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Estudios Cinematográficos

Disrupción en la Industria Cinematográfica

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Este texto se ocupa de la disrupción que se está produciendo en la industria del cine. ¿Puede Hollywood adaptarse a la era del streaming? Bajo la presión de la competencia, Disney y WarnerMedia, la empresa matriz de Warner Bros, están preparando el lanzamiento de sus propios servicios de streaming para llegar a un público más inclinado a ver las películas en casa o en sus dispositivos que en los cines. Mientras tanto, y mientras Hollywood se tambalea por las acusaciones de acoso sexual generalizado y la desigualdad salarial basada en el género, algunos ejecutivos de los estudios se comprometen a contratar a más mujeres y minorías para papeles clave delante y detrás de la cámara. Los distribuidores suministran películas, programas de televisión, vídeos y nuevos medios a diversos puntos de distribución, como cines y emisoras. Esto se hace en los territorios donde han adquirido los derechos a los productores. Tradicionalmente son la principal fuente de financiación de las nuevas producciones. El sector de la distribución recibe el sobrenombre de “sector invisible”. Sus prácticas suelen afectar sólo a los conocedores de la industria y pasan desapercibidas para el público.

Vídeo Musical

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¿Cómo podemos comprometernos críticamente con el vídeo musical y su papel en la cultura popular? ¿Qué tienen que decirnos los vídeos musicales contemporáneos sobre los modelos de identidad cultural actuales? Basado en una serie ecléctica de estudios de caso, este examen es un análisis de las formas, los placeres y la política que ofrecen los vídeos musicales. Al replantear algunos enfoques clásicos de los estudios cinematográficos y de la música popular y conectarlos con los nuevos debates sobre el “estado” actual del feminismo y la teoría feminista, este texto muestra por qué y cómo deberíamos estudiar los vídeos musicales en el siglo XXI. El vídeo musical es una forma importante e interesante de la cultura popular contemporánea. La razón de ser del vídeo musical como dispositivo promocional ha tenido una serie de consecuencias significativas en la forma en que se ha estudiado y conceptualizado. El análisis del vídeo musical se pone al servicio de fines teóricos más amplios como el lugar en el que tanto la economía como la estética del posmodernismo se condensan en pruebas palpables de la lógica de la posmodernidad. Se investiga algunos conceptos críticos clave en relación con el vídeo musical. También aborda el examen del vídeo musical como un lugar en el que las construcciones normativas de raza, género y etnia se ponen en evidencia, se confirman, se refuerzan y, a veces, se desafían. El vídeo musical se considera seriamente como una forma distinta de cultura popular con su propio y complejo conjunto de estructuras y convenciones, así como un sitio importante para la representación de las identidades culturales. La literatura también analiza las formas en que los tropos de la negritud y la blancura de larga data se utilizan para desarrollar diferentes feminidades para las mujeres negras y blancas.

Neorrealismo Italiano

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Este texto se ocupa del Neorrealismo italiano y del neorrealismo transnacional. Los historiadores intelectuales, culturales y cinematográficos han considerado durante mucho tiempo el neorrealismo como el bloque fundador del cine italiano de la posguerra. El neorrealismo, según la historia tradicional, fue un estilo cinematográfico italiano nacido en la segunda posguerra y destinado a recuperar la realidad de Italia tras las imágenes en movimiento azucaradas del fascismo. Duró desde 1945 hasta principios de la década de 1950 y produjo obras maestras de renombre mundial como “Roma, città aperta” (Roma, ciudad abierta, 1945) de Roberto Rossellini y “Ladri di biciclette” (Ladrones de bicicletas, 1947) de Vittorio De Sica. Estas películas ganaron algunos de los premios cinematográficos más prestigiosos de la inmediata posguerra. Este texto trata de complicar este enfoque basado en la nación de la historia del neorrealismo. A pesar de la historia tradicional, el significado y los orígenes del término son problemáticos. Con una gran falta de recursos pero una abundancia de problemas del mundo real que abordar, los cineastas italianos que antes habían rodado producciones tradicionales en los estudios de Cinecittà salían ahora a la calle con un equipo mínimo, actores no profesionales y una creencia inquebrantable en su propósito sociopolítico. El final de la Segunda Guerra Mundial y el consiguiente fin de la ocupación alemana permitieron entonces que el movimiento neorrealista prosperara artísticamente, discutiendo las turbulencias sociopolíticas y las luchas del mundo real de una manera que nunca fue posible bajo el gobierno de Mussolini.

Dirección Cinematográfica

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A partir de 1960, los directores de cine estadounidenses de primera fila empezaron a hacer películas en las condiciones que se habían practicado en Europa durante todo el siglo. El insignificante sistema de estudios de Francia, por ejemplo, había permitido y alentado a los empresarios individuales a montar proyectos cinematográficos de forma puntual. El éxito de la dirección de cine tiene mucho que ver con las relaciones sociales intangibles, como mantener la armonía (o la competencia productiva) en el plató, obtener las mejores interpretaciones posibles de los actores, dar forma a un guión que aproveche el talento del director de fotografía o del actor principal, o suplicar al productor el dinero necesario para una toma especial. Más allá de estas expectativas rutinarias, el gran director de cine se identifica por un enfoque único o ingenioso del medio. Los directores de cine se han ganado elogios por su audaz manejo de las historias.

Elementos Expresivos en las Artes Visuales

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Este texto se ocupa de los elementos expresivos en las artes visuales, incluido especialmente el cine. Muchos observadores han visto en el cine un medio de expresión comparable al lenguaje. Sin embargo, el lenguaje del cine no es el lenguaje de las palabras, a pesar de que los diálogos hablados han sido parte integrante de las películas desde finales de la década de 1920, y de que antes se necesitaban subtítulos escritos para explicar la acción. La expresividad del cine debe buscarse principalmente en las cualidades de sus imágenes y sonidos. Algunos rasgos básicos del cine pueden operar con la lógica del lenguaje natural, pero pocos teóricos han sostenido que la expresión cinematográfica siga reglas como las del lenguaje natural. Se ha demostrado que diversos códigos de expresión funcionan de forma natural o han sido inculcados, y sus efectos pueden calcularse. Dichos códigos y efectos se dan en todos los aspectos de la producción cinematográfica y pueden clasificarse fácilmente en los que afectan a la cinematografía, el montaje, el sonido, el guión, la interpretación y el diseño.

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