términos artes decorativas, artes comerciales, artes industriales o artes gráficas. A veces se omite la palabra arte y se utilizan en su lugar términos como ciencias aplicadas, tecnologías o industrias.

El término artes útiles puede utilizarse para describir lo que no pertenece específicamente a las bellas artes. El término no es en absoluto preciso, por supuesto. Es obvio que un concierto para piano está destinado a ser escuchado y disfrutado, sin que tenga ninguna otra finalidad. No puede decirse lo mismo de un edificio bien diseñado. Aunque la arquitectura es una de las bellas artes, sus productos tienen otros usos además del estético. Las principales funciones de los edificios son las de vivienda y lugar de trabajo.

El uso y la belleza también suelen coincidir en otras artes cuyo objetivo principal es fabricar objetos útiles. Los muebles, las joyas, la vajilla o las alfombras hechas por artesanos expertos pretenden ser bellos además de útiles. Los baúles y edredones caseros y otras obras de arte popular elaboradas en las zonas rurales tienen diseños sencillos pero atractivos. Los diseños creados para revestimientos de paredes, cortinas y alfombras también pertenecen a la categoría general de las artes decorativas.

Las industrias de producción en masa invierten mucho esfuerzo y dinero en hacer que los automóviles, los barcos, los televisores, los ordenadores y los electrodomésticos sean atractivos a la vista, además de funcionales. El arte comercial utilizado en la publicidad suele tratar de atraer a los clientes hacia su producto o servicio.

Clasificaciones de las artes

Las artes se han clasificado como liberales o serviles, finas o útiles, como se ha señalado anteriormente. También pueden clasificarse por el sentido al que apelan o por el número de habilidades necesarias para crear el producto final.

Apelación sensorial. Las artes se suelen clasificar por su atractivo para los sentidos de la vista o el oído. Dado que la pintura, la escultura y la arquitectura dependen de la vista para su apreciación estética, todas son artes visuales, pero una escultura puede implicar también el sentido del tacto. Algunas artes útiles, como la fabricación de muebles, también apelan al tacto. La música es un arte auditivo, relacionado con el oído. La literatura puede ser tanto visual como auditiva. Cuando un individuo lee una novela, las palabras se transmiten a través de impresiones visuales. Los libros hablados proporcionan una experiencia auditiva del mismo arte. Si la cocina se incluye entre las artes útiles, su atractivo es tanto el gusto como el olfato.

Artes simples o compuestas. La pintura, la escultura, la música y la literatura son artes únicas. Cada una de ellas es independiente de las demás en el sentido de que las obras representativas pueden disfrutarse solas: un cuadro, una estatua, una sinfonía o un poema. La arquitectura, la ópera, el teatro y la danza son artes compuestas. Su éxito depende de una variedad de talentos.

Las grandes estructuras religiosas de la Europa medieval y renacentista fueron el resultado de la colaboración de arquitectos, canteros, vidrieros, escultores, pintores y mosaiquistas, por nombrar algunos. Una ópera reúne un argumento dramático, música interpretada y cantada, escenografía y vestuario bien diseñados, actuación y, tal vez, danza. Una película reúne a escritores, actores, directores, músicos, diseñadores de vestuario y decorados, operadores de cámara y una gran variedad de técnicos. El ballet combina la danza, la música, el argumento, el vestuario y la escenografía.

El desarrollo de la arquitectura como arte compuesto fue probablemente una división normal del trabajo. Nunca se esperó que un solo individuo que diseñara un gran edificio tuviera experiencia en todas las fases de su construcción. Como diseñador, el arquitecto probablemente trabajaba como capataz y coordinador del proyecto. Los especialistas que trabajaban a las órdenes del arquitecto pertenecían a sus propios gremios, al igual que muchos artesanos pertenecen a sindicatos en la actualidad.

Imitación y expresión en las artes

En el cuarto capítulo de su “Poética”, Aristóteles dice: “La imitación es natural para el hombre desde la infancia, ya que una de sus ventajas sobre los animales inferiores es que es la criatura más imitativa del mundo y aprende al principio por imitación. Y también es natural que todos se deleiten en las obras de imitación”. Por “obras de imitación”, Aristóteles entendía las obras de arte. Esto incluía los productos de la habilidad humana que ahora se consideran tecnológicos. Otros términos que podría haber utilizado para la imitación son “representación” y “representación”.

A lo largo de toda la historia del arte, desde el mundo antiguo hasta principios del siglo XX, se daba por sentado que el arte imitaba a la naturaleza. El poeta inglés del siglo XVI Thomas Overbury dijo simplemente: “La naturaleza es de Dios. El arte es el instrumento del hombre”. Unos 300 años más tarde, el crítico inglés John Ruskin señaló: “El arte no representa las cosas falsamente, sino tal y como se presentan a la humanidad”. “El arte es hijo de la naturaleza”, escribió el poeta estadounidense Henry Wadsworth Longfellow en su “Keramos y otros poemas”.

La imitación se consideraba un aspecto de las artes útiles, así como de lo que ahora se llaman las bellas artes. El zapato imita el pie y el guante la mano. El tema más duradero del escultor ha sido la representación del cuerpo humano. Gran parte de la pintura del Lejano Oriente representa la naturaleza. Platón, en su diálogo “Sofista”, señaló que el pintor es capaz de imitar cualquier cosa del mundo, y es cierto que la elección de temas del pintor es prácticamente ilimitada: paisajes, edificios, personas, animales, escenas de batalla y bodegones de frutas o flores. La literatura puede imitar el drama de toda la humanidad o la vida individual. La poesía, en el sentido clásico, ha intentado imitar la verdad misma. La música imita las pasiones humanas. La música también puede ser descriptiva al presentar sonidos que recuerdan al oyente un acontecimiento: el rugido de los cañones cuando Napoleón invadió Rusia en la “Obertura 1812” de Tchaikovsky, las olas ondulantes de “La Mer” de Claude Debussy y los ruidos de los insectos en “El vuelo del abejorro” de Rimski-Korsakov.

La imitación, en este sentido, no significa duplicación. Una casa real es tridimensional, pero una pintura de la casa, aunque sólo sea bidimensional, podría ser una representación realista. La escultura, que es tridimensional, se aproxima más a la realidad, pero carece de la vida de lo que representa.

En el siglo XX se produjo un divorcio entre el arte y la naturaleza (o al menos una separación parcial). Hasta la década de 1960 se produjeron movimientos artísticos como el cubismo, el dadaísmo, el no objetivismo, el expresionismo abstracto, el surrealismo, el arte pop y el minimalismo.

La negación de que el arte tenga que ser imitativo está en el centro de una declaración de Pablo Picasso. Cuando le preguntaron si pintaba lo que veía, respondió “Pinto lo que sé que está ahí”. Pintar lo que uno ve es una descripción del arte como imitación. Esta afirmación bastante críptica de Picasso enturbia la cuestión de la imitación y sitúa el origen de la creación artística totalmente en el artista. El objetivo del artista es la autoexpresión, no necesariamente la imitación de ningún rasgo del mundo exterior. Tanto la inspiración como el tema provienen del interior. O el artista puede intentar destilar la esencia de lo que ve, para crear una abstracción de sus cualidades.

El movimiento que se aleja del arte como imitación, o representación, comenzó probablemente en Francia con el trabajo de los impresionistas en el siglo XIX. La palabra impresionista es en sí misma sugerente. El artista no se limita a pintar una representación, ya que la obra da una impresión personal de lo que se ve. El artista no intenta ser un realista fotográfico.

Por lo tanto, a finales del siglo XIX y principios del XX se produjo una brusca ruptura con todas las concepciones anteriores del arte. Un cuadro o una escultura ya no tenían que referirse a algo familiar. En su lugar, podían consistir únicamente en líneas, formas y colores abstractos. Puede decirse que ese arte expresa la vida interior, la imaginación o las emociones del artista. O puede ser un arte que no se refiera a nada en absoluto: pura abstracción por sí misma.

La teoría del arte como expresión ha sustituido generalmente a la creencia del arte como imitación. Los críticos han sostenido, por ejemplo, que todo el arte representativo es en cierto grado abstracto. Mientras que algunos rasgos del tema se enfatizan, otros se ignoran o se minimizan. El arte gótico de la Edad Media era abstracto hasta cierto punto, ya que no pretendía representar la realidad literal. Pretendía representar el simbolismo religioso, pero las abstracciones no estaban tan alejadas de la experiencia normal como para que no fueran fácilmente reconocibles por los espectadores. Los retratos abstractos de los santos y las representaciones de los acontecimientos de la vida de Jesús se habían vuelto familiares para los espectadores por una larga asociación.

Las artes escénicas, en particular, tienen la cualidad de la expresión. Una pieza musical puede expresar felicidad o tristeza. La canción “Ol’ Man River” de George Gershwin tiene un aire de tristeza y fatalismo. Las marchas de John Philip Sousa evocan las artes de la guerra, mientras que algunas músicas de George M. Cohan parecen proclamar el patriotismo. Los cuadros pueden expresar una gran variedad de emociones, mientras que las obras literarias pueden abarcar toda la gama de actividades humanas. El drama trágico, según Aristóteles, estaba destinado a despertar el miedo y la piedad en el espectador, proporcionando así una liberación emocional.

Principios de la forma

La Metro-Goldwyn-Mayer, el estudio cinematográfico, ha utilizado durante mucho tiempo el lema latino Ars gratia artis (El arte por el arte). La afirmación carece básicamente de sentido, ya que es bastante dudoso que algo pueda existir por sí mismo, sin ningún otro propósito u objetivo. El arte, al menos, está pensado para ser disfrutado. Pero hay una escuela de teoría del arte que sostiene que las artes visuales no sirven para otros fines que los propios. El disfrute de cada pintura o pieza de escultura se basa únicamente en las formas visibles: colores, líneas y formas, que son suficientes para satisfacer los gustos estéticos del público.

Esta teoría del arte tiene un fundamento más firme cuando se trata de los principios de la forma. Los antiguos griegos tenían sus propios principios: la armonía, la proporción, la ausencia de exceso y de defecto. Aristóteles estableció principios de forma para la literatura dramática en la “Poética”. Su primer principio era la unidad: una obra debe tener un principio, un medio y un final; todo en el drama debe pertenecer y tener un propósito. También exigía la diversidad: un artista podría pintar un lienzo de un solo color, que tendría unidad, pero sería completamente carente de interés. Lo mismo exigía Aristóteles con el drama. Necesita diversidad y complejidad para que resulte atractivo para el público, pero toda la complejidad debe unirse al final para que nada quede sin resolver.

Junto a la cuestión de la diversidad está la multiplicidad de temas. Las obras de ficción más largas suelen tener una línea argumental dominante y varios temas menores. Es el caso, por ejemplo, de “Guerra y Paz” de Leo Tolstoi. Los temas principales son la invasión de Rusia por Napoleón en 1812 y las historias de amor de Natasha, con André y Pierre. Pero hay numerosas tramas y temas subyacentes que ocupan a las decenas de personajes de la novela.

Incluso los cuadros pueden tener dos niveles temáticos. Algunas de las obras religiosas de Hieronymus Bosch, el pintor holandés, son bastante complejas. Su “Jardín de las delicias” tiene un tema principal, pero está compuesto por escenas aisladas con temas propios. Las piezas musicales más largas, especialmente las sinfonías, son multitemáticas; y los poemas épicos entrelazan varias historias dentro de un tema principal. La “Ilíada” de Homero, la mayor de las epopeyas, es un ejemplo clásico.

Algunas obras de arte -sobre todo el teatro, las novelas, los poemas largos y la música- deben mostrar un desarrollo a medida que avanzan de principio a fin. No debe haber partes intercambiables o susceptibles de ser desplazadas de un lugar a otro. Tampoco debe haber interrupciones que dejen al público preguntándose qué falta. El proceso de desarrollo debe demostrar equilibrio. Cada segmento de una obra de arte necesita un tiempo adecuado: la obertura de una ópera, por ejemplo, no puede ser más larga que la ópera. En un drama, la acción debe distribuirse a lo largo de los actos. En una pintura, los objetos del fondo deben parecer más pequeños que los del primer plano, a menos que la obra sea completamente abstracta.

El estilo en las artes

El término estilo se entiende más fácilmente como una forma de hacer arte. Cuando dos autores tienen una forma diferente de escribir, se dice que cada uno tiene un estilo personal. El estilo de Herman Melville era propio, muy diferente del de Mark Twain, por ejemplo. Si un escritor atrae a seguidores que intentan imitar la forma particular de escribir del autor, contribuyen a perpetuar un estilo. Los imitadores de James Joyce, por ejemplo, utilizan sus efectos de flujo de conciencia, y sus escritos se denominan joyceanos.

Los antiguos templos griegos, las iglesias románicas medievales y los rascacielos del siglo XX tienen características diferentes. Lo peculiar de cada uno es su estilo. Un movimiento pictórico, como el impresionismo, puede llamarse estilo. Una escuela de pintura, como la Escuela del Río Hudson a principios del siglo XIX, sugiere un estilo específico. De hecho, hay tantas formas de describir el estilo que la palabra se ha vuelto casi imposible de definir.

En el siglo XX han surgido muchos estilos de música popular. Uno de los más dominantes es el rock, que a su vez representa una fusión de estilos anteriores. Dentro del rock se desarrollaron varios subestilos. A Elvis Presley, que apareció a mediados de los 50, le siguieron los Beatles a principios de los 60. Al mismo tiempo, los Rolling Stones comenzaron a tocar una forma más cruda de rock. Los Stones abrieron el camino al punk rock de los Sex Pistols. En 1990, la música de Elvis Presley y su inspirador, Chuck Berry, se denominaba rock clásico, en contraste con los estilos posteriores, más extremos o violentos.

La propia palabra estilo procede del latín stilus, que originalmente se refería a una estaca y más tarde se utilizó para un instrumento de escritura afilado. La palabra ha llegado al inglés como stylus, para denotar dicha pluma. Debido a su asociación con la palabra escrita, stilus también absorbió un significado coloquial que se refería a un uso hábil de las palabras, ya sea al escribir o al hablar. Durante muchos siglos se habló de otros tipos de arte en términos de su manera, características o cualidades similares. El término estilo se limitaba a la literatura y la retórica.

En Italia, el estilo no se aplicó a los distintos tipos de música hasta aproximadamente el año 1600. Su uso para las artes visuales llegó poco después de 1700. Hoy en día es la palabra más utilizada para describir las características distintivas de artistas individuales, periodos de arte, artes nacionales, tipos regionales y otras variaciones en las artes. Así, los términos románico, bizantino, gótico, realista, postimpresionista, cubista, barroco, rococó, clásico, neoclásico, manierista, puntillista, surrealista, minimalista y adjetivos similares pueden entenderse como indicación de estilos.

En las artes visuales, especialmente, los estilos surgen y se desarrollan de diferentes maneras y por diferentes razones. En arquitectura, por ejemplo, un estilo puede surgir de un intento de resolver problemas estructurales. Cuando la catedral gótica apareció por primera vez en Francia, alrededor de 1140, quienes la diseñaron encontraron la manera de soportar el peso de los muros y techos utilizando contrafuertes externos. De este modo, se pudo disponer de mayores extensiones del muro más delgado para las ventanas, algo que antes no era fácil de conseguir.

Una vez que las soluciones estructurales de la arquitectura gótica fueron generalmente aceptadas, se construyeron nuevas catedrales en todo el norte de Francia. La nueva forma de construir se convirtió rápidamente en un estilo que se imitó conscientemente en toda Europa. Como consecuencia, se desarrollaron subestilos góticos. La York Minster (Catedral de San Pedro) de Inglaterra, la catedral de Colonia de Alemania y la catedral de Milán de Italia son reconocibles como góticas. Pero también difieren entre sí de forma sorprendente.

El rascacielos del siglo XX también fue el producto de la nueva tecnología y la imaginación. La Torre Sears, en Chicago, y el World Trade Center y el Empire State Building, en Nueva York, fueron posibles gracias a la construcción con vigas de acero. La introducción del ascensor había hecho posibles los edificios altos, pero la construcción tradicional de mampostería seguía limitando la altura de los edificios del centro. Este problema fue resuelto por William Le Baron Jenney, el ingeniero que diseñó el edificio de la Home Insurance Company (1884-85) en Chicago. Precursor del rascacielos moderno, tenía un esqueleto de columnas de hierro fundido, cubiertas de mampostería, y vigas de hierro forjado. Probablemente no sea una coincidencia que la estructura alta más famosa de la época fuera la Torre Eiffel de París, una construcción totalmente de vigas de acero (véase Torre Eiffel).

A veces los cambios estilísticos son poco más que una cuestión de decoración. Los tres tipos más conocidos de columnas griegas clásicas eran dóricas, jónicas y corintias. Los tres tipos servían esencialmente para los mismos fines, y desde la distancia se parecían bastante. Una visión más cercana muestra sus diferencias estilísticas, sobre todo en la decoración. Mientras que la parte superior de una columna dórica era bastante sencilla, en la jónica había una talla de caracol y en la corintia, hojas de acanto.

Todas las artes están influenciadas por la época en la que florecen. Están sujetas a las limitaciones o a la abundancia de una época, especialmente a la calidad y disponibilidad de los materiales para las artes visuales. Las grandes obras de escultura de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y otros artistas se beneficiaron de las canteras de mármol italianas cercanas. La arquitectura siempre ha estado sujeta a los conocimientos técnicos de sus distintas épocas. Lo que se expresa y la forma en que se expresa también se basan en épocas específicas. Los grandes acontecimientos suelen dar lugar a una gran cantidad de arte. La Revolución Francesa y la carrera de Napoleón influyeron poderosamente en todas las artes de Francia, tanto en el estilo como en el contenido.

Las ideas políticas y económicas de una época pueden tener un vivo impacto en la literatura. La Revolución Industrial y sus consecuencias inspiraron a muchos escritores del siglo XIX. Charles Dickens no podría haber escrito “Tiempos difíciles” si no fuera con el trasfondo de una sociedad recién industrializada. La pobreza masiva y la brutalización de los trabajadores a finales del siglo XIX y principios del XX fueron algunos de los factores que inspiraron los estilos llamados realismo y naturalismo. Emile Zola en Francia y Theodore Dreiser en Estados Unidos fueron notables realistas en la ficción.

Ningún estilo realmente bueno pasa nunca de moda. Las artes funerarias y de los templos de los egipcios y los mesopotámicos quedaron obsoletas incluso en el mundo antiguo. Pero los estilos posteriores que se desarrollaron en la sociedad occidental han perdurado. La arquitectura clásica de Grecia y Roma reapareció durante el Renacimiento y de nuevo con el Romanticismo del siglo XIX. Algunas estructuras modernas siguen utilizando líneas clásicas o neoclásicas. El gótico nunca ha pasado de moda para las casas de culto, aunque la mayor parte del gótico moderno es totalmente inauténtico como forma de construir. (Los problemas para los que se diseñó el estilo pueden resolverse ahora de otras maneras). Lo mismo ocurre con la arquitectura bizantina, producto de la antigua y medieval Constantinopla (actual Estambul).

Los estilos renacentistas de la Baja Edad Media tienen un atractivo más amplio y se siguen utilizando en una mayor variedad de edificios: museos, instituciones educativas y edificios gubernamentales, por nombrar algunos. La mezquita, que se desarrolló como casa de culto en el Islam, ha persistido durante siglos, aunque existen llamativas variedades regionales y nacionales del estilo. En las sociedades tradicionales, como las que existen en la India, los estilos pueden persistir casi sin cambios durante siglos.

La formación del artista

Los artistas y sus obras pertenecen, ante todo, a lugares y épocas concretas. A través de sus obras, los artistas interpretan sus sociedades para su propia generación. Al mismo tiempo, destilan la esencia de su tiempo y lugar para las generaciones posteriores. Una ilustración de Norman Rockwell capta perfectamente la calidad de vida en la América rural y pueblerina de la primera mitad del siglo XX. El gran rosetón de la catedral de Chartres describe con viveza los objetos de creencia de los cristianos del siglo XII. La terminal de Trans World Airlines de Eero Saarinen en el aeropuerto internacional John F. Kennedy de Nueva York simboliza la tecnología y la aventura del vuelo.

Como los artistas son producto de su tiempo, absorben las ideas, creencias y técnicas predominantes de su generación. También son individuos con un talento especial, que en la mayoría de los casos han dedicado una parte importante de su vida a formarse y a perfeccionar sus habilidades.

Hoy en día es posible estudiar artes en un colegio o universidad. También hay escuelas especializadas en arquitectura, música, diseño y otras artes. Estas instituciones educativas son un desarrollo bastante moderno, sobre todo de mediados del siglo XIX. Desde la antigüedad hasta el siglo XVI, los artistas eran formados por otros artistas en sus talleres o estudios. Convertirse en artista requería un largo aprendizaje (véase Aprendizaje). El artista neófito se convertía en aprendiz cuando era un joven adolescente y realizaba las tareas más serviles en el estudio antes de formarse en las tareas más difíciles de un arte u oficio. El periodo normal de servicio era de siete años.

En el siglo XVII, el artista en ciernes se consideraba más un alumno que un aprendiz; la formación de estudiantes de arte por parte de los maestros duró hasta bien entrado el siglo XIX. En el siglo XVII, sin embargo, las primeras academias habían comenzado a florecer como centros de formación. En Italia se fundó la Accademia di San Luca en Roma en 1593. En Francia se fundó en París en 1648 la Real Academia de Pintura y Escultura, que se inspiró en ella. La Royal Academy of Arts de Inglaterra se fundó en Londres en 1768.

Estas academias se convirtieron en una fuerza vital en la instrucción de los jóvenes artistas y ejercieron una poderosa influencia en el desarrollo de las artes en general. Como las academias limitaban sus inscripciones, crearon élites artísticas dentro de sus países. También establecieron normas de gusto para sociedades enteras. Por su insistencia en la técnica correcta, las escuelas tendían a estandarizar el arte y a premiar el conformismo.

En el siglo XIX surgieron reacciones contra el monopolio de las academias. En Londres, la Escuela de Diseño, patrocinada por el gobierno, abrió sus puertas en 1837. En 1852 se fundó el Victoria and Albert Museum y, al mismo tiempo, el gobierno creó otras escuelas de arte. La combinación de museo y escuela de arte se impuso también en otros países. Una parte básica de la formación del artista consistía en pintar imitaciones de los antiguos maestros en los museos. En París se creó en 1795 el Instituto Francés (actual Escuela Nacional Superior de Bellas Artes) para supervisar las artes y desplazar a la Real Academia de Pintura y Escultura como institución de formación.

En Inglaterra, bajo la dirección de William Morris, se crearon escuelas para enseñar tanto bellas artes como artes aplicadas. Esta fusión de las bellas artes y las artes aplicadas fue impulsada por la Bauhaus (casa de la construcción), una escuela de diseño fundada en Weimar (Alemania) en 1919 por Walter Gropius. Con su destacado profesorado de arquitectos, pintores y otros artistas, la Bauhaus transformó por completo la educación artística. Gracias a su influencia, las escuelas de arte que adoptaron sus métodos e ideales se incorporaron a los colegios y universidades, especialmente en Estados Unidos.

Las escuelas de formación musical comenzaron con la fundación de un conservatorio en París en 1795. En las décadas siguientes se crearon otros conservatorios en ciudades europeas y americanas. Algunos de ellos acabaron asociándose a universidades. La primera escuela moderna de danza, la Real Academia de Danza, fue fundada en Francia por el rey Luis XIV en 1661. Con esta y otras escuelas francesas, París se convirtió en el principal centro de formación de ballet. La formación para el teatro fue, hasta el siglo XX, similar a un sistema de aprendizaje. Los jóvenes actores trabajaban en los teatros para aprender su oficio de la mano de intérpretes experimentados. Hoy existen dos tipos principales de escuelas de teatro. Algunas, como el Actors Studio de Nueva York y la Royal Academy of Dramatic Art de Londres, sólo enseñan interpretación. Otras, como la Yale School of Drama, son talleres asociados a universidades e institutos.

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Características de Artes visuales

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Recursos

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Traducción de Artes visuales

Inglés: Visual arts
Francés: Arts visuels
Alemán: Visuelle Kunst
Italiano: Arti visive
Portugués: Artes visuais
Polaco: Sztuka wizualna

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Véase También

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Bibliografía